Películas sobre violines que no debes perderte

Es un hecho, e incluso se ha convertido en una cita popular, la música alegra el alma. De hecho, existen instrumentos, obras musicales e intérpretes que nos ayudan a acercarnos a nuestros recuerdos agradables o pensamientos felices.


Según estudios, solo al 3% de las personas no les gusta la música, lo que significa que al 97% sí. Un porcentaje muy alto, que se ha convertido en uno de los principales pasatiempos e intereses de la población. Evidenciado por la creación y existencia de premios a la mejor música original en una película o serie de televisión.


Por lo tanto, es natural que el cine haya adoptado canciones y música de fondo temática para mejorar sus películas y las emociones de la audiencia, a veces incluso haciendo de la música su tema principal. Este es particularmente el caso del violín, que estamos a punto de ver, ya que ha ayudado a crear muchas películas hermosas, ¡como una sinfonía cinematográfica!


El violinista siempre ha estado bien representado en la gran pantalla, entre conciertos, orquestas sinfónicas y la época dorada de la música de cámara. Los directores pueden incluir un violín como accesorio, pero también casi como el personaje principal de una saga musical, ayudado por el genio de algunos grandes compositores como Stravinsky, Wagner, Vivaldi o Tchaikovsky.


Si bien tenemos aquí dos temas unificadores universales, la música y el cine, lo cierto es que se mezclan maravillosamente.
Por lo tanto, es fácil e inspirador para un director de cine usar el violín como herramienta principal o personaje secundario en la realización de su película. El violín y su calidad universal se presta para convertirse en la estrella en algunas grandes películas y cortometrajes de fama mundial o de renombre mundial. Pero entonces, ¿qué películas son algunas de las más notables por haber usado el violín como tema principal?

CHEVALIER

Está basada en la vida del violinista y compositor del s. XVIII Joseph Bologne, Chevalier de Saint George, quién a menudo fue comparado con el mismísimo W. A. Mozart.

VIULISTI (La violinista)

«The Violin Player» es una historia de amor sobre la ambición, la música, la pasión y la consecución de un sueño. La famosa violinista Karin se ve obligada a poner punto y final a su carrera tras un accidente automovilístico que la dejó con una mano lesionada, quitándole la capacidad para tocar el violín. Ella comienza a enseñar a estudiantes 20 años más jóvenes que ella, solo para descubrir que se ha enamorado de uno de ellos: Antti. La relación de Karin y Antti es difícil, ya que ambos son muy apasionados por la música y extremadamente ambiciosos en sus carreras.



La Canción de los Nombres Olvidados

La Canción de los Nombres Olvidados

Estrenada en 2019 y basada en una novela de Norman Lebrecht (el guión es de Jeffrey Caine) y dirigida por François Girard. Es 1951, y un gran evento musical está a punto de animar la escena clásica de Londres. La noche representada en el estreno de esta película contará con un joven virtuoso del violín, Dovidl Rapaport. El amigo de Dovidl, Martin, un hombre de veintitantos años como el violinista ausente, trata de tranquilizar a las personas mayores a su alrededor de que el músico no se perderá esta cita.

Pero lo hace. Y Martin nunca lo vuelve a ver. Más de 30 años después, el adulto Martin, interpretado por Tim Roth es ahora, un profesor de música, casado con su novia adolescente, que se siente intrigado por un posible estudiante de audición que resuena su arco de una manera particular. Esa forma pertenecía a Dovidl, quien, según aprendemos en flashbacks, era un niño prodigio arrogante que quedó al cuidado del padre de Martin antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial. El niño Dovidl es un judío disruptivo en un modo que recuerda el de Philip Roth. Un genio autoproclamado, inicialmente enfurece al joven abotonado Martin. Pero pronto se convierten en los mejores amigos, y en Inglaterra, el joven Dovidl es educado por el padre cariñoso de Martin, que lo está preparando para una carrera, incluso cuando su familia en Polonia está siendo trasladada a Treblinka.

Trailer:

La Melodía

La Melodía


Lanzada en 2017, esta película, dirigida por Rachid Hami e incluyendo a Kad Merad y Samir Guesmi, toma como personaje principal el violín. The Melody es una historia ficticia de un violinista que está un poco desilusionado con la vida, y que un día se encuentra como maestro de música violín frente a una clase difícil de estudiantes de 12 años.
Sin embargo, un niño muy tímido se destaca y descubre una pasión, incluso un verdadero talento, por el violín, que luego lleva a todos junto con él, incluido el maestro, evocando sus recuerdos de música y armonía.
The Melody es una prueba de que el violín puede ser suficiente para mantener una película unida desde el principio hasta el final, con, como bonificación, emociones y eventos dignos de una verdadera novela de violín. Una película muy cautivadora sobre el poder de la música, su fuerza unificadora y su carácter universal, que une a las personas, a pesar de las cosas negativas que pueden suceder y las tensiones que pueden surgir entre los humanos.


The Red Violin (El Violín Rojo)

The Red Violin (El Violín Rojo)


The Red Violin es una película que se estrenó en 1998 y nos cuenta la historia de Nicolo Bussotti, un fabricante de violines que, a pesar de la muerte de su esposa e hijo, decide terminar el violín que estaba creando. Después de esto, este mismo violín viajará por todo el mundo, y seguimos su viaje hasta descubrir el terrible secreto que esconde.
Esta es la prueba de que la música, que tiene una calidad universal, puede viajar a través del tiempo y el espacio y no tiene límites. Para colmo, ¡esta película recibió el Oscar a la mejor partitura musical!
A través de esta selección de películas centradas en el violín, comenzamos a ver que este increíble instrumento, más allá de ser bello, puede ser una fuerza universal, trayendo a la cultura humana algo más sensible, armonioso y unificador, que todos necesitamos.

The Violin Teacher (El Profesor de Violín)

The Violin Teacher (El Profesor de Violín)


The Violin Teacher es una película brasileña que se estrenó en 2015. La historia de esta película es simple y al mismo tiempo hermosa y fundamentalmente inspiradora. Una melodía que se acompaña de una gran actuación.
Esta es la historia de Laerte, un violinista talentoso, casi un virtuoso, que no pasa el examen de ingreso de la orquesta sinfónica de Sao Paulo, ya que está aterrorizado por el miedo escénico. Finalmente, Laerte se encuentra enseñando el violín a estudiantes en una favela brasileña, para ganarse la vida.
Si bien este entorno es bastante difícil, y fuera de su zona de confort, logra construir relaciones muy sólidas con los estudiantes.
¡También existen muchas otras citas de violín para inspirarte!


Chicken With Plums (Pollo con Ciruelas)

Chicken With Plums (Pollo con Ciruelas)



Cuando el cine se apodera del violín, es para hacer música hermosa como esta.
Lanzada en 2011, adaptado de un cómic de Marjane Satrapi, Chicken with Plums es una película bastante fuerte sobre el poder de la música (en este caso, el violín) y el amor que puede aportar. Esta película atraerá al amante de la música que vive en ti.
Chicken with Plums es el tipo de película que vale la pena. Especialmente porque el violín, anclado en Teherán en la década de 1950, se toca como una hermosa sirena, y hará que la historia cante desde el principio hasta el final, y esto, en última instancia, es todo lo que pedimos de una película: hacernos sentir vivos.

El Solista

El Solista


Esta película estadounidense es el tipo de historia que nos gustaría ver más a menudo en la pantalla grande, especialmente porque la música es un tema principal. Dirigida por Joe Wright, y lanzada en 2009, The Soloist se basa en una historia real, la de Steve Lopez, columnista del Los Angeles Times.
Este columnista, fascinado por la música producida por una persona sin hogar con un violín de dos cuerdas, lo conoce, lo descubre y finalmente se conecta con él en confianza y amistad. Descubre que este hombre ha estudiado el violín durante muchos años, y Steve López comienza a escribir un artículo sobre él. Al mismo tiempo, trata de devolver al hombre a una vida activa, a través del prisma de su nueva amistad y, siempre, la música, que sigue siendo el motor de toda la historia.
Esta es una película muy hermosa sobre la música y el arte en general, sobre la creación, pero también sobre las relaciones humanas, la amistad y cómo la música puede unir a las personas.


El Concierto

El Concierto


Lanzada en 2009, The Concert es una película hecha realidad por Mélanie Laurent, a través del prisma de la orquesta Bolshoi, que lidera el hilo narrativo de la película. El concierto es una historia de viajes, desde la Unión Soviética hasta Francia, desde la música hasta las emociones, encarnada por un gran grupo de actores.
Una experiencia cinematográfica tiene sentido en todos los sentidos, ya que son precisamente todos nuestros sentidos los que se ponen en acción en esta película. De hecho, a lo largo de la historia, podemos distinguir la música hermosa en todo su esplendor, incluidos los instrumentos que nos interesan hoy en día: el violín, tocado con pasión y con gran talento. Es innegable, cuando la música es la pieza central de una película, ¡a menudo es una gran experiencia cinematográfica!


El Violín

El Violín


En 2007, se lanzó The Violin, una película mexicana presentada en un contexto de turbulencia política. Los personajes principales de esta película, un padre y su hijo, llevan una doble vida, entre ser guerrilleros que intentan derrocar a su gobierno a músicos que tocan música en su pequeña granja.
Muchos eventos, en línea con la realidad a veces cruel de la vida, sin embargo, la música sigue siendo el eje, el pilar y, una vez más, un gran accesorio que da peso a los hermosos valores, los buenos sentimientos y los momentos de gracia en la película.

Music of the Heart (Música del corazón)

Music of the Heart (Música del corazón)

«Music of the Heart» (1999) se basa en la historia real de una maestra de violín llamada Roberta Guaspari, quien creó un programa de música de la escuela secundaria prácticamente de la nada en East Harlem, y finalmente se encontró a sí misma y a sus estudiantes en el escenario de Carnegie Hall. La mayoría de las películas que afirman estar basadas en hechos vierten en el melodrama, pero esta básicamente se limita a la historia real, que tiene todo el golpe emocional que se necesita.

.

«Pieza Barroca» Partitura para violín

Lady Anne Blunt y su Stradivarius

Lady Anne Blunt

Anne Isabella Noel Blunt, decimoquinta baronesa Wentworth, nacida el 22 de septiembre de 1837 en Londres, fue traductora, música, artista y criadora de caballos árabes.

Lady Blunt es conocida entre los estudiantes de literatura inglesa como la nieta de Lord Byron y la sufrida esposa del poeta Wilfrid Scawen Blunt.

Los aficionados a la informática reconocerán a Lady Anne como la hija de Ada Lovelace, considerada por muchos la primera programadora de la historia.

Los amantes de los caballos árabes aún admiran y veneran a Lady Anne Blunt por sus extensos y a menudo arduos viajes por Oriente Medio junto a su esposo Wilfrid.

Los músicos, especialmente los violinistas, la conocen como la dueña del Stradivarius Lady Blunt, un violín fabricado en 1721, considerado uno de los Stradivarius mejor conservados que existen. Lady Anne adquirió su instrumento en 1864, cinco años antes de casarse con Wilfrid, a un luthier llamado Jean-Baptiste Villaume, quien a su vez lo había adquirido del conde Cozio di Salabue. Algunos de sus biógrafos la describen como una violinista consumada. Se dice que estudió con al menos dos maestros de renombre: Joseph Joachim, uno de los violinistas más importantes de su época, y Leopold Jansa, quien también fue maestro del compositor Karl Goldmark y de Wilma Neruda.

Es autora de numerosas obras, entre ellas «Las tribus beduinas del Éufrates» (Harper and Brothers, 1879) y «Una peregrinación a Nejd» (John Murray, 1881), además de traductora, junto con su esposo Wilfrid Scawen Blunt, de «Las siete odas doradas de la Arabia pagana, también conocidas como Moallakat» (publicación independiente, 1903).

Al parecer, al esposo de Lady Anne le resultaba insoportable escucharla practicar y la menospreciaba, llamándola «violinismo».

Lady Anne sí poseía un gran aprecio por la belleza y el arte —era una pintora talentosa y los caballos que criaba eran muy valorados, por lo que habría adquirido el Stradivarius tanto como objeto de arte como por su sonido.

 

El Stradivarius Lady Blunt

Un magnífico violín italiano de Antonio Stradivari, Cremona, 1721 con la inscripción: «Antonius Stradivarius faciebat Cremonensis Anno 1721».
El violín «Lady Blunt» destaca entre todos los demás violines Stradivarius por su excepcional estado de conservación, prácticamente perfecto y original. Ha sido cuidado por algunos de los coleccionistas y expertos más responsables de la historia. El violín «Lady Blunt» se conserva hoy prácticamente igual que cuando salió de la famosa colección del comerciante y luthier parisino Jean Baptiste Vuillaume en 1864, y aún lleva las clavijas y el cordal ornamentados, fabricados en su taller.

Al igual que el «Mesías», el «Lady Blunt» conserva su mástil original extendido en el talón por Vuillaume, quien tuvo cuidado de dejar la tapa intacta, como es más común pero también más perjudicial para el original. Vuillaume conservó cuidadosamente el diapasón Stradivarius, que se ha mantenido con el violín y muestra depósitos intactos de barniz Stradivarius acumulados en sus bordes. También reemplazó la barra armónica por una versión moderna más larga, pero conservó la original, que también permanece con el violín. Los bordes, las esquinas y los canales del «Lady Blunt» permiten observar las herramientas del luthier sin alteraciones, sin ningún desgaste. Ambos violines tienen un barniz casi intacto, lleno y magnífico, que parece como si se hubiera aplicado hace 50 años. Dentro del clavijero, en la base de la mortaja, se encuentra la inscripción del fabricante «PG», que indica que el violín fue construido sobre la forma «PG».

Anteriormente, se creía que esta inscripción eran las iniciales de Paolo Stradivari, pero estudios más recientes han demostrado lo contrario. La caligrafía y la forma de las letras «PG» en el clavijero del violín «Lady Blunt» coinciden exactamente con la inscripción en la forma «PG» de Stradivari expuesta en el Museo Stradivariano de Cremona. Es uno de los pocos Stradivarius que, afortunadamente, no se ha usado con regularidad.

Ondas binaurales – usos y efectos

 

¿Has oído hablar sobre las ondas binaurales? Los estímulos sonoros o determinados sonidos pueden tener efectos sobre nuestro cerebro, eso parece obvio. Las así llamadas «ondas binaurales» son literalmente dos sonidos, generalmente producidos en acordes prolongados en intervalos de segundas. Pero, ¿qué tienen de particular y por qué son tan populares? Según expertos, el cerebro humano suele tener un patrón rítmico. Nuestro bienestar físico y emocional se ve muy afectado por el sonido. El cerebro genera una experiencia sonora conocida como ritmos binaurales, que pueden influir en los procesos psicológicos y la función cerebral.

Ya en 1839, H. W. Dove describió por primera vez el fenómeno y esto llevó al inicio de la investigación sobre los ritmos binaurales. Sin embargo, debido a que se trata de una reacción perceptiva a estímulos producidos artificialmente y que no se dan en entornos naturales, la investigación sobre los ritmos binaurales se abandonó durante mucho tiempo hasta que Gerald Oster explicó el fenómeno con mayor detalle. Además, enfatizó la utilidad que la estimulación con ritmos binaurales puede tener en la vida real. Asimismo, su naturaleza no invasiva, su bajo costo, su facilidad de implementación y su capacidad para mejorar las habilidades cognitivas sin entrenamiento previo hacen de los ritmos binaurales una opción atractiva para su uso práctico.

A partir de estudios posteriores realizados en España, ha podido conocerse que (González Velasco) «Tanto las neuronas de la oliva lateral superior como las de la oliva medial superior son neuronas biaurales, es decir, reciben información procedente de ambos oídos. Los estímulos de ambos oídos llegan a las neuronas de la oliva lateral de forma simultánea y por ello presentan una respuesta excitatoria con aumento de la actividad cuando se estimula el oído ipsilateral, y una respuesta inhibitoria con disminución de la actividad cuando se estimula el oído contralateral y respuestas concretas a diferencias interaurales de intensidad». Además, «Las células ciliadas en el órgano corti realizan una función muy precisa ya que son los transductores mecanoeléctricos que transforman la energía mecánica de la onda sonora en energía bioeléctrica, el mensaje auditivo neural que alcanzará la corteza cerebral mediante la vía auditiva.»
Lo que este estudio quiere demostrar es que con la aplicación de estímulos auditivos complejos de forma diferenciada a cada oído, se puede inducir un aumento de la actividad cerebral.

 

Tipos de ondas y sus efectos

Los estudios que evalúan la atención y los ruidos cerebrales han utilizado una variedad de frecuencias de ruido cerebral, incluyendo:
Delta (0,5–4 *Hz): Se investiga para la inducción del sueño profundo, el control del dolor y la recuperación mental.
Theta (4–8 Hz): Se estudia para potenciar la meditación, la creatividad y el sueño REM. Algunos estudios muestran que las ondas theta de 6 Hz a 7 Hz pueden ayudar a reducir la ansiedad y el dolor.
Alfa (8–13 Hz): Se centra en la relajación y la reducción de la ansiedad.
Beta (13–30 Hz): Se investiga para mejorar la concentración, el estado de alerta y la función cognitiva, especialmente en estudios sobre la atención.
Gamma (40 Hz): Aumentar la concentración y realizar tareas

Advertencia: No usar ondas de sonido de menos de 20Hz como tratamiento, puede ser perjudicial

Posibles efectos negativos

No obstante, aunque la investigación sugiere que los ritmos binaurales pueden mejorar las funciones de la memoria, especialmente en las frecuencias beta, hay algunos estudios que no muestran efectos o incluso impactos negativos en la memoria. Si bien los ritmos binaurales pueden reducir los síntomas de depresión y ansiedad en algunos casos, la evidencia sobre su eficacia es contradictoria. En general, aunque muestran potencial para beneficios cognitivos y emocionales, las respuestas individuales varían significativamente.

Los ritmos binaurales, a menudo denominados «fármacos digitales», podrían tratar eficazmente los trastornos neuropsiquiátricos si se valida su eficacia. Su accesibilidad y mínimos efectos secundarios los hacen atractivos, pero persisten importantes inconsistencias en la investigación. Se necesitan más estudios rigurosos para aclarar sus beneficios para la ansiedad, los trastornos del estado de ánimo y las funciones cognitivas.

Sin duda el uso de sonidos con el fin de mejorar nuestra capacidad cognitiva parece algo fantástico, pero aun hay mucho que estudiar sobre sus posibles efectos, por lo que es aconsjable utilizar los sonidos binaurales con la supervisión o consulta previa a un especialista en materia de neurología o psiquiatría.

Armas sónicas

Tras las protestas en Serbia se supo que las autoridades usaron armas sónicas contra civiles, las cuales les provocaron diferentes síntomas tales como náuseas, dolor de cabeza y una especie de malestar general. Los principales tipos de armas sónicas incluyen (Wikipedia):

  • Dispositivos Acústicos de Largo Alcance (LRAD): Conocidos como «cañones de sonido», emiten sonidos extremadamente fuertes (hasta 136-150 dB) en un haz direccional, causando dolor, desorientación y daño auditivo temporal.
  • Armas Infrasónicas: Utilizan frecuencias inferiores a 20 Hz, inaudibles para el oído humano, pero que pueden vibrar órganos internos, provocando náuseas, vómitos, dolor de cabeza y problemas neurológicos.
  • Armas Ultrasónicas: Utilizan frecuencias superiores a 20 kHz, afectando el sistema vestibular y causando molestias intensas o desorientación.
  • Balas Sónicas/Bazucas de Ruido: Dispositivos portátiles o montados en vehículos diseñados para dirigir ráfagas de ruido intenso hacia blancos específicos.

 

*Vibraciones por segundo

 

Fuentes:

  • TESIS DOCTORAL: INFLUENCIA DE LA ESTIMULACIÓN SONORA BINAURAL EN LA GENERACIÓN DE ONDAS CEREBRALES. ESTUDIO ELECTROENCEFALOGRÁFICO – PEDRO MIGUEL GONZÁLEZ VELASCO
  • Binaural beats to entrain the brain? A systematic review of the effects of binaural beat stimulation on brain oscillatory activity, and the implications for psychological research and intervention – Ruth Maria Ingendoh 1,*, Ella S Posny 1, Angela Heine 1 Editor: Vilfredo De Pascalis2
    PMCID: PMC10198548 PMID: 37205669
  • National Library of Medicine: https://pmc.ncbi.nlm.nih.gov/articles/PMC10198548/
  • The Science Behind Binaural Beats: Can Sound Ease Anxiety and Boost Your Brain?
    Sina Soltan Lake Forest College Illinois 60045 https://www.lakeforest.edu/Public/Eukaryon/Volume%2021/vol21_036_review.pdf
  • Psicología de la música y emoción musical – JOSEFA LACÁRCEL MORENO, Universidad de Murcia

¿Cuántos violines Stradivarius existen?

A pesar de su fama, el número exacto de violines Stradivarius auténticos que existen hoy en día sigue siendo un misterio. Los expertos han documentado y catalogado tantos instrumentos Stradivari como ha sido posible, desde los que se encuentran en museos hasta los que tocan los profesionales y los que poseen coleccionistas privados.

Como podrás comprobar, estos preciados instrumentos pueden tener una historia turbulenta. Muchos se han extraviado, algunos han sido robados y otros han sucumbido al paso del tiempo.

¿Qué es un violín Stradivarius?

Un instrumento Stradivarius es un violín, viola, violonchelo u otro instrumento de cuerda fabricado por Antonio Stradivari o algún otro miembro de su familia. Stradivari fue un reconocido lutier de los siglos XVII y XVIII.

¿Por qué los instrumentos Stradivarius son tan famosos ?

Se cree que Antonio Stradivari produjo entre 1100 y 2000 instrumentos a lo largo de su vida. De estos, 960 fueron violines. Se estima que actualmente entre 450 y 500 de sus violines aún sobreviven. A continuación te mostramos la información sobre algunos de ellos:

Nombre de violín y año de fabricaciónActual dueño
Ex-Back 1666Real Academia de Música. Actualmente expuesto como parte de la Colección York Gate de la Real Academia.
Dubois 1667Fundación Canimex. En préstamo a Alexandre da Costa.
Aranyi 1667Francis Aranyi (coleccionista). Vendido en Sotheby’s Londres el 12 de noviembre de 1986.
Ex-Capitán Saville 1667Jean-Baptiste Vuillaume/Capitán Saville (1901-1907)
Amatese 1668Aunque aparece en muchos libros de referencia como uno de los primeros instrumentos de Stradivarius, el consenso actual es que en realidad no es un violín Stradivarius. Fue vendido en Sotheby’s Nueva York el 3 de febrero de 1982 como «un violín interesante».
Oistrakh 1671David Oistrakh. Robado del Museo de Cultura Musical de Rusia en mayo de 1996, pero recuperado en 2001.
Sellière 1672Carlos IV de España.
Spanish 1677Fundación Cultural Finlandesa. En préstamo a Elina Vähälä.
Hellier 1679Smithsonian Institution
Paganini-Desaint
1680
Fundación Musical Nippon. Este violín, junto con el violín Paganini-Comte Cozio di Salabue de 1727, la viola Paganini-Mendelssohn de 1731 y el violonchelo Paganini-Ladenburg de 1736, componen un grupo de instrumentos conocido como el Cuarteto Paganini. En préstamo a Kikuei Ikeda del Cuarteto de Cuerdas de Tokio
1680Colección del Sr. y la Sra. Rin Kei Mei
1681 Reynier o Conde de Chesnais.Propiedad de Lyon & Healey en 1949. Anteriormente propiedad de Napoleón III, Leon Reynier y el Conde de Chesnais.
Fleming 1681Stradivari Society, prestado habitualmente a Cecily Ward
Bucher 1683Su ubicación actual se desconoce
Cipriani Potter 1683Ashmolean Museum, Oxford
Cobbett; ex-Holloway 1683.En préstamo a Sejong, gestionado por la Stradivari Society
ex-Croall 1684WestLB
ex-Elphinstone 1684Colección privada
ex-Arma Senkrah 1685Stradivari Society
ex-Castelbarco 1685Sala de Música de la Real Biblioteca del Palacio, en Madrid
Goddard 1686Srta. Goddard; Antonio Fortunato
Ole Bull 1687Ole Bull (1844); Donado a la Institución Smithsonian en 1997 por Herbert R. Axelrod. Actualmente forma parte del cuarteto Axelrod
Mercur-Avery 1687Cedido en préstamo a Jonathan Carney, concertino de la Orquesta Sinfónica de Baltimore desde 2002
1688Colección del Sr. y la Sra. Rin Kei Mei
Auer 1689 Cedido en préstamo a Vadim Gluzman, gestionado por la Sociedad Stradivari.
Arditi 1689Dextra musica AS, Noruega. Cedido en préstamo a Elise Båtnes, concertino de la Filarmónica de Oslo.
Baumgartner 1689Consejo Canadiense para las Artes. Cedido en préstamo a Judy Kang.
Español I 1689Patrimonio Nacional, Palacio Real, Madrid, España. Fechas comprendidas entre 1687 y 1689. Integrante de un par de violines (Españoles I y II) conocido como los Decorados y los Palatinos; también denominado colectivamente como el Cuarteto Real cuando se incluía con la viola (1696) y el violonchelo (1694) de la Corte Española.
Español II, 1689Patrimonio Nacional, Palacio Real, Madrid, España (fecha aproximada: 1687-1689); integrante de un par de violines (Españoles I y II) conocido como los Decorados y los Palatinos; también denominado colectivamente como el Cuarteto Real cuando se incluía con la viola (1696) y el violonchelo (1694) de la Corte Española
Bingham 1690Propietario desconocido
Bennett 1692Winterthur-Versicherungen En préstamo a Hanna Weinmeister
Falmouth 1692En préstamo a Leonidas Kavakos
Gould 1693Museo Metropolitano de Arte Legado de George Gould al Museo Metropolitano en 1955
Harrison 1693Richard Harrison; Henry Hottinger; Kyung-wha Chung en la colección del Museo Nacional de Música
Baillot-Pommerau 1694Anteriormente propiedad de Arthur Catterall, luego de Alfredo Campoli
Rutson 1694Royal Academy of Music, cedido en préstamo a Clio Gould
Fetzer 1694Propietario desconocido desde 1965
1697Edvin Marton Dima Bilan, junto con Evgeni Plushenko y Edvin Marton tocando su Stradivarius, ganó el Festival de la Canción de Eurovisión 2008
Cabriac 1698Dueño desconocido
Baron Knoop 1698Uno de los once violines Stradivarius asociados al barón Johann Knoop
Joachim 1698Royal Academy of Music
Duc de Camposelice 1699Ubicación actual desconocida
Lady Tennant; Lafont 1699Charles Phillipe Lafont/Marguerite Agaranthe Tennant; En préstamo a Xiang Gao, intermediado por la Stradivari Society; vendido en subasta en Christie’s por US$2.032 millones, abril de 2005
Longuet 1699Museo Victoria and Albert (V&A) en Londres
Condesa Polignac 1699En préstamo a Gil Shaham
Castelbarco 1699Biblioteca del Congreso. Donado por Gertrude Clarke Whittall
Kustendyke 1699Royal Academy of Music
Crespi 1699Royal Academy of Music
The Penny 1700Barbara Penny
Dragonetti 1700Fundación Musical Nippon. Anteriormente propiedad de Alfredo Campoli
Jupiter 1700Giovanni Battista Viotti
Markees 1701En 2003 adquirido por la Music Chamber of Hong Kong y cedido en préstamo al concertino de la Filarmónica de Hong Kong, Leung Kin-fung.
En 2008, fue vendido de forma privada por Sotheby’s a un coleccionista americano, y posteriormente fue vendido de nuevo por la casa de subastas Ingles & Hayday en 2019, actual dueño desconocido.
Irish 1702Pohjola Bank Art Foundation, Finlandia, cedido a Antti Tikkanen
Conde de Fontana; ex-Oistrach 1702David Oistrakh (1953-1963); Ricardo Brengola; El primer violín de la Fundación Pro Canale Oistrakh; cedido a Mariana Sirbu
Lukens; Edler Voicu 1702A.W. Lukens; Jon Voicu; Ministerio de Cultura de Rumanía, en préstamo a Alexandru Tomescu hasta 2012
Rey Maximiliano José, 1702Perteneciente a grupo anónimo de inversores en Chicago
Lyall, 1702Colección privada
Antonio Stradivari, 1703República Federal de Alemania, en exhibición en el Museo de Instrumentos Musicales de Berlín
La Rouse Boughton, 1703Banco Nacional de Austria, en préstamo a Boris Kuschnir del Cuarteto Kopelman
Lord Newlands, 1702Fundación Musical Nippon, en préstamo a Toru Yasunaga
Allegretti, 1703Perteneciente a colección privada
Alsager, 1703Parte de la colección del Museo Nacional de Historia Americana del Smithsonian y parte de la colección del Cuarteto Axelrod.
Lady Harmsworth, 1703Paul Bartel, en préstamo a Kristof Barati, gestionado por la Sociedad Stradivari
Emiliani, 1703Anne-Sophie Mutter
ex-Foulis, 1703en préstamo a Karen Gomyo
Betts 1704Biblioteca del Congreso de EE. UU. Donado por Gertrude Clarke Whittall
La ​​Bella Durmiente 1704L-Bank Baden-Wurtemberg, cedido en préstamo a Isabelle Faust. Uno de los pocos violines Stradivarius que conserva el mástil original.
Ex-Marsick; ex-Oistrach 1705David Oistrach adquirido en trueque por Oistrach por el Conde de Fontana de 1702
«Ex-Tadolini» 1706Colección del Sr. y la Sra. Rin Kei Mei
Ex-Brüstlein 1707Banco Nacional de Austria
La Catedral 1707Actual dueño desconocido, anteriormente prestado a Nigel Kennedy en la década de 1980 y a Tamaki Kawakubo
Hammer 1707Christian Hammer (coleccionista) vendido en Christie’s Nueva York el 16 de mayo de 2006 por la cifra récord de 3.544.000 dólares estadounidenses (2.765.080 euros) tras cinco minutos de puja
Burstein; Bagshawe, 1708Propiedad de la familia Jacobs, cedido en préstamo a Jeff Thayer, concertino de la Orquesta Sinfónica de San Diego.
Huggins, 1708Fundación Musical Nippon, cedido en préstamo a Sergey Khachatryan.
Ruby, 1708Cedido en préstamo a Chen Xi por la Sociedad Stradivari.
Strauss, 1708Cedido en préstamo a Chee-Yun por la Sociedad Stradivari.
Greffuhle, 1709Donado a la Institución Smithsonian en 1997 por Herbert R. Axelrod. Actualmente forma parte del Cuarteto Axelrod.
Hochschule de Berlín, 1709Su actual ubicación se desconoce. Fue robado durante la época nazi
Hammerle; ex-Adler 1709Banco Nacional de Austria cedido a Werner Hink
Ernst 1709Cedido a Zsigmondy Dénes hasta 2003
Engleman 1709Fundación Musical Nippon cedido a Lisa Batiashvili
Rey Maximiliano; Unico 1709Fundación Axel Springer cedido a Michel Schwalbé, concertino de la Filarmónica de Berlín (1966-1986); denunciado como robado en 1999
Viotti; ex-Bruce 1709Royal Academy of Music adquirido en 2005 por 3,5 millones de libras esterlinas
Marie Hall 1709Giovanni Battista Viotti / Colección Chi-Mei; Nombrada en honor a la violinista Marie Hall
Ex-Kempner 1709Cedido en préstamo a Soovin Kim
Camposelice 1710Fundación Musical Nippon, cedido en préstamo a Kyoko Takezawa
Lord Dunn-Raven 1710Anne-Sophie Mutter
Ex-Roederer 1710Cedido en préstamo a David Grimal
Ex-Vieuxtemps 1710Cedido en préstamo a Samuel Magad, concertino de la Orquesta Sinfónica de Chicago
La Lady Inchiquin 1711Anteriormente propiedad de Fritz Kreisler, utilizado por Frank Peter Zimmermann. La compañía bancaria alemana WestLB AG la adquirió para su uso.
Conde de Plymouth; Kreisler 1711Filarmónica de Los Ángeles, encontrada en un almacén de la finca del Conde de Plymouth junto con los violines El Mesías y Alard en 1925; Adquirido por Fritz Kreisler en 1928 y posteriormente vendido por él en 1946
Liegnitz 1711anteriormente propiedad de Szymon Goldberg
Le Brun 1712Niccolò Paganini; Charles Le Brun; Otto Senn; vendido en subasta de Sotheby’s el 13 de noviembre de 2001
Karpilowsky 1712Harry Solloway, desaparecido: robado en 1953 de la residencia de Solloway en Los Ángeles
Schreiber
1713
Subastado por la casa de subastas Tarisio, propietario actual desconocido
Antonio Stradivari 1713
Boissier 1713Conservatorio Superior de Música de Madrid
Daniel 1713Cedido a Jhon Paul Reynols
Gibson; ex-Huberman 1713Bronisøw Huberman; Robado dos veces a Huberman, Joshua Bell
Lady Ley 1713 StradivariusAdquirida ahora por Jue Yao
Wirt 1713Colección privada
Delfino 1714Jascha Heifetz; Fundación Musical Nippon , cedido a Akiko Suwanai
Soil 1714 Amédée SoilYehudi Menuhin; Itzhak Perlman. Protagonista de la misión «La canción de Agatha» en el videojuego Fallout 3.
Ex-Berou; Ex-Thibaud 1714Se desconoce su actual ubicación
Le Maurien 1714Desaparecido: robado en 2002
Leonora Jackson 1714Propiedad de Bill y Judy Sloan de Los Ángeles, prestado a varios violinistas, incluyendo a Philip Setzer del Emerson String Quartet y Jan Talich del Talich String Quartet.
Sinsheimer; General Kyd; Perlman 1714Itzhak Perlman / David L. Fulton
Smith-Quersin 1714Österreichische Nationalbank, cedido a Rainer Honeck
Alard-Baron Knoop 1715Su ubicación actual se desconoce
Barón Knoop; ex-Bevan 1715Su ubicación actual se desconoce
Ex-Bazzini 1715Fue exhibido en el Palacio del Gran Maestre en La Valeta, Malta, en una ocasión
Cremonese; ex-Harold, Joseph Joachim 1715Municipio de Cremona
Duque de Cambridge; Ex-Pierre Rode 1715ONG «Yellow Angel», cedido a Ryu Goto
Joachim 1715Fundación Musical Japonesa, cedido a Sayaka Shoji
Lipinski 1715Cedido al concertino de la Orquesta Sinfónica de Milwaukee, Frank Almond
Ex-Marsick 1715Cedido a James Ehnes
Titian 1715Jacob Lynam
Cessole 1716Museo Ashmolean, Oxford
Berthier 1716Barón Vecsey de Vecse; Franco Gulli
Booth 1716Fundación Musical Japonesa, cedido a Shunsuke Sato; anteriormente cedido a Arabella Steinbacher; anteriormente prestado a Julia Fischer
Colossus 1716Robado y desaparecido en 1998
Duranti 1716Mariko Senju
Monasterio 1716Cyrus Forough
Provigny 1716Se desconoce su actual ubicación
Mesías-Salabue 1716Museo Ashmolean de Oxford, en exhibición
Ex-Windsor-Weinstein; Fite 1716Consejo de las Artes de Canadá en préstamo a Caroline Chéhadé
Baron Wittgenstein 1716Estado búlgaro en préstamo a Mintcho Mintchev desde 1979
Gabriel 1717No tiene ubicación fija
Ex-Wieniawski 1717Donado a Ontario Heritage Foundation
Kochanski 1717Pierre Amoyal Robado en 1987, recuperado en 1991
Sasserno 1717Fundación Musical Nippon en préstamo a Viviane Hagner
Viotti; Ex-Rosé 1718Giovanni Battista Viotti / Banco Nacional de Austria, en préstamo a Volkhard Steude
Chanot-Chardon 1718Timothy Baker / Joshua Bell; con forma de guitarra; actualmente en préstamo a Simone Lamsma
Pájaro de fuego; Ex-Saint Exupéry 1718Salvatore Accardo
Marquis de Riviere 1718Daniel Majeske: tocado mientras era concertino de la Orquesta de Cleveland de 1969 a 1993.
San Lorenzo 1718Georg Talbot, cedido a David Garrett mientras se reparaba su Guadagnini.
Ex-Conde Vieri, 1718Colección del Sr. y la Sra. Rin Kei Mei.
Lauterbach, 1719Johann Christoph Lauterbach; J.B. Vuillaume; Charles Philippe Lafont
Madrileño, «el ángel» 1720Stradivarius Art & Sound company
Von Beckerath, 1720Michael Antonello.
Sinsheimer; Iselin, 1721Denunciado como robado cerca de Hannover, Alemania, en 2008; recuperado en 2009.
Lady Blunt, 1721Paolo Stradivarius, llamado así en honor a Lady Anne Blunt, hija de Ada Lovelace y nieta de Lord Byron.
Jean-Marie Leclair, 1721Jean-Marie Leclair; cedido en préstamo a Guido Rimonda.
Mendelssohn rojo, 1721Familia Mendelssohn / Elizabeth Pitcairn; fuente de inspiración para la película de 1998, El violín rojo.
El Macmillan 1721En préstamo a Ray Chen a través de Young Concert Artists
Artot 1722Adquirido en subasta privada
Jules Falk 1723Viktoria Mullova
Jupiter; ex-Goding 1722Fundación Musical Japonesa, en préstamo a Daishin Kashimoto; anteriormente Midori Goto
Laub-Petschnikoff 1722Fundación Musical Japonesa
Elman 1722Museo Chi Mei
Cádiz 1722Joseph Fuchs en préstamo a Jennifer Frautschi
Kiesewetter; «Ex Keisewetter» 1723Clement y Karen Arrison, en préstamo a Philippe Quint, gestionado por la Stradivari Society. Quint lo dejó olvidado en un taxi el 21 de abril de 2008 y lo recuperó al día siguiente.
Earl Spencer 1723en préstamo a Nicola Benedetti
Le Sarasate 1724Museo de la Música, París Legado al Conservatorio por Pablo de Sarasate
Brancaccio 1725Propiedad de Carl Flesch hasta 1928, cuando fue vendido a Franz von Mendelssohn, banquero y violinista aficionado. Destruido en un bombardeo aliado sobre Berlín.
Chacona 1725Banco Nacional de Austria En préstamo a Rainer Küchel
Leonardo da Vinci 1725Familia Da Vinci
Wilhelmj 1725Fundación Musical Japonesa, en préstamo a Baiba Skride
Greville; Kreisler; Adams 1726Fritz Kreisler
Barón Deurbroucq 1727Barón Deurbroucq (La Haya) (1870); Robert Crawford (Edimburgo);
W.E. Hill & Sons (1902);
Hans Wessely (1903-1926);
David D. Walton (Boston) (1926);
Emil Herrmann (19??-1945);
Fredell Lack (1945-presente)
Barrere 1727Cedido a Janine Jansen por la Stradivari Society
Davidoff-Morini 1727Robado en 1995, desaparecido desde entonces
Ex-General Dupont 1727Arthur Grumiaux, cedido a Jennifer Koh
Holroyd 1727Propiedad de Suntory Limited en Osaka, Japón. Usado por Elmar Oliveira, Andrea Cappelletti, Mayuko Kamio y Gabriel Kameda Koh.
Kreutzer 1727Maxim Vengerov, uno de los cuatro violines Stradivarius con el sobrenombre Kreutzer (1701, 1720, 1731)
«Ex Reynier» o «Le Reynier»; Hart; ex-Francescatti 1727Société LVMH (Moët & Chandon Hennessey Louis Vuitton) desde 1993 o 1994 / Salvatore Accardo. Nombrado en honor a Leon Reynier, ganador del Conservatorio de París en 1847. Ha sido prestado a Maxim Vengerov.
Paganini-Conde Cozio di Salabue 1727Fundación Musical Nippon. Este violín, junto con el violín Paganini-Desaint de 1680, la viola Paganini-Mendelssohn de 1731 y el violonchelo Paganini-Ladenburg de 1736, componen un conjunto de instrumentos conocido como el Cuarteto Paganini; prestado a Martin Beaver del Cuarteto de Cuerdas de Tokio.
Halphen 1727Fundación Privada Angelika Prokopp. Prestado a Eckhard Seifert.
Vesuvius 1727Antonio Brosa / Remo Lauricella / Ciudad de Cremona
A. J. Fletcher; Caballero de la Cruz Roja 1728A. J. Fundación Fletcher lo cedió en préstamo a Nicholas Kitchen del Cuarteto de Cuerdas Borromeo; el instrumento fue fabricado por Omobono Stradivarius
Artot-Alard 1728Endre Balogh. Una réplica de este instrumento fue producida en 1996 por Gregg Alf y Joseph Curtin, utilizando materiales y métodos modernos; Balogh toca tanto el original de 1728 como la réplica
Dragonetti; Milanollo 1728Giovanni Battista Viotti, cedido en préstamo a Corey Cerovsek
Perkins 1728Filarmónica de Los Ángeles, nombrada en honor a Frederick Perkins, anteriormente propiedad de Luigi Boccherini
Benny 1729Jack Benny; legado a la Filarmónica de Los Ángeles por Jack Benny
Solomon, ex-Lambert 1729Murray Lambert / Seymour Solomon; vendido en Christie’s, Nueva York por US$2.728.000 (€2.040.000)
Innes 1729Cedido en préstamo a Eugen Sarbu; anteriormente cedido a Wieniawski
Guarneri 1729Cedido en préstamo por el Consejo Canadiense de las Artes a Nikki Chooi
Real Español 1730Anne Akiko Meyers, que perteneció al Rey de España
Lady Jeanne 1731Fundación Donald Kahn, en préstamo a Benjamin Schmid
Garcin 1731Jules Garcin; Sidney Harth
Heifetz-Piel 1731Rudolph Piel / Jascha Heifetz
Baillot 1732Fondazione Casa di Risparmio, prestado a Giuliano Carmignola para la grabación de DG de Vivaldi: Conciertos para dos violines
Duque de Alcántara 1732Un oscuro noble español descrito como ayudante de campo del Rey Don Carlos; Genevieve Vedder, de la UCLA, donó el instrumento al departamento de música de la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA) en la década de 1960. En 1967, el instrumento fue prestado a David Margetts. Se desconoce si fue olvidado en el techo de su coche o robado, pero durante 27 años el violín se consideró desaparecido hasta que fue recuperado por un violinista aficionado que afirmó haberlo encontrado en una autopista. Se llegó a un acuerdo y el Stradivarius fue devuelto a la UCLA en 1995
Hércules 1732Eugène Ysaÿe desaparecido: robado en Rusia en 1908
Diamante Rojo 1732Louis Von Spencer IV
Tom Taylor 1732Previamente prestado a Joshua Bell
Des Rosiers 1733Angèle Dubeau
Huberman; Kreisler 1733Bronisław Huberman / Fritz Kreisler
Khevenhüller 1733Yehudi Menuhin
Montó 1733Fritz Kreisler / Bronislaw Hubermann
Ames 1734Desaparecido: robado en 1981
Barón Feilitzsch; Heermann 1734Barón Feilitzsch / Hugo Heerman / Gidon Kremer
Habeneck 1734Royal Music Academy
Hércules; Ysayé; ex-Szeryng; Rey David 1734Eugène Ysaÿe / Charles Münch / Henryk Szeryng / Estado de Israel
Señor Amherst de Hackney 1734Fritz Kreisler
Lamoureux; Ex Zimbalist 1735Robado y desaparecido
Muntz 1736Fundación Musical Japonesa, cedido en préstamo a Arabella Steinbacher
Ex Roussy 1736Chisako Takashima
Conde d’Amaille 1737Charles Libove
Lord Norton 1737Perteneció a la colección de Henry Hottinger desde 1957 / Actual dueño desconocido
Chant du Cygne; Swan Song 1737Ivry Gitlis

Instrumentos de cuerda frotada: zeze, goje y orutu

Si te has preguntado cuál es el origen de los instrumentos de cuerda frotada y el uso del arco de caza en la música, la respuesta proviene del continente africano. Hoy queremos presentarte tres instrumentos de cuerda frotada africanos; zeze, goje y orutu.

Zeze

Zeze es una especie de violín de una sola cuerda proveniente de Zaire, Kenia y Tanzania, también llamado endingini en Uganda, ekegogo en Kenia, izeze o chizeze en Tanzania. La caja de resonancia está hecha de madera, bambú, calabaza, una cáscara de coco o una olla de barro. Está cubierto con la piel de un duiker (un tipo de antílope) tal y como se fabricaba anteriormente en el pueblo de los Wagogo.

En algunas zonas, el extremo del mástil puede estar bellamente tallado en diferentes formas. En concursos de música como Shinyanga y Ukerewe, se tiene en cuenta la belleza del instrumento, ya que los oyentes se sienten atraídos no solo por la buena interpretación, sino también por la forma inusual de los instrumentos, así como por la vestimenta especial de los músicos.

En otros lugares de origen del Cercano Oriente, el instrumento se toca golpeándolo con un arco corto. Suelen tocarlo músicos profesionales itinerantes que van de aldea en aldea para actuar en ceremonias. Estos instrumentos se encuentran principalmente entre las personas que viven cerca de la costa, como los Doë y los Kwere, pero los Zaramo, Kaguru y Luguru también tienen algunos instrumentos similares.

En Tanzania se han encontrado algunos de los vestigios más antiguos de la cultura humana. Se cree que allí fabricaron instrumentos musicales hace dos millones de años con herramientas de piedra simples. Después de eso, los pueblos que vivían allí eran cazadores-recolectores que probablemente produjeron al menos algunos tipos de señales vocales. El arco utilizado para cazar inspiró un instrumento de cuerda: el arco musical. Tradicionalmente, la música siempre ha tenido una función y nunca se presenta sin un propósito. Por ejemplo, cierta música e instrumentos se presentan solo durante un día o ceremonia determinados.

A partir del año 2000 a. C. aproximadamente, el norte de África comenzó a secarse y comenzó a formarse el desierto del Sahara. Muchos pueblos se desplazaron hacia el sur, a Tanzania. Probablemente trajeron consigo tambores e instrumentos de cuerda, como tipos de liras y arpas. Se ha estimado que la polifonía se formó en esa época en África, más de 1000 años antes de que comenzara a usarse en la música artística europea.
Desde el comienzo de nuestra era, Tanzania se convirtió en parte de un gran sistema comercial que se extendió hasta China, Indonesia y los países árabes. Se supone que el xilófono llegó a África Oriental en esa época desde Indonesia. Entre los años 1000 y 1500 d. C., en grandes centros comerciales como Kilwa, Bagamoyo y Zanzíbar existían grandes casas comerciales hindúes y árabes con una rica vida musical. El Islam comenzó a extenderse a África Oriental y comenzó a formarse una cultura mixta árabe-africana.

Goje

El goje es un tipo de violín de una sola cuerda originario de Ghana y Nigeria. También llamado gonjey o ggonje en Ghana, njarka en Malí y n’ko en las regiones del Sahel. Está hecho un cuenco de calabaza cubierto con piel de serpiente o de lagarto, creando así una membrana similar a la de un banjo. Las cuerdas son de crin de caballo y están suspendidas de un puente. El goje también se toca con arco. También es llamado “violín hausa” y tiene numerosos variantes. Está vinculado tradicionalmente a los rituales preislámicos del Sahel y Sudán. Este instrumento puede imitar las voces humanas y su lenguaje, por ejemplo entre los nómadas tamashek de Níger y los yoruba de Nigeria, asumiendo un papel casi humano en la banda musical.

En Etiopía y Eritrea también se encuentran instrumentos tradicionales similares que se tocan exactamente como el goje y que producen sonidos similares. Estos violines tradicionales provienen de África, de la Edad de Piedra. Antes de que naciera la primera Europa moderna, mucho antes de que se concibieran los famosos fabricantes de violines italianos.

Orutu

El Orutu, un notable instrumento musical del este de África, en particular de la comunidad Luo en el oeste de Kenia, es un símbolo de un rico patrimonio cultural y expresión artística. Este violín de una sola cuerda tiene un sonido y una historia únicos que reflejan las tradiciones y la evolución de la música en la región. Recibe diferentes nombres según cada región.

Se caracteriza por su diseño vertical y su cuerda única. Se toca con un arco similar al de un violín. El instrumento consta de un resonador cilíndrico hecho de madera ahuecada, tradicionalmente cubierto con piel de lagarto monitor en un lado. El otro lado permanece abierto, lo que permite la proyección del sonido. La cuerda se fabricaba originalmente con tendones de animales o fibras de sisal, pero ha evolucionado con el tiempo para utilizar materiales como cables de freno de bicicleta para mejorar la durabilidad y la calidad del sonido. Los músicos tocan el Orutu pasando un arco por la cuerda mientras presionan simultáneamente la cuerda con los dedos para crear diferentes notas. Esta técnica permite una variedad de sonidos que pueden imitar las vocalizaciones humanas, lo que lo convierte en una poderosa herramienta para la narración de historias y la expresión emocional en la música.

Los orígenes del Orutu se remontan a las sociedades precoloniales del este de África, particularmente entre el pueblo Luo de Kenia. Los relatos históricos sugieren que este instrumento se ha utilizado durante siglos, con raíces profundamente arraigadas en las prácticas culturales de la comunidad Luo. Músicos y entusiastas de la cultura están trabajando incansablemente para preservar este instrumento único y sus tradiciones asociadas. Hoy en día, se lo celebra no solo por su importancia histórica sino también por su relevancia contemporánea en la música africana.

El mecanismo de funcionamiento del orutu es relativamente sencillo, pero requiere habilidad y precisión por parte del músico. La estructura del instrumento incluye:

Resonador: El cuerpo hueco de madera sirve como una cámara de sonido que amplifica las vibraciones producidas por la cuerda. Cuerda: una sola cuerda se une a un extremo del resonador y se extiende sobre un puente antes de anclarse en el otro extremo.
Arco: el arco generalmente se fabrica a partir de madera flexible o bambú y se encorda con fibras de sisal u otros materiales que permiten una fricción efectiva contra la cuerda.
Mecanismo de afinación: la tensión de la cuerda se puede ajustar utilizando varios métodos según las técnicas de construcción. Los músicos suelen utilizar sus dedos para modificar el tono mientras tocan.
Al tocar, los músicos pasan el arco por la cuerda mientras aplican presión con los dedos de la mano izquierda para crear diferentes notas. Este método permite estilos de interpretación expresivos que pueden transmitir emociones profundas a través de la música.

Tipos de Orutu

Orutu moderno: Las variaciones contemporáneas pueden incorporar materiales sintéticos o elementos reutilizados como cables de bicicleta para cuerdas, lo que refleja innovaciones modernas al tiempo que conserva la estética tradicional.

Cada tipo cumple funciones similares dentro de los contextos musicales, pero puede diferir en la calidad del sonido o las técnicas de interpretación debido a la elección de materiales o alteraciones del diseño.

Los músicos suelen colaborar con vocalistas y percusionistas para crear paisajes sonoros ricos que resaltan tanto el arte individual como la celebración colectiva.

La importancia del orutu se extiende más allá de su musicalidad; encarna el patrimonio cultural y la identidad dentro de las comunidades del este de África. Como instrumento tradicionalmente asociado con la musicalidad masculina, los esfuerzos recientes de las intérpretes femeninas desafían las normas de género dentro de este panorama musical. Mujeres como Lorna Ochieng han surgido como figuras prominentes que abogan por un renovado interés en los instrumentos tradicionales al tiempo que rompen las barreras relacionadas con los roles de género en la música. Además, a medida que la globalización continúa influyendo en las culturas africanas, existe un creciente reconocimiento de los instrumentos tradicionales como el orutu como componentes vitales de la identidad nacional.

A continuación, varias interpretaciones musicales con los instrumentos de cuerda africanos:

Fuentes: Zeze – A Tanzanian Fiddle – An Empirical Research of the History, Structure,
and Playing of Wagogo’s and Waha’s Zeze
, de Ella Isotalo

Estuches de violín – ¿Cuál elegir?

Usar un buen estuche es esencial a la hora de transportar tu violín de un lugar a otro, viajar o simplemente para guardar tu violín sin que sufra daños. Si tienes dudas acerca de qué tipo de estuche para violín es mejor para ti, hoy vamos a mostrarte algunos tipos de estuches de violín categorizados según su forma, material, compartimentos o diseño.

Tipos de estuches de violín según su forma:

Estuches de violín con forma de silueta de violín

Estuche con forma de violín

Este tipo de estuches de violín actualmente suelen ser realmente ligeros y compactos. Son ideales si buscas algo que te permita andar con facilidad o montar en bici. No obstante, estos estuches quizás dispongan de espacio solamente para un arco y no suelen contar con un compartimento especial para las partituras, en todo caso, puede que incluyan una carpeta o un bolsillo que se adhiera al exterior del estuche con botones.

Estuches de violín rectangulares

Estuche de violín rectangular

Los estuches de violín rectangulares sí que suelen contar con espacio para dos arcos y con varios compartimentos, siendo uno de ellos adecuado para las partituras. En muchos casos también se presentan con varios accesorios, como un tubo para almacenar las cuerdas y un controlador de humedad.

Estuches de violín con forma de media luna

Estuche media luna

Su forma es más estilizada que los estuches rectangulares, pero cuenta con varios compartimentos para almacenar tus accesorios, a diferencia de los estuches con forma de silueta de violín, que solo cuenta con un compartimento pequeño en el interior.

Las medidas de los estuches de violín pueden variar según el tamaño del violín y según el modelo de estuche. En caso de que lo necesites para viajar en avión, es aconsejable que también consultes las medidas y tamaños de estuches permitidos según tu compañía aérea antes de hacer tu elección. Si viajas en autobús o tren con tu violín, considera que un estuche de superficie lisa puede deslizarse por el movimiento o caer desde las zonas designadas para el equipaje. Asegúrate de que esté bien sujeto.

El peso de los estuches de violín puede variar de entre 1,5 kg a 3 kg, dependiendo del material y la forma.

Tipos de estuches según su material

Estuches de violín de madera

Estuche clásico de madera interior terciopelo

Un estuche de madera tradicional es resistente, protector y duradero. Los estuches de violín de madera son sólidos y resistentes a los golpes y a la presión. Tienen un buen control de la humedad y vienen en una variedad de formas y tamaños para diferentes necesidades. Son relativamente económicos, en comparación con los compuestos de alta gama.

Estuches de violín de fibra de carbono o fibra de vidrio

Estuche fibra de carbono

Si estás buscando un estuche más colorido y llamativo, los estuches de fibra de vidrio son maravillosos. El peso y el nivel general de protección son comparables a los estuches de madera. Todos vienen con una cubierta protectora contra rayones que se puede quitar y volver a colocar fácilmente cuando sea necesario. Están disponibles en una increíble variedad de colores.

Estuches para violín de materiales compuestos

Si necesitas un estuche de alta protección para tu instrumento que sea de alta gama, pero también necesitas que el estuche sea liviano, entonces un estuche de materiales compuestos es lo ideal para ti. Los estuches de materiales compuestos son más difíciles y costosos de fabricar que los de madera.

Otros tipos de estuches de violín

Estuches de violín con varios compartimentos

Estuche de violín con compartimentos y bolsillos

Ideales para viajes largos y giras musicales. Todo músico que viaje a menudo necesita tener a mano los accesorios e imprescindibles tales como las partituras, la almohadilla, la resina o incluso un atril. A veces un estuche de violín puede almacenar los zapatos y tu atuendo para los conciertos, por esta razón los estuches de violín con numerosos compartimentos pueden resultar muy prácticos.

Estuches para dos violines

Si usas varios instrumentos a menudo, estos estuches son ideales para ti.

Estuches de violín con diseños especiales

Si estás buscando un estuche de violín que destaque por su diseño y color, puedes optar por los estuches de fibra de vidrio de colores. Algunos de sus diseños son verdaderas obras de arte.

Música con Letra vs Instrumental

Hoy nos hemos centrado en un tema que parece ser el objetivo de muchos estudios sobre los efectos de la música o los sonidos sobre el cerebro humano y sus capacidades. Estamos hablando de la diferencia que hay entre escuchar música con texto lírico en cualquier lengua y escuchar solamente los sonidos de la voz y los instrumentos musicales sin la presencia de palabras comprensibles. Te mostraremos algunos experimentos realizados por varias universidades y veremos cuáles han sido sus conclusiones.

Partiremos de la idea de que cualquier obra de música que contenga un texto lírico puede dividirse en dos partes o tareas creativas, por así decirlo; una es la musical y la otra es la literaria. El autor o autores crean una obra que es categorizada como musical, pero en sí misma también contiene el lenguaje humano. Cuando escuchamos una canción con texto en español, nuestra mente inevitablemente reconoce el texto de la canción. De esta forma, nuestra mente se focaliza en identificar las palabras y entenderlas, prestando un poco menos de atención a la parte melódica de la canción. Sin embargo, son precisamente las estructuras melódica y rítmica de la canción las que ayudan a nuestro cerebro a memorizar el texto de la canción con mayor facilidad.

Antiguamente los juglares eran músicos que también cumplían la función de informadores o noticieros, a falta de otros medios de comunicación. Un juglar recitaba o cantaba las nuevas recorriendo distintas localidades. Para esta labor, normalmente tocaba un laúd (u otro instrumento) y acompañaba las noticias con música. Lo curioso de esto es que las noticias podían ser memorizadas por mucha gente si éstas eran cantadas y de esta forma ser transmitidas a más oyentes por medio de canciones de melodías simples.

Escuchar música al estudiar o leer

Pero, ¿qué ocurre cuando estás intentando estudiar para un examen y acostumbras a poner música durante tus horas de estudio? ¿es beneficioso o más bien te distrae? Veamos uno de los experimentos universitarios realizados con la finalidad de determinar si escuchar música con letra tiene influencia sobre nuestro cerebro mientras estamos estudiando, leyendo o realizando cualquier otra tarea que requiera concentración.

Los estudiantes universitarios de la Facultad de Psicología y Ciencias de la Educación de la Universidad de Porto, completaron tareas de memoria verbal y visual, comprensión lectora y aritmética bajo tres condiciones: silencio, música instrumental y música con letra. Los participantes juzgaron su aprendizaje durante y después de cada condición. La música con letra obstaculizó la memoria verbal, la memoria visual y la comprensión lectora (d ≈ –0,3), mientras que su efecto negativo (d = –0,19) sobre la aritmética no fue creíble. La música instrumental (hip-hop de baja fidelidad) no obstaculizó ni mejoró de manera creíble el rendimiento. Los participantes eran conscientes del impacto perjudicial de la letra. Sin embargo, a veces la música instrumental se percibía como beneficiosa. Los resultados corroboran el efecto de distracción general de la música de fondo.

Escuchamos música, intencionadamente o no, mientras realizamos diferentes actividades. En la mayoría de las tareas, la música es un estímulo extraño, como cuando suena música de fondo mientras leemos, estudiamos o resolvemos problemas matemáticos. Hasta ahora, se han observado tanto los beneficios como los costes de la música de fondo en estas tareas. Sin embargo, la gente parece tener poca idea de los posibles efectos extraños de la música, y a menudo informan que eligen activamente la música como fondo de estudio. Presentamos evidencia adicional de que la música con letra es generalmente perjudicial para el rendimiento cognitivo, mientras que la música instrumental tiene un efecto menor y no creíble. La gente normalmente era consciente del efecto de distracción de las letras, pero tendía a creer que la música instrumental era beneficiosa.

Música de fondo: ¿Por qué hay pruebas contradictorias?

En su análisis, informaron que el efecto de la música de fondo en la cognición era en general nulo porque los resultados positivos y negativos se promediaban entre sí. A pesar de los hallazgos contradictorios sobre el impacto de la música de fondo en el aprendizaje, los estudiantes a menudo informan que escuchan música mientras estudian o realizan trabajos de curso. Esto plantea la cuestión del efecto subjetivo de la música o, en otras palabras, de cómo las personas perciben el impacto de la música en su propia interpretación.

Una encuesta reciente estimó que la gente escucha música el 40% del tiempo mientras lee o escribe y el 20% del tiempo mientras memoriza. En otras encuestas, estos valores eran del 60% mientras estudiaba y del 20% mientras leía. En general, los participantes estaban divididos al evaluar el impacto de la música de fondo como costosa o beneficiosa, pero las personas que estudiaban con música tendían a percibirla como beneficiosa.

Pocos estudios consideraron el impacto subjetivo de la música; pero el hallazgo general es que las personas tienen una metacognición deficiente en este tema. Hallam y Godwin (2015) evaluaron la diferencia de impacto de la música relajante vs. música emocionante (en contraposición al silencio) sobre la calidad de la escritura de cuentos en los niños. La música emocionante era perjudicial para la interpretación, pero este tipo de música se percibía como más agradable y, por tanto, beneficiosa. Anderson y Fuller (2010) evaluaron la comprensión lectora en alumnos de 7º y 8º grado en condición musical y silenciosa. El rendimiento fue menor en la condición musical y este efecto fue mayor para los estudiantes que informaron una preferencia por escuchar música mientras estudiaban. Christopher y Shelton (2017) pidieron a los participantes que juzgaran su desempeño en condiciones musicales y de silencio mientras realizaban tareas de lectura y aritmética. La música de fondo dificultó el desempeño en las tareas, pero los participantes desconocían su efecto perjudicial.

Se formularon las siguientes hipótesis. Primero, dado que la música con letra contiene información del habla, se esperaba que esta condición creara la mayor interferencia en las tareas que involucran procesamiento verbal. Esta predicción se basa en el efecto del habla irrelevante, es decir, el deterioro del rendimiento observado cuando se presenta un habla de fondo irrelevante al mismo tiempo que una tarea de memoria. Nuestra segunda predicción fue que la música instrumental sería menos disruptiva que la música con letra. En la literatura sobre la memoria, también se encontró que los sonidos de fondo alteran el rendimiento. Sin embargo, esta predicción no está exenta de controversia. También se podría predecir que la música instrumental producirá un mejor rendimiento debido a cambios en los estados emocionales, por ejemplo, cuando los participantes se relajan.

Segundo estudio

En un experimento realizado por el profesor de la Universidad Macquarie en Sidney, Australia, William Forde Thompson y su equipo tocaron la sonata para piano de Mozart mientras dos grupos de estudiantes leían un pasaje. Un grupo de estudiantes escuchó una versión lenta de la sonata para piano de Mozart y el otro grupo escuchó una versión rápida de la sonata para piano de Mozart. Forde concluyó que la comprensión de los estudiantes sólo se veía afectada si estaban en el grupo escuchando música rápida. Forde procedió a señalar que piensa: «La razón por la que la música no afecta nuestro pensamiento tanto como debería es porque tiene la capacidad de ponernos de mejor humor, lo que por lo tanto aumenta nuestro coeficiente intelectual».

El efecto de las palabras

He aquí un extracto de una publicación de 1994 sobre la influencia de las palabras en la revista American Behavioral Scientist:

El vínculo entre la excitación fisiológica (un estado de respuesta a la estimulación sensorial) y el contenido de los mensajes de los medios ha sido un tema intenso de investigación durante los últimos 30 años, primero con respecto a su papel subyacente en el comportamiento agresivo y los efectos motivacionales de mensajes altamente excitantes y posteriormente con respecto a sus efectos inmediatos sobre la capacidad de procesamiento de información.

Si bien casi todos estos programas de investigación se centraron en mensajes de los medios inspirados en contenidos de cine y televisión, en los últimos años una nueva línea de investigación se ha centrado exclusivamente en el contenido de radio y el canal de audio, lo que demuestra que los cambios formales en un mensaje de audio puede provocar respuestas de excitación, lo que, a su vez, lleva a la manipulación experimental de la elección de palabras para evocar cambios inmediatos en los niveles de excitación de los oyentes.

Por ejemplo, podemos considerar divertidas las palabras de una simple canción infantil, pero no siempre podemos estar seguros de que la misma canción, escuchada en varias situaciones, no vaya a traer a la mente un mal recuerdo que desencadene una respuesta nerviosa. Todo depende de las experiencias de cada individuo. El estudio es muy específico al explicar que una palabra aislada puede desencadenar un cambio fisiológico, incluso si está dentro de un contexto que no debería provocar un cambio.

Claramente hay varias opiniones diferentes sobre escuchar música mientras se estudia, la conclusión general es un tanto subjetiva, los estudiantes deben hacer lo que les funcione mejor, ya sea estar en silencio, escuchar música clásica o música con letra. En cualquier caso, al estudiar siempre es bueno inventar una melodía y ritmo para texto que estés intentando memorizar; es decir, crear una canción para memorizar el texto, esto siempre funciona.

No obstante, todo texto contiene mensajes que nuestra mente pretenderá decodificar. Por este motivo es esencial elegir bien la música que escuchas, ya sea estudiando o por simple diversión. A menudo la melodía de una canción parece «no encajar» bien con la letra. Quizás la melodía sea alegre pero la letra habla sobre temas negativos, o al revés (esto se llama disonancia lírica). El simple acto de escuchar música activa zonas en nuestro cerebro y éste a la vez manda señales a nuestro cuerpo, de modo que escoger bien la música que escuchamos es tan importante como elegir bien los alimentos que consumimos.

Escalas y arpegios de tres octavas

Una vez que ya domines las escalas y arpegios de dos octavas con fluidez en varias tonalidades, es hora de pasar a las escalas y arpegios de tres octavas. Como ya sabes, las escalas y arpegios son una parte fundamental del calentamiento diario antes de empezar a ensayar las obras de mayor dificultad. Gracias a ellas podrás desarrollar tu mano izquierda de tal forma que los cambios de posición te parecerán moco de pavo.

Una buena opción para comenzar a estudiar las escalas y arpegios de tres octavas es empezar por la tonalidad sol (G) mayor, que cuenta con un sostenido (fa sostenido). La parte más complicada de las escalas y arpegios de tres octavas es el cambio de posición de la mano izquierda cuando toca las tonalidades más agudas. Es importante que uses una digitación adecuada que puedas aprender fácilmente.

Arpegio mayor

Arpegio menor

A la hora de practicar puedes prestar especial atención a la octava superior en la cuerda mi (E). Para ello, practica despacio y procurando que los saltos de posición no sean entrecortados, sobre todo los descendentes. Cuando hayas ganado seguridad, puedes aumentar la velocidad poco a poco. Cambia los grupos de ligaduras en las notas; por ejemplo, comienza tocando una escala con grupos de cuatro corcheas ligadas. Después, aumenta la velocidad tocando ocho semicorcheas en una ligadura y así consecutivamente, hasta que puedas tocar todas las escalas y arpegios en dos arcos; uno hacia arriba y otro hacia abajo.

A medida que te sientas más cómod@ con las escalas, tu base de entonación también se volverá más estable. Cuando practiques escalas y arpegios, tómate también un tiempo para analizar qué puede estar causando problemas en las octavas agudas. ¿Estás arrastrando el pulgar? ¿La posición de tu mano es correcta? ¿Sacas el codo izquierdo lo suficiente? ¿Los intervalos son lo suficientemente limpios? Hacerte estas preguntas te ayudarán a practicar de forma más eficiente.

Si ya puedes tocar la escala de sol de tres octavas con soltura, puedes comenzar con la siguiente tonalidad, la (A) bemol mayor. Repite el mismo procedimiento para aprender los saltos y cambios de posición lentamente.

Pasajes orquestales para audiciones de violín

Si eres violinista y estás pensando en presentarte a las audiciones de alguna orquesta, es muy probable que uno de los requisitos que te pidan para superar la prueba de acceso sea que puedas interpretar varios de los pasajes orquestales más complicados.

Generalmente, el repertorio de violín requerido en las pruebas o audiciones para orquestas suele estar compuesto de una obra de J. S. Bach, la primera parte de un concierto de W. A. Mozart (con cadencia) y una obra de estilo romántico de tu elección, como parte del programa de solista.

Además, cada orquesta suele proponer una serie de pasajes orquestales de dificultad, dependiendo de si te presentas para el puesto de concertino, violín primero o violín segundo. Estos pasajes pueden contener cualquier tipo de dificultad; desde alteraciones, armaduras complicadas, golpes de arco, rítmica intrincada, tempo, silencios, dinámicas o incluso anotaciones específicas del autor. En estos casos es conveniente conocer la obra y estudiar la partitura con suficiente antelación.

Queremos ayudarte a prepararte, por eso aquí tienes una lista de los pasajes y obras orquestales más solicitadas en audiciones de violín para orquestas:

Ludwig van Beethoven:

  • Sinfonía No. 3 «Eroica»
  • Sinfonía No. 5 de Beethoven
  • Sinfonía No. 7
  • Sinfonía No. 9 de Beethoven – II mov

Johannes Brahms:

  • Sinfonía No. 1 Brahms
  • Sinfonía No. 2 Brahms
  • Sinfonía No. 4 Brahms

Pyotr Ilyich Tchaikovsky:

  • Sinfonía No. 4
  • Sinfonía No. 5
  • Sinfonía No. 6 «Patética»
  • Obertura 1812

Wolfgang Amadeus Mozart:

  • Sinfonía No. 35 «Haffner»
  • Sinfonía No. 39 Mozart, 4º movimiento
  • Sinfonía No. 40
  • Sinfonía No. 41 «Júpiter»

Richard Strauss:

  • Don Juan

Till Eulenspiegels lustige Streiche


Ein Heldenleben

Igor Stravinsky:

  • El Pájaro de Fuego (Suite)
  • Petrushka
  • La Consagración de la Primavera

Maurice Ravel:

  • La Valse
  • Daphnis et Chloé (Suite No. 2)

Felix Mendelssohn:


Sueño de una Noche de Verano

Hector Berlioz:


Sinfonía Fantástica

Antonín Dvořák:


Sinfonía No. 8


Sinfonía No. 9 «Del Nuevo Mundo»

Robert Schumann

Sinfonía n. 2 – Scherzo

Richard Wagner

Tristán e Isolda

Nota: Es posible que en algunas pruebas o audiciones exijan pasajes orquestales de obras que no aparecen en esta lista. 

* Las imágenes de las partituras corresponden tan solo a pequeñas partes de pasajes de violín I y violín II, que no necesariamente coinciden con los pasajes requeridos en las audiciones. Sugerimos estudiar la partitura completa.

Estas obras contienen pasajes técnicamente exigentes y musicalmente expresivos que permiten a los evaluadores juzgar la habilidad, musicalidad y precisión del violinista. Incluso si eres estudiante y aún no estés pensando seriamente en presentarte a alguna audición, nunca está de más poder dominar algunos de los pasajes orquestales más complicados.