El término viola se atribuye a numerosos instrumentos musicales de cuerda frotada antiguos a lo largo de la historia, que tuvieron gran auge durante el período Barroco musical. Por ejemplo, está la viola da gamba, la viola da braccio o la viola d’amore, entre muchas otras.
Con la aparición del violín en el s. XVI (que, como su nombre indica, es una viola de menor tamaño) había que hacer una nueva clasificación de los instrumentos de cuerda frotada más populares, de modo que representaran a las voces humanas en una orquesta, tanto agudas como graves. Así el violín, al ser el más pequeño, equivaldría a la voz soprano, la viola moderna equivale a la voz contralto, el violoncello a la voz tenor y el contrabajo al barítono.
Diferencias entre violín y viola
Tamaño
El violín es un poco más pequeño que la viola. Un violín típico de tamaño completo mide unos 36 cm (14 pulgadas), mientras que una viola de tamaño completo mide unos 40 cm (unas 16 pulgadas). Aunque este tamaño puede variar, no es inferior a 38 cm. Por lo tanto, sigue siendo más grande que el violín. Además, el cuerpo de la viola es más ancho y profundo. El tamaño hace una gran diferencia en el tono del sonido. Por lo tanto, para que la viola pueda tocar las frecuencias más bajas, necesita este tamaño adicional.
Arco
El violín y la viola utilizan arcos diferentes. El arco de violín es más largo y delgado y pesa unos 10 gramos menos que el arco de viola. Esto se debe a que las cuerdas de la viola son más pesadas. Por lo tanto, necesita un arco más pesado para producir un sonido claro en las frecuencias más bajas.
Un poco difícil de ver es la diferencia en el talón del arco, que es más grueso y, a menudo, más curvado en comparación con el borde recto de un arco de violín. Esto tiene que ver con cómo se sostiene el arco en cada instrumento para crear el sonido que se necesita. Estas pueden parecer ligeras diferencias, pero para un músico experimentado, marcan una gran diferencia.
Cuerdas
Las cuerdas la viola son C – G – D – A, mientras que las del violín son G – D – A – E, empezando por la más grave. La viola está afinada en quintas al igual que el violín, pero en lugar de tener el Mi alto (E), tiene un Do bajo (C), que está una octava por debajo del Do medio. Además, las cuerdas de la viola son un poco más gruesas que las del violín.
Sonido y Tono
La viola produce notas más graves o bajas que el violín, pero no tan bajas como el violonchelo.
El tono de la viola es más suave. Eso hace que sea fundamental en la familia de instrumentos de cuerda.
Escoger tamaño de la viola
Por lo general, el tamaño de una viola para un niño principiante sería de 11” durante dos años, luego con 12” durante otros dos años, con 13” durante dos, con 14” durante dos años; el tamaño final podría ser 15”, 15,5” o 16”. Existen violas de 16,5” y 17”, pero por lo general están reservadas para instrumentistas muy altos con manos grandes.
La mayoría de los adultos tocan violas de 15”, 15,5” o 16”, a menos que sus dedos, manos y brazos sean mucho más largos y requieran tamaños más grandes para mayor comodidad.
Los violistas leen las partituras en clave de DO
En función de la altura del tono que se pretenda alcanzar en la música, podemos usar distintas claves musicales. Es decir, un instrumento o una voz soprano que alcance los tonos más altos, generalmente usará partituras escritas en clave de SOL.
Las violas en cambio, usarán partituras en clave de DO. Podemos distinguir el uso de la clave de DO en las partituras según la altura de las voces humanas:
clave de DO en segunda línea del pentagrama – voz de mezzosoprano
clave de DO en tercera línea – voz de contralto
clave de DO en cuarta línea – voz de tenor
En el caso de la viola, que representa a la voz contralto y tenor, se suele usar la clave de DO en tercera y cuarta línea, por lo general.
¿Es necesario aprender a tocar el violín antes que la viola?
No necesitas habilidades básicas con el violín, si lo que realmente quieres es tocar la viola. Así como no necesitas tocar otros instrumentos antes de empezar con el violín, tampoco necesitas tocar el violín u otros instrumentos antes de empezar con la viola. Por supuesto, cuando ya tienes algunas habilidades básicas con el violín, son realmente útiles. Es fácil cambiar de violín a viola o al revés.
Hace décadas se pensaba que era más adecuado aprender a tocar el violín para un niño de manos y brazos pequeños, debido al menor tamaño del violín. Más adelante, cuando el niño crece, podía seguir con el violín o pasar a viola. Hoy en día se fabrican violas de distintos tamaños, de modo que un niño podría comenzar sus estudios de viola sin necesidad del violín.
El proceso de aprendizaje sí es bastante parecido al del violín. Es necesario asimilar la correcta postura de los brazos, practicar el sonido del arco con cuerdas al aire y la entonación con escalas, para comenzar.
Para finalizar, te dejamos con algunas obras muy interesantes compuestas para viola como solista:
Si tocas un instrumento de cuerda, como un violín, una viola, un violonchelo o un contrabajo, es posible que la sensación y el sonido cambien casi a diario. ¿Por qué sucede esto? La respuesta es que las maderas de abeto y arce de tu instrumento son materiales higroscópicos, lo que significa que absorben la humedad de la atmósfera que los rodea. Nunca debemos olvidar que los materiales naturales que componen un instrumento de cuerda provienen de los organismos vivos que llamamos árboles.
Esos árboles toman nutrientes del suelo, la luz solar y el agua, y respiran dióxido de carbono y expulsan oxígeno, lo contrario de lo que hacemos. A pesar de que un árbol sea talado y se convierta en el instrumento que tocas, la madera sigue reaccionando a su entorno. Y estos cambios significan que tu instrumento necesitará ser revisado regularmente por un técnico capacitado conocido como luthier.
¿Que es un luthier?
Un luthier es un profesional altamente capacitado que se especializa en la artesanía y el mantenimiento de un instrumento de cuerda. Estas personas dedican años a estudiar la madera y la construcción de instrumentos y aunque un violín ya suene bien, el luthier busca constantemente formas de hacer que suene mejor y sea más cómodo para el músico que lo usa.
¿Con qué frecuencia hay que visitar a un luthier?
La frecuencia con la que necesitas llevar tu instrumento a un luthier depende de muchos factores, incluida la frecuencia con la que lo tocas y cuán drástico es el cambio estacional en el lugar donde vives. En general, es una buena idea que un luthier revise tu instrumento al menos una vez al año. Tras la inspección, el luthier buscará lo siguiente:
– Estado general e integridad del instrumento. ¿Hay zonas abiertas o grietas en la madera? Estas cosas son inevitables en la vida de cada instrumento de cuerda y no son culpa del ejecutante, pero si ocurren, es necesario un servicio inmediato. Cerrar una apertura que se ha despegado suele ser un asunto simple en el que el luthier aplica gotas de pegamento para pieles y sujeta la zona durante la noche para asegurarse de que esté bien cerrada. Las grietas, por otro lado, presentan más de un problema. A menudo, el luthier necesitará quitar toda la tapa superior del instrumento para instalar “tacos” en el interior para mantener la grieta sellada en su lugar y completar la reparación.
– Inspección de puentes. ¿El puente del instrumento está sano y bien posicionado sin deformaciones? ¿Son correctas las holguras de las cuerdas? De lo contrario, el puente puede requerir algún ajuste o incluso reemplazo.
– Inspección del diapasón. ¿El diapasón está liso y bien formado? Durante largos períodos de tiempo, el movimiento de las manos y las cuerdas provocará un desgaste que un luthier puede remediar remodelando y restaurando el contorno del diapasón. Esto ayudará tanto con la entonación como con el cambio de posición, haciendo que el instrumento sea más cómodo y receptivo.
– Estado de las clavijas. Las clavijas son un componente móvil del instrumento y, con el tiempo y el uso constante, los orificios de las clavijas pueden volverse ovalados debido a la tensión de las cuerdas. Esto puede provocar que se deslice o se pegue, lo que provocará problemas de entonación. El luthier determinará cuándo deben repararse, un proceso en el que se usa un escariador para restaurar los orificios de las clavijas a una forma circular. Luego se aplica un compuesto a los ejes de las clavijas y se reinician en la caja de clavijas para una acción de afinación suave y confiable.
Quizás la parte más importante de una revisión es el ajuste del alma. Las almas de violín se cortan para encajar perfectamente en un lugar seleccionado para apoyar completamente la tapa superior y maximizar el tono del instrumento. Con el tiempo, el alma puede volverse demasiado corta o demasiado larga y debe volver a cortarse o moverse para maximizar el tono. Si es demasiado corta forzará una colocación que puede minimizar el tono o causar nasalidad, y puede comprometer la tapa superior si se deja demasiado corta. Un alma larga puede volverse demasiado apretada, causando también un sonido débil y, nuevamente, comprometiendo la tapa. Una grieta en la placa superior en el área del alma es quizás la grieta más grave posible: muy costosa de reparar, altera el tono y se devalúa, definitivamente algo que debe evitarse.
Además de revisar el alma, el luthier revisará si hay costuras abiertas. Las placas superior y posterior están pegadas a las nervaduras con un pegamento bastante débil que fallará cuando la madera se expanda o se contraiga. Esto es intencional; si la costura no falla, la madera puede agrietarse y provocar una reparación mucho más crítica. Las costuras abiertas se pueden volver a pegar con bastante facilidad. Las costuras abiertas pueden ser otra razón para el tono débil, ya que restringirán la vitalidad de la placa superior y pueden causar sonidos de «zumbido» no deseados que volverán loco a cualquier jugador.
Las clavijas también necesitan mantenimiento a medida que cambia el clima. La caja de clavijas de arce se expandirá en verano y se contraerá en invierno, lo que hará que las clavijas se vuelvan pegajosas o resbaladizas. Por lo general, esto se puede abordar con compuestos que el luthier aplica a las clavijas. Con el tiempo, los orificios de las clavijas pueden achatarse, por lo que un redondeo rápido de los orificios también puede ayudar a la eficacia de las clavijas.
Más allá de estos ajustes, una revisión podrá incluir una limpieza y pulido (la acumulación de resina dañará el barniz con el tiempo y puede reducir el tono), revisar las cuerdas (se desgastan o pierden el tono después de 6 a 12 meses meses de vida), revisar diapason supuesto, el luthier verificará cualquier otro problema que pueda haber surgido.
También es aconsejable realizar un mantenimiento adecuado del arco y sus cerdas. Un luthier puede cambiarlas en caso de que comiencen a escasear, o bien puede limpiarlas (aunque esta tarea también puedes realizarla tú mismo). También podrá reemplazar la pieza de cuero en caso de que esté desgastada y reparar otros detalles en la vara.
Un cuarteto de cuerdas es una agrupación musical, generalmente formada por dos violines, una viola y un violonchelo. Cada instrumento tiene un color y un tono específicos que, cuando se combinan, dan como resultado una música excelente.
El cuarteto de cuerdas, tal como lo conocemos hoy, ha pasado por un gran desarrollo desde la creación de los instrumentos necesarios en el siglo XVI. Durante los periodos del Renacimiento y el Barroco, los instrumentos de cuerda solían ir acompañados de un clavicémbalo para completar las armonías y ayudar a apoyar la línea del bajo. Era casi inaudito en ese momento no usar un instrumento de teclado al escribir para varios grupos de instrumentos de cuerda.
Así, el primer cuarteto de cuerda conocido fue compuesto en 1650 por el sacerdote católico Gregorio Allegri (1582-1652). Su cuarteto era una versión muy temprana de una sonata de cuatro partes (una composición para un solista instrumental) escrita para un pequeño conjunto de cuerdas sin acompañamiento de teclado.
En la actualidad existen muchos cuartetos de cuerda que permanecen activos a lo largo de los años y han dejado huella gracias a sus interpretaciones. Según revistas como Classical Music y Gramophone, estos son algunos de los mejores cuartetos de cuerda conocidos:
Cuarteto Kronos
Campeón del repertorio contemporáneo y multigénero, el Kronos Quartet ha estado rompiendo barreras durante casi 50 años desde su formación en 1973 por el violinista David Harrington, quien permanece en el cargo hoy. El conjunto ha grabado más de 40 discos y ha estrenado más de 900 obras, creadas especialmente para el grupo. Los compositores que han colaborado con el conjunto incluyen a John Adams, Arvo Pärt, Henryk Górecki, Steve Reich, Philip Glass y Kaija Saariaho, mientras que los miembros han experimentado con múltiples géneros, incluidos el pop, el folk, el jazz y el tango.
Cuarteto Takács
Formado por cuatro estudiantes de la Academia de Música Liszt Ferenc de Budapest, este conjunto ganador de múltiples premios se mudó a los EE. UU. en 1983 y, luego de varios cambios de personal, realizó grabaciones exitosas de los cuartetos completos de Bartók, Beethoven, Smetana y Borodin. Entre sus ex integrantes se encuentran el violinista Gábor Takács-Nagy y el violista Roger Tapping, mientras que el violonchelista András Fejér es el único miembro original del grupo. El grupo es reconocido por su interpretación impecable en conjunto, atención al detalle e interpretaciones imaginativas, y mantiene un programa activo de giras y presentaciones.
Cuarteto Emerson
Con más de 30 álbumes y nueve premios Grammy a su nombre, este conjunto estadounidense fue formado por cuatro estudiantes de la Juilliard School antes de emprender su primera gira profesional en 1976. En ese momento, el grupo era inusual como uno de los primeros conjuntos en tener sus violinistas alternar entre la primera y la segunda silla. Esos violinistas, Eugene Drucker y Philip Setzer, han permanecido en su cargo a lo largo de la vida útil del cuarteto, mientras que ha habido cambios en los intérpretes de viola y violonchelo, el más reciente fue el violonchelista Paul Watkins que reemplazó al miembro a largo plazo David Finckel en 2013.
Entre las grabaciones del grupo se encuentran los cuartetos de cuerda completos de Beethoven, Mendelssohn, Brahms, Bartók, Webern y Shostakovich, así como conjuntos de múltiples CD de las principales obras de Haydn, Mozart, Schubert y Dvořák para DG. El grupo ha anunciado que la temporada 2022-23 será la última.
Cuarteto Ébène
Este cuarteto francés fue fundado en 1999 en el Conservatorio de Boulogne-Billancourt en Francia y atrajo la atención mundial al ganar el Concurso Internacional ARD 2004. Su grabación de Ravel, Fauré y Debussy ganó múltiples elogios. Quedan tres de los miembros originales: los violinistas Pierre Colombet y Gabriel Le Magadure (que, al igual que los violinistas de Emerson, alternan entre el primer y el segundo atril) y el violonchelista Raphaël Merlin, mientras que el violonchelista original Mathieu Herzog se fue en 2015 para ser reemplazado primero por Adrien Boisseau y actualmente por Marie Chilemme. El grupo tiene un estilo particularmente refinado y elegante que ha aplicado con gran éxito a múltiples géneros, desde el core classic hasta el crossover.
Cuarteto Pavel Haas
En 2002, la violinista checa Veronika Jarůšková formó un cuarteto de jóvenes intérpretes de Praga, y poco después reclutó a su esposo Peter Jarůšek como violonchelista del conjunto. Aunque Jarůšková y Jarůšek permanecen, los puestos de segundo violín y viola del grupo han sido ocupados por varios músicos diferentes durante los últimos 20 años. Estilísticamente poderoso y ricamente sonoro, el grupo es conocido por sus actuaciones apasionadas y audaces.
Cuarteto Dover
El Dover Quartet atrajo la atención mundial después de ganar el Concurso Internacional de Cuartetos de Cuerdas de Banff en 2013. Formados en el Instituto Curtis en 2008, fueron asesorados por Shmuel Ashkenasi del Vermeer Quartet, y Arnold Steinhardt y Michael Tree del Guarneri Quartet. Habiendo colaborado con músicos como Emanuel Axe, Ray Chen, Edgar Meyer, Anthony McGill y Peter Serkin, los músicos fueron designados recientemente para formar parte de la facultad de Curtis como conjunto residente. Entre sus grabaciones se encuentran los cuartetos completos de Schumann y Beethoven. Junto con un conjunto increíblemente unido, el grupo toca con un sonido completo y brillante, como se puede escuchar en el clip anterior del Adagio para cuerdas de Barber.
Cuarteto Casals
El Cuarteto Casals se fundó en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid en 1997 bajo la dirección del profesor Antonello Farulli. Han estudiado con Walter Levin y Rainer Schmidt en Barcelona, además de realizar estudios de posgrado en Colonia con el Alban Berg Quartet y Harald Schoneweg. El cuarteto logró rápidamente reconocimiento internacional cuando ganó el primer premio en el Concurso Internacional de Cuartetos de Cuerda de Londres de 2000,[1] y luego en el Concurso Internacional de Brahms de 2002 en Hamburgo. En reconocimiento al creciente perfil internacional del Cuarteto Casals, en 2006 fueron honrados con el Premio Nacional de Música de España. El cuarteto está compuesto por: Vera Martínez Mehner – Violín, Abel Tomàs – Violín, Jonathan Brown – Viola y Arnau Tomàs – Violonchelo.
Cuarteto Artemis
El Artemis Quartett, con sede en Berlín, fue fundado en 1989 en la Musikhochschule Lübeck y es reconocido hoy como uno de los cuartetos más destacados del mundo. Sus mentores incluyen a Walter Levin, Alfred Brendel, el Cuarteto Alban Berg, el Cuarteto Juilliard y el Cuarteto Emerson. El conjunto tuvo su avance internacional con primeros premios en el ARD Wettbewerb en 1996 y en el Premio Borciani medio año después. Posteriormente, los músicos recibieron una invitación a la Wissenschaftskolleg zu Berlin, donde pudieron ampliar sus estudios musicales y disfrutar de un intercambio interdisciplinario con académicos de renombre. Desde su exitoso debut en la Filarmónica de Berlín en 1999, el cuarteto ha actuado en todos los grandes centros musicales y en festivales internacionales de Europa, Estados Unidos, Japón, Sudamérica y Australia.
Cuarteto Quiroga
Formado en 2003, el Cuarteto Quiroga toma su nombre del violinista gallego Manuel Quiroga, uno de los instrumentistas de cuerda más destacados de la historia de la música española. Estudió con Rainer Schmidt en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid, con Walter Levin en la Musikakademie de Basilea y con Hatto Beyerle en la European Chamber Music Academy. Otras influencias artísticas importantes son Johannes Meissl, György Kurtág, András Keller, Eberhard Feltz y Ferenc Rados. Fuertemente comprometidos con la enseñanza de la música de cámara, son profesores en el Conservatorio Superior de Música de Zaragoza, Universidad Mozarteum de Salzburgo, Musikene de San Sebastián y en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Son invitados regularmente a dar clases magistrales en universidades y conservatorios de música de toda Europa, Estados Unidos y América Latina.
Vitamin String Quartet
El grupo comenzó en 1999 «como un experimento en la transformación de canciones de rock con instrumentos clásicos». Más tarde se expandió para incluir una variedad de música popular.
La almohadilla de violín se ha convertido en un accesorio imprescindible para poder tocar manteniendo una posición relajada. Sin ella estaríamos obligados a mantener una postura más rígida, la cual dificultaría los cambios de posición, además de otras técnicas de la mano izquierda. La almohadilla del violín también ayuda a evitar contracturas en el cuello, hombros, brazo, etc.
¿Qué función tiene una almohadilla para violín?
La almohadilla se adhiere a la parte posterior del violín y se apoya en el hombro y la clavícula. Su propósito es doble: hace que el violín sea cómodo de tocar durante largos períodos, facilita una postura adecuada y evita lesiones. También evita que el instrumento se resbale y esto hace que el violinista mantenga una buena entonación y sea capaz de realizar cualquier golpe de arco.
¿Es necesaria la almohadilla?
Técnicamente no es necesario utilizar una almohadilla. Pero realmente hace que tocar sea mucho más cómodo. Si necesitas levantar el hombro izquierdo para sostener el violín, entonces necesitas una almohadilla.
Como es el caso de las barbadas para violín, hay muchos tipos de almohadillas para violín que puedes elegir.
Almohadilla con clip:
Estas almohadillas tienen «pies» a cada lado que se adhieren al borde del instrumento. Suelen ser ajustables tanto en términos de altura como de ángulo en el que se pueden unir a la parte posterior del instrumento.
Almohadilla de espuma:
Se puede hacer una almohadilla de espuma casera con una esponja de espuma y una banda elástica. (Simplemente conecta la esponja a tu instrumento y listo). También hay soportes acolchados prefabricados que se adaptan al hombro, así como pequeñas almohadillas redondas y esponjas que se adhieren a la parte posterior del violín.
Abrazadera
Hecha de una pieza larga de material con ‘pies’ ajustables, este tipo de apoyo se ajusta a ambos lados del violín y se eleva lejos del cuerpo del violín. Esto brinda más opciones de altura en función de la longitud personal del cuello y la constitución del violinista. Este diseño de almohadilla para violín también viene en una variedad de estilos, con algunos simplemente apoyados contra el arco del hombro y otros bajando alrededor del omóplato y el pecho para proporcionar una opción de manos libres resistente.
Almohadilla con cámara de aire:
Este modelo consiste en un cojín inflable que se sujeta a la parte posterior del violín.
Además, es conveniente tener en cuenta ciertos factores a la hora de escoger una almohadilla para violín:
Tamaño
El tamaño de la almohadilla puede variar en función del violinista y del violín. Una almohadilla para violín debe adaptarse suavemente al hombro del violinista. Dependiendo de la forma de tu cuerpo, una almohadilla que cubra la parte superior de la espalda y sostenga bien el violín en la parte delantera será la mejor opción.
También hay otros aspectos a considerar, como la anchura de los hombros y la altura del cuello. Sin embargo, muchas almohadillas son ajustables y se pueden bajar o subir para obtener la posición correcta.
Material
La madera o el plástico se utilizan principalmente como materiales base. Sus ventajas incluyen durabilidad, peso ligero y no demasiado restrictivo, con un acabado suave y elegante. Sin embargo, como la base dura no se puede doblar para adaptarse a la forma de tu hombro (excepto en modelos muy caros), siempre están acolchados con espuma para mejorar el ajuste y la comodidad.
Mientras que la espuma se usa principalmente para acolchar la base para mejorar la comodidad, para los estudiantes principiantes los maestros a menudo aconsejan una esponja o una espuma de goma suave sujetada con bandas de goma.
Algunas almohadillas están hechas casi en su totalidad de caucho endurecido, aunque la mayoría de las veces encontrarás caucho en los apoyos para las patas para que el cuerpo del violín no se marque. Los apoyos de goma también son flexibles y asequibles.
El metal, de alguna manera, se presenta en muchas almohadillas debido a la versatilidad del material y su capacidad para fortalecer otros materiales. Si el cuerpo no está hecho de metal, generalmente existe la posibilidad de que los postes de las patas sí lo estén. Algunos modelos cuentan con bases de metal. Cuando se usa como base, los tipos de metal blandos y flexibles permiten a los violinistas moldear el resto a su gusto.
Elegir un material es lo más importante acerca de la comodidad. Muchos principiantes pueden encontrar pesadas e incómodas las almohadillas de madera o metal. Es por eso que, para los principiantes, también se suele sugerir un plástico a base de espuma, ya que ofrece el ajuste más cómodo para el hombro.
¿Es necesario usar almohadilla?
Técnicamente no es necesario utilizar una almohadilla. Pero realmente hace que tocar sea mucho más cómodo. Si necesitas levantar el hombro izquierdo para sostener el violín, entonces necesitas una almohadilla.
No obstante, hay violinistas que no usan almohadilla para tocar, entre ellos están Anne Sophie Mutter, Jascha Heifetz e Itzhak Perlman.
¿Existen desventajas en el uso de almohadilla?
Si bien las almohadillas para los hombros son más comunes entre los violinistas de hoy, tienen algunos inconvenientes.
El mayor inconveniente es que las almohadillas tienden a amortiguar la resonancia de un violín. Cuanto mayor sea el área de contacto directo entre el violín y la almohadilla, más pronunciada será la insonorización.
La otra desventaja es que una almohadilla, si no está bien dimensionada y colocada, también puede causar una mala postura y lesiones posteriores. Idealmente, se usa una almohadilla para evitar tales cosas, así que asegúrate de elegir un dispositivo que se adapte a la forma y dimensiones únicas de tu cuerpo.
El puente del violín es una pieza de suma importancia tanto para soportar las cuerdas como para transmitir sus vibraciones al cuerpo del instrumento. Hecho de madera de arce, la forma del puente varía de un violín a otro y su ubicación y ajuste tienen un impacto significativo en el tono y la capacidad sonora del instrumento.
En primer lugar, el puente del violín suspende las cuerdas sobre el instrumento en su posición adecuada. Por tanto, la altura y la forma del puente son muy importantes para la configuración del instrumento. En segundo lugar, el puente del violín transmite las vibraciones de las cuerdas al cuerpo del instrumento. Una cuerda que vibra por sí sola no produce mucho volumen, pero «conectada» a la caja de resonancia del violín a través del puente, su sonido se vuelve tan poderoso que se puede escuchar en toda una orquesta.
Colocar el puente
La forma y la ubicación del puente del violín son fundamentales para maximizar el potencial del instrumento.
Las patas del puente deben estar centradas en las muescas del orificio f.
La corona (parte superior) del puente debe tener la misma forma que la del diapasón. Esto produce una altura de cuerda constante para las cuatro cuerdas.
Las patas deben estar completamente alineadas con la cara del instrumento. Si no es así, entonces no todas las vibraciones de las cuerdas se transmiten al instrumento y la calidad del sonido definitivamente está sufriendo.
El lado del puente más cercano al cordal debe estar perpendicular a la cara del instrumento.
Hay algunas situaciones en las que definitivamente necesitarás ayuda profesional:
Si el puente está deformado, será necesario reemplazarlo. Un puente deformado no solo inhibe el sonido del instrumento, sino que también corre el riesgo de romperse.
Si las cuerdas se han desgastado profundamente en la corona del puente, entonces es necesario reemplazar el puente de violín. Por lo general, alrededor del 75% de la cuerda debe estar por encima del puente en lugar de dentro de la muesca. Si se asienta más en el puente, entonces está amortiguado.
Si el puente se ha caído por completo y el alma está rodando dentro del violín, NO intentes arreglarlo tu mismo. El alma debe ser colocada por un profesional. Sin el alma, la tapa del instrumento no es capaz de soportar la presión que las cuerdas ejercen sobre el violín a través del puente.
Es muy importante estar continuamente al tanto de la ubicación del puente. Los cambios leves en la humedad, la temperatura o incluso el cambio de cuerdas pueden hacer que el puente se tuerza. La simple observación y el mantenimiento garantizarán que tu puente tenga una vida útil prolongada y que tu instrumento suene de la mejor manera.
Los puentes pueden deformarse después de un largo período de uso. Cuando notes que un puente ya no está recto, es hora de reemplazarlo. Un puente deformado no le dará a tu violín el sonido deseado. Las ranuras del puente también pueden volverse demasiado profundas para las cuerdas. Después de mucho tiempo, las cuerdas cortan la madera de arce. Hay formas de solucionar este problema antes de reemplazar un puente. Las carillas pequeñas, como una tirita, son una buena solución para surcos profundos que deben elevarse ligeramente. De hecho, algunos puentes vienen con revestimientos preestablecidos para garantizar que las cuerdas muy pequeñas, como E, no corten demasiado en el puente.
¿Cómo saber si el puente de tu violín está recto?
Una manera fácil de comprobar si tu puente está recto o no es tomar una regla y apoyarla contra la longitud del puente en el lado del cordal. Si la base y el lado del borde recto descansan contra la placa superior del violín y el lado del puente, entonces tu puente está recto.
Como puedes ver en esta imagen, un trozo de papel funciona muy bien para verificar si tu puente está recto.
Siempre revisa la parte posterior del puente (el lado que mira hacia el cordal); este lado tiene un borde plano. La parte posterior del puente (el lado que mira hacia el diapasón) está inclinada y no debe estar en un ángulo de 90 grados (un ángulo recto).
Si la regla no descansa uniformemente, el puente no está del todo recto.
¿Debería ser simétrico un puente de violín?
No, el puente del violín no es simétrico. La parte superior del puente tiene forma de arco, con un extremo un poco más alto que el otro. El extremo superior va en el lado de la cuerda Sol del instrumento y el extremo inferior va en el lado de la cuerda Mi.
La razón por la que el lado de la cuerda Sol del puente se encuentra más alto es para que la cuerda más gruesa tenga más altura y espacio para vibrar contra el diapasón. Dado que la cuerda Mi es más delgada, no necesita tanto espacio para vibrar. Es por eso que el lado de la cuerda Mi del puente es más bajo.
Además, el nombre del fabricante suele estar escrito en un solo lado del puente, el que mira hacia el cordal.
¿Qué altura debe tener el puente en un violín?
El puente de violín estándar de tamaño completo tiene 33 mm de alto (1,3 pulgadas), lo que corresponde a la altura del diapasón de 18-20 mm (0,71-0,79 pulgadas). La altura perfecta del puente permite que las cuerdas vibren al mejor ritmo para crear un hermoso sonido de violín.
A continuación puedes ver las instrucciones detalladas sobre la colocación de un puente de violín:
Todo músico de instrumento de cuerda frotada y diapasón se encuentra con la tarea de tener que entrenar los dedos de su mano izquierda para poder «entonar» bien o alcanzar el tono correcto sin que éste se desvíe hacia arriba o hacia abajo y acabe sonando desafinado. Por esta razón, hoy queremos mostrarte varios tips o consejos útiles que tal vez te sirvan para mejorar tu entonación o simplemente para crear hábitos que te sean útiles.
1. Canta todo antes de tocar e intenta analizar el contexto armónico de la música (tono de reposo, funciones armónicas, etc).
2. Grábate a ti mismo
Esto puede ser algo vergonzoso, pero también esclarecedor. Es útil grabarse a sí mismo y así poder ver y oír las partes mas difíciles para poder trabajarlas lentamente y nota por nota.
3. Practica lentamente
Se necesita tiempo para escuchar el tono con precisión, por lo que practicar rápido demasiado temprano mientras se aprende una pieza entrenará los dedos para que caigan de manera imprecisa y opacará la escucha objetiva.
4. Elimina el vibrato
No es necesario que uses el vibrato hasta que tengas una idea clara del tono. Mientras aprendes una pieza, intenta tocarla completamente sin vibrato, y luego con un vibrato muy pequeño y centrado, hasta que las relaciones de tono se endurezcan.
5. Practica escalas y arpegios con un afinador
Aunque la mayoría de los violinistas no quieren depender de un afinador de violín a largo plazo, puede ser muy útil practicar con un afinador para tener una idea de qué tan cerca está tu entonación del tono de destino. Existe un programa sencillo de generación de notas en Internet que puedes utilizar para este propósito.
6. Toca Bach
Además de todas sus otras virtudes, las sonatas y partitas para violín de Bach y sus suites para violonchelo son excelentes estudios de entonación. Cada problema de entonación melódica versus armónica en relación con las cuerdas al aire surge, lo que obliga al intérprete a decidir conscientemente sobre una filosofía de entonación.
7. Toca duetos o música de cámara
La entonación es la relación entre notas, y ¿qué mejor manera de trabajar en esta relación que en duetos?
8. Siempre escucha lo que vas a realizar antes de tocar. Es bueno escuchar la música en tu cabeza antes de tocar; hasta que adquieras el hábito de escuchar, canta la pieza en voz alta.
9. Usa dedos anclados
Los dedos anclados son dedos que mantenemos en la cuerda sin tocarlos. Cuando tocamos el violín, los violinistas a menudo mantenemos los dedos en la cuerda para asegurarnos de que el marco de nuestra mano permanezca en la ubicación correcta. Uno de los dedos más importantes que debes mantener en la cuerda siempre que puedas es el primer dedo.
10. Comprueba la postura de tu mano izquierda
A veces, un problema de entonación es en realidad un problema de postura. Por eso es tan importante comprobar la postura de la mano izquierda antes de intentar corregir la entonación de otras formas. Si mueves constantemente la mano izquierda hacia todos lados, será mucho más difícil tocar con la entonación correcta.
Una vez que tengas dominada la afinación justa, podrás comenzar a utilizar técnicas como la entonación expresiva
Entonación expresiva
La entonación expresiva es una herramienta del violinista de concierto. Es una afinación solista y explota la capacidad del violín para tocar en los espacios entre intervalos templados. Los sostenidos se elevan y los bemoles se bajan para dar el máximo efecto expresivo. Un aspecto positivo de este método es que las notas están más a menudo afinadas con las cuerdas al aire, dando lugar a muchas vibraciones que producen una verdadera riqueza tonal.
A la hora de escoger un arco de violín adecuado debemos tener en cuenta varios factores tales como el material, su peso, sus proporciones, etc. Algunos violinistas profesionales incluso cuentan con varios arcos diferentes que usan según el tipo de obra que estén interpretando. A veces necesitan un arco ligero que les ayude a saltar y rebotar con facilidad en las obras de mayor agilidad técnica, mientras que otras veces optan por un arco más pesado, en adagios y obras que requieran un sonido amplio y sin temblores. Hoy queremos darte algunas ideas que quizás te ayuden a tomar una buena decisión a la hora de comprar un arco de violín.
¿De qué están hechos los arcos?
Arcos de violín de madera de Pernambuco
La madera de Pernambuco se considera tradicionalmente como la madera de mejor calidad del mundo para la fabricación de arcos. Para los mejores arcos de Pernambuco, se utiliza el duramen del árbol de Pernambuco. El duramen es la madera más cercana a la médula de un tallo o rama, de color diferente al de la albura. Esta madera forma la columna vertebral del árbol y es muy fuerte y duradera.
Hay arcos de Pernambuco baratos en el mercado que están hechos de la albura más barata del árbol, que no se parece a la calidad del duramen. También hay árboles de Pernambuco que no se cosechan en la región original de Pernambuco, sino en regiones de China, que se dice que tienen madera de menor calidad. Aunque el sonido de este tipo de arco es muy hermoso, muchos violinistas ya no quieren comprar arcos de Pernambuco por consideraciones éticas, prácticas y económicas.
El árbol de Pernambuco es ahora un árbol en peligro de extincióny está prohibido cortarlo. La mayor parte de la madera de Pernambuco en el mercado hoy en día se cosecha ilegalmente y pone en peligro no solo plantas y árboles, sino también especies animales en la selva tropical. También se considera poco práctico tener un arco de Pernumbuco, especialmente si deseas viajar con tu arco durante las vacaciones. Como la importación de especies en peligro de extinción está restringida, es posible que no puedas llevar tu arco contigo, o peor aún, puede que tengas que dejarlo en otro país en tu vuelo de regreso. Si más violinistas usaran arcos hechos de materiales sintéticos y maderas alternativas, habría menos presión sobre la madera de Pernambuco. Por eso, hoy en día, muchos violinistas apuestan por arcos de calidad hechos de otros materiales.
Otra razón por la que la madera de Pernumbuco se está volviendo cada vez menos popular es la relación calidad-precio. Desde que el árbol de Pernumbuco se puso en peligro, los precios de la madera han subido enormemente. Es por eso que incluso los arcos de baja calidad tienen un precio elevado. Especialmente en el rango de precios más bajo, los de madera de Pernumbuco o incluso otros arcos de madera hechos a mano no se comparan con los arcos de fibra de carbono. Si decides optar por un arco de madera de Pernambuco, asegúrate de que sea un arco original, de segunda mano, creado antes de las restricciones ambientales. La madera de Pernambuco recién cosechada es controvertida y agrava los problemas de deforestación. Normalmente puedes encontrar este tipo de arco en las tiendas de fabricantes de violines que compran, retocan y revenden instrumentos antiguos. También puedes encontrarlos de segunda mano y seminuevos.
Ventajas de los arcos de Pernambuco
Los arcos de Pernambuco de la más alta calidad son considerados los mejores arcos del mundo. Arco único hecho a mano – Puede ser una inversión financiera, especialmente si la calidad es muy alta y / o el fabricante es reconocido.
Contras de los arcos de Pernambuco
Es arriesgado viajar con este arco ya que la importación de materiales en peligro de extinción está restringida; es posible que tengas problemas para viajar de regreso a tu país de origen con un arco de Pernambuco. Frágil en comparación con los arcos de fibra de carbono. La relación calidad-precio no es óptima, ya que el material es escaso. Los precios pueden subir muy alto incluso para arcos de menor calidad. Fácil de comprar: hay muchos arcos de Pernambuco de baja calidad en el mercado. Solo un experto puede distinguir los arcos de Pernambuco de alta calidad de los de baja calidad.
Cosechado de forma insostenible – Al comprar un arco nuevo en el que se utilizan materiales de pernambuco, lo más probable es que contribuya a una mayor deforestación de la selva tropical.
Arcos de madera de Brasil
Los arcos hechos de palo de Brasil tienen casi tanta resistencia y fuerza como los arcos de Pernambuco, pero son más asequibles. Hay una diferencia de precio porque la madera es muy similar, pero no tan fina, como el Pernambuco. Hay algunos arcos de madera de Brasil de baja calidad en el mercado, pero normalmente se pueden ver fácilmente ya que tienen precios irrazonablemente bajos.
¿Qué materiales de arco son mejores?
Ventajas de la madera de Brasil – Madera sostenible que se puede importar a cualquier país. Puede obtener una excelente calidad hecha a mano, especialmente en rangos de precios más altos.
Contras de la madera de Brasil – Frágil en comparación con los arcos de fibra de carbono. La relación calidad-precio de los arcos por debajo de los 1000 dólares suele ser peor que la de los arcos de fibra de carbono.
Arcos de violín de madera de serpiente
La madera de serpiente real es muy pesada y rígida, la madera es incluso más densa que el pernambuco. Los violinistas barrocos a menudo prefieren la madera de serpiente, ya que el sonido de los arcos en las cuerdas se considera más suave y sutil. Algunos violinistas experimentan que los arcos de madera de serpiente son un poco menos elásticos que los arcos de pernambuco. Sin embargo, un arco hecho de madera de serpiente de alta calidad puede ser de mejor calidad que un arco de pernambuco de baja calidad. Esto solo se puede probar con prueba y error.
Ventajas de la madera de serpiente
Un sonido más suave puede ser excelente para violinistas barrocos. Arco de madera sostenible que se puede importar a cualquier país. Puede obtener una gran calidad hecha a mano, especialmente en un rango de precios más alto.
Contras de la madera de serpiente
Frágil en comparación con los arcos de fibra de carbono. La relación calidad-precio de los arcos por debajo de los 1000 dólares suele ser peor que la de los arcos de fibra de carbono.
Otros tipos de arcos de madera
Desde que el árbol de Pernambuco se convirtió en una especie en peligro de extinción, los fabricantes de violines de todo el mundo experimentaron con muchos tipos de madera. Aunque la madera de serpiente y el palo de Brasil son actualmente algunas de las maderas más comunes utilizadas para arcos de violín, existen arcos de violín hechos de todos los tipos de madera disponibles.
Arcos de violín híbridos
Los arcos híbridos están hechos con un núcleo de fibra de carbono fuerte que se envuelve con una piel de madera. Parece un arco de madera, pero se considera más fuerte debido al núcleo de fibra de carbono. Los arcos de violín híbridos suelen tener un sonido ligeramente más cálido que los arcos de fibra de carbono.
Ventajas de los arcos híbridos
Más fuerte que un arco de madera habitual debido al núcleo de carbono. Puede tener un sonido cálido en comparación con los arcos de fibra de carbono habituales.
Contras de los arcos híbridos
Si el envoltorio está hecho con Pernambuco, se aplican los contras del uso de la madera de Pernambuco, como la deforestación de la selva y problemas para viajar con el violín. Es más difícil de producir que un arco de fibra de carbono normal, lo que en muchos casos hace que la relación calidad-precio baje. Los materiales del arco de violín no son el único factor. Aunque el material del arco es uno de los factores que decide cómo sonará un arco, al final lo más importante es cómo se siente y cómo suena. Es por eso que probar diferentes arcos en tu instrumento es la mejor manera de descubrir qué arco funciona mejor para tí.
La elasticidad
Los arcos flexibles no se agrietan fácilmente. ¿Con qué facilidad rebota el arco para golpes de arco como el spiccato? Cuando se usa un buen arco, no tienes que esforzarte mucho en hacer rebotar el arco.
Pesadez en la punta
La punta no debe sentirse ni muy pesada ni muy ligera. El punto de equilibrio del arco. No debe estar demasiado lejos del talón. A modo de comparación, el punto de equilibrio de mi arco está a 25 cm del extremo del palo. Algunos de estos factores son muy difíciles de sentir como violinista principiante. En esta etapa, la mayoría de los violinistas aún no están seguros de qué tan pesado se siente un arco. Alternativamente, puede valer la pena pedirle a tu local que te ayude a encontrar un buen arco de violín.
Arcos de fibra de vidrio
Los arcos de fibra de vidrio son arcos sólidos que no se rompen fácilmente. Sin embargo, puede ser difícil conseguir un tono bonito con este tipo de arco. Debido a la división desigual del peso, puede ser muy difícil dibujar golpes de arco completos que suenen suaves o hacer cambios de cuerda. En la mayoría de los arcos de fibra de vidrio, las técnicas más avanzadas en las que el arco rebota naturalmente, como el spiccato, el rebote o el salteado, son muy difíciles o incluso absolutamente imposibles de realizar correctamente. En el último caso, no pagues demasiado por este tipo de arco. Puedes conseguir uno fácilmente por unos 40 USD. Puedes encontrarlos de segunda mano incluso más baratos, ya que muchos violinistas principiantes que pasan a un nivel intermedio venden su antiguo arco de fibra de vidrio.
Ventajas de los arcos de fibra de vidrio
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Contras de los arcos de fibra de vidrio
Falta calidad de tono. Difícil de dibujar un trazo de arco suave y recto. No se puede utilizar para técnicas de arco intermedias y avanzadas.
Arcos de violín de fibra de carbono
La fibra de carbono unida con resina de polímero plástico es extremadamente fuerte, duradera y flexible. Los arcos de fibra de carbono no han existido durante tanto tiempo como los de madera, pero están ganando popularidad rápidamente entre los violinistas aficionados y profesionales. Una de las razones de esto es que puede sacar más provecho de su inversión al elegir un arco de fibra de carbono. En comparación, los arcos de fibra de carbono son menos costosos que los de madera de la misma calidad. Los arcos de fibra de carbono son la mejor opción para ti si vives en un clima extremo y aún quieres usar un arco de calidad. Los arcos de madera son susceptibles a los cambios de humedad y calor, mientras que los arcos de fibra de carbono pueden soportar cualquier clima extremo.
La mejor manera de describir el mejor arco para cualquier violinista es simplemente esta: cuando estás tocando, no tienes que pensar en ello. Un buen arco debe convertirse en una extensión de tu mano derecha. Debería fluir contigo mientras tocas con poco esfuerzo.
Peso y equilibrio
El peso promedio de un arco de violín es de aproximadamente 60 gramos (un arco de viola es de 70 gramos; un arco de violonchelo, 80 gramos). Pero recuerda, esto es solo un promedio. Muchos arcos de los grandes fabricantes del pasado pesan tan solo 54 gramos. Por otro lado, un arco de violín de 66 o 68 gramos sería demasiado pesado para casi cualquier persona. El equilibrio adecuado es mucho más importante que el peso. Si un arco se siente bien en tu mano, probablemente sea correcto. Un arco debe sentirse natural en la mano, bien equilibrado desde la punta hasta el talón con el mismo peso en todas partes.
¿Redondo u octagonal?
Los grandes maestros franceses rara vez hacían arcos octogonales. Incluso hoy en día, la mayoría de los mejores fabricantes producen predominantemente arcos redondos. Con dos arcos hechos de la misma madera, el eje octogonal será más rígido. Algunos arcos octogonales son bastante rígidos, creando un tono duro, unidimensional, sin matices. Algunos de los productores alemanes de arcos comerciales hacen una versión redonda y octogonal del mismo arco, siendo el octogonal un poco más caro.
Entonces, ¿cómo deberías buscar el mejor arco? El primer paso es establecer un presupuesto, pero espera ver arcos que sean un poco más caros. Si no sabes mucho sobre arcos, sugerimos que pruebes muchos arcos para informarte sobre lo que está disponible. Cuando vayas a una tienda, asegúrate de llevar tu propio violín y arco actual como referencia. Cada arco funcionará de manera diferente en diferentes instrumentos, así que recuerda que estás buscando un arco que complemente a tu violín. Normalmente se muestran seis arcos a la vez. Una vez que hayas elegido uno o dos de ese lote, pide ver algunos más. Toca el mismo pasaje muy breve con cada arco, uno tras otro. Hay muchas posibilidades de que uno o dos se destaquen. Las primeras impresiones son muy importantes. El arco no debe parecer demasiado ligero o pesado en la mano. No debe ser demasiado débil o suave: no debe colapsarse fácilmente sobre las cerdas al tocar, ni flexionarse demasiado lateralmente. Y debe estar recto cuando se mira hacia abajo. Toca una combinación de estilos y golpes de arco, incluidos legato, spiccato, sautillé, etc.
Toca un pasaje cerca del talón, en el centro y cerca de la punta. Deberías poder tocar cómodamente con todas las partes del arco. Tocando lentamente, escucha el sonido que produce cada arco y siente cómo se maneja. Notarás diferencias sutiles en la claridad, la plenitud del sonido, el ruido de la superficie, etc. ¿El arco realza o resta valor a tu instrumento? Una vez que hayas elegido los dos o tres arcos que prefieres, pide probarlos durante una semana. Pruébalos más extensamente en casa o con tu orquesta, y muéstralos a tu maestro para que los comente.
Entró en una fiesta, y una señora que estaba tocando el violín le preguntó. -¿Le gusta la música? Y él le contestó: -«Mucho. Pero no importa, siga tocando»
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¿Qué hay que hacer para que un violinista baje el volumen?… Ponerle una partitura delante.
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Una orquesta de ópera se prepara para representar Rigoletto. Diez minutos antes de la función el director baja al foso y se dirige a los músicos:
-El maestro se ha puesto enfermo y no va a poder dirigir esta noche, así que no nos queda otro remedio que cancelar la representación.
El solista de último atril de viola se levanta diciendo:
-Yo he dirigido esta ópera muchas veces en Italia, cuando era joven.
-Estupendo -exclama el director. Merece la pena probar.
El viola dirige la ópera a la perfección y la representación es un éxito. Pero al día siguiente el director está recuperado de su enfermedad y viene a dirigir.
Al llegar el viola-director al foso poco antes del concierto y dirigirse a su puesto en el último atril, su compañero lo señala con un dedo acusador y le dice:
-¿Dónde demonios estuviste la pasada noche?
Un padre muestra a un amigo melómano a su hijo tocando el violín. Cuando el hijo termina, el padre pregunta al amigo: “¿Qué te parece la ejecución?” “Hombre, la ejecución no sé…, ¡pero un par de hostias sí que le daba!”
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Un viola que ha asistido a un recital de piano va a felicitar al solista:
-Me ha encantado. Especialmente esa pieza que comienza con un trino.
-Pero si no he tocado ninguna pieza que comience con un trino- dice, asombrado, el pianista.
-Sí, sí, esa que hace…(y le tararea el principio de Para Elisa).
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¿Cual es la definición de “Segunda Mayor”? -Dos violas tocando a unísono.
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¿Cual es la diferencia entre un violín y una viola? -El violín puede afinarse.
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¿Cual es la diferencia entre una cebolla y una viola? -Nadie llora al cortar una viola.
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¿Por qué los chistes de violas son más cortos? Para que los violinistas puedan entenderlos.
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El célebre violinista polaco Juan Petnicoft, de paseo por la selva de África, se pierde. De pronto, ¡ve un león! El violinista recuerda el dicho: “La música calma a las fieras”. Desenfunda su violin y desgrana una bellísima melodía. Comienzan a acercarse otros leones. Lentamente, se han acercado docenas de leones. Se ha formado una verdadera platea de leones sentados alrededor del violinista. – ¡Dios mío, jamás pensé que este violín iba a salvarme la vida! En ese momento, un león enorme aparece de entre los arbustos. De un empujón, aparta a los leones que estaban sentados, se arroja violentamente sobre el violinista y se lo come. Uno de los leones, todavía conmovido, comenta: -¡Mierda! ¡Ya sabía yo que el sordo nos iba a arruinar el concierto!
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Durante un concierto, el flautista se saca un moco impresionante y alguien del público grita -Flautista animal! El director mira enfadado hacia la platea, pero sigue dirigiendo. Al rato, otro moco del flautista y otra vez gritan -Flautista animal! El director cabreado mira amenazador al público, pero continúa en su trabajo. Finalmente otro mocazo del flautista, y de nuevo -Flautista animal! El director detiene el concierto, pone al flautista al frente del escenario y se dirige al auditorio muy enfadado -Quisiera saber quién, desde el anonimato y oculto entre la multitud, le ha gritado «Flautista» a este animal!
¿Te has preguntado alguna vez de dónde provienen los instrumentos de cuerda frotada que conocemos? ¿Cómo llegaron a adquirir su aspecto? Hoy vamos a hacer un recorrido por toda su historia, comenzando desde la Antigua Grecia.
Para hablar de los instrumentos de cuerda frotada, antes debemos aclarar cuáles son los diferentes tipos de instrumentos de cuerda según el método que se utilice para hacer vibrar las cuerdas:
Punteo
Percusión
Frotación
Vibración de cuerdas al aire
Teniendo en cuenta esta clasificación, vamos a intentar establecer un orden de instrumentos de cuerda que fueron apareciendo a lo largo de la historia hasta la creación del violín que conocemos hoy en día.
Nuestra historia en particular se remonta a Grecia por ningún motivo en concreto. Podríamos comenzar mucho antes en el tiempo mencionando algunos instrumentos prehistóricos o bien los diferentes instrumentos de cuerda utilizados en los países árabes y asiáticos hasta la Grecia clásica, pero decidimos comenzar con Orfeo y su lira de nueve cuerdas, que fue modificada así en honor a las nueve musas griegas.
Orfeo es un personaje misterioso que aparece en la mitología griega como un cantor y poeta proveniente de Tracia. Hay afirmaciones de su existencia, pese a que en la actualidad muchos lo consideran como un personaje mitológico.
Antes de la famosa lira de Orfeo, los primeros restos de lira se pueden encontrar en Mesopotamia en el tercer milenio a.C. Tenía las cuerdas dispuestas en abanico y fue denominada algar entre los sumerios. Este instrumento puede hallarse en tumbas como parte del ajuar funerario, siendo las denominadas “liras de Ur” consideradas uno de los instrumentos de cuerda más antiguos que conocemos.
La lira es un instrumento de cuerdas unidas a un yugo en el mismo plano que la caja de resonancia, con dos brazos y un travesaño. A la familia de la lira pertenecen las siguientes tipologías :
chelys (tortuga), construida según la descripción mitológica de Homero.
bárbiton, también con un caparazón de tortuga como caja de resonancia pero con unos brazos más largos y curvados.
kythara(cítara), considerada como un tipo de lira cuya caja de resonancia es de madera y de forma cuadrada. Era el tipo de lira más utilizada y quedaba reservada para los tañedores profesionales, siendo un instrumento decorado más ricamente.
phorminx, similar a la cítara pero de tamaño menor y con la caja de resonancia redondeada.
kylix o lira de pan. Sus brazos son dos cuernos de animal y también poseen un caparazón como caja de resonancia.
Cítara y lira se convirtieron en los instrumentos principales de la Antigua Grecia, siendo uno de sus elementos diferenciadores que la primera poseía una caja de resonancia con una fina tabla armónica de madera.
Pero entonces, ¿de dónde apareció el arco? Se piensa que el arco de caza es el objeto que motivó la creación del arco musical. El arco en sí ya era un instrumento de cuerda en el momento en que comenzásemos a tirar de la cuerda tensada.
Un dato curioso es que la unión entre la cítara y el arco aparece mencionada en el himno homérico a Apolo:
[…]Al punto entre las inmortales habló Febo Apolo: «Sean míos la cítara y el curvo arco, proclamaré a los hombres de Zeus la inflexible voluntad.»
La cítara continuó en uso durante cientos de años sufriendo grandes modificaciones. Finalmente, se le hicieron cortes laterales para que el arco pudiera pasar y tocar las cuerdas externas. También se crearon las aperturas con forma de f, puesto que esta es la forma que rompe menos las líneas de vibración en la tapa.
A su vez y debido al gran intercambio cultural que sufría el continente europeo, los instrumentos de cuerda orientales comenzaron a aparecer.
El rebab, originario de Afganistán, es un instrumento que se usaba en el s.VIII a.C., que más tarde se adentraría en Al-Andalus y de ahí por el resto de Europa.
La lira bizantina data de los siglos XI y XII. Tenía forma de pera y el número de cuerdas solía variar de entre tres a cinco.
A lo largo de todo este periodo existieron instrumentos de cuerda frotada que compartían algunas características pero respondían a diferentes nombres: viola de arco, vihuela de arco, fídula, viela o giga.
El instrumento llamado rabel ha sido documentado por primera vez en el s.XV y se cree que fue introducido por los árabes a la Península Ibérica. Denominado también rebec, rebab, rebeca, rabeba, rubeba; el rabel es comúnmente relacionado con muchos instrumentos de cuerda frotada que se usaban durante la Edad Media y el Renacimiento.
En el Renacimiento, la viola original se dividió en dos ramas: la viola da braccio y la viola de gamba. Las violas da braccio quedaron relegadas a los lugares en donde tocaban músicas populares; mientras que las violas da gamba eran exclusivas de las cortes más refinadas.
La viola da braccio se tocaba apoyándola contra el pecho o sobre el hombro, en oposición a las violas de gran tamaño. El primer tratado que hacía referencia a este instrumento data del año 1543.
La viola da gamba – Una de las primeras descripciones del instrumento y de su sonido data del año 1542. Tuvo éxito en Francia, Inglaterra y Alemania hasta principios del XVII.
El laúd es otro instrumento directamente proveniente de los árabes que se instalaron en la Península Ibérica (su nombre original era Al-úd). Pero no es hasta el s. XVI que vió su época de mayor esplendor en Europa gracias a su aparición en las cortes.
La viola pomposa fue inventada en 1720 por Johann Sebastian Bach y construida por el luthier de Leipzig, Hoffmann. Su tamaño era mayor que la actual viola y tenía cinco cuerdas que se afinaban de grave a agudo: do, sol, re, la, mi.
Viola de amore – El verdadero origen de la viola d’amore sigue sin haberse aclarado hasta hoy con exactitud. Lo que produce el sonido excepcional de la viola d’amore y lo que probablemente le ha brindado su nombre es el sonido de las cuerdas metálicas. Fué también durante el siglo XVIII cuando surgió probablemente el tipo más moderno del instrumento, que cuenta con cuerdas metálicas de resonancia por debajo de las cuerdas normales y que entran en vibración durante la ejecución, reforzando así el “sonido dulce” que conoció Leopold Mozart.
Pero, ¿qué opinas ante el hecho de que el violín moderno puediera tener en parte su origen en España? Según Roger Prior, profesor de la Universidad de Belfast, existen rastros de que los principales violagambistas habían sido sefaradíes expulsados quienes, una vez que se asentaron en Italia, crearon el violín.
Los Amati fueron célebres lutieres: el padre, Andrea (1520-1578) estableció la forma del violín moderno; su labor fue continuada por sus hijos y llevada a la perfección por su nieto Nicolò, quien fuera maestro de Andrea Guarneri y Antonio Stradivari (1644-1737). Posiblemente, el nombre original de los Amati fuera «Haviv» (que en hebreo significa «amado», y eventualmente haya sido italianizado).
Esta es una posible versión de la historia de los instrumentos de cuerda frotada, tan presentes en nuestras vidas desde muchas generaciones atrás en el tiempo.
Bibliografía:
Francisco Blasco Vercher, Vicente Sanjosé Huguet (1994) Los instrumentos musicales Volumen 23 de Cultura Universitària Popular ISBN 843701543X, 9788437015439
Todo Violín 