El enorme violín flotante de Venecia

El escultor italiano Livio de Marchi ha creado un barco en forma de violín gigante que fue puesto a flote el pasado mes de julio. Durante la presentación de la escultura, la violonchelista Tiziana Gasparotto interpretó la Suite n.º 1 de Bach sentada sobre el enorme violín flotante.

Livio Marchi nació en Venecia donde, todavía siendo un niño, trabajó en la tradicional escultura ornamental veneciana en un taller de artesanía. Mientras tanto estudió arte y dibujo en la Accademia di Belle Arti de Venecia. Su actividad comienza allí, mostrando a la vez una asombrosa habilidad para moldear materiales.

Su sensibilidad irónica para moldear el material lo llevó a crear esculturas que guardan la perfección del detalle, así como la espontaneidad y la esencia. Durante su evolución artística trabajó primero en mármol, luego en bronce y finalmente en madera, que siempre ha sido su material favorito.

Esta creación llamada ‘Violín de Noé’, marca la última creación del escultor veneciano conocido por sus obras de arte flotantes en madera, algunas de las cuales incluyen un sombrero de papel, un zapato de tacón alto y un ferrari F50. El proyecto cuenta con el apoyo del Consorcio de Desarrollo de Venecia, que claramente quiere celebrar la conexión histórica de su ciudad con la música.

El Violín de Noé comenzará a surcar oficialmente los canales de Venecia a partir de mañana, día 18 de septiembre. Varios músicos del Conservatorio Benedetto Marcello interpretarán obras de violín de Vivaldi, el compositor más famoso de la ciudad.

¿Cómo sostener el arco? – Ejercicios para la mano derecha

Una de las partes más desafiantes de aprender a tocar el violín es aprender a sostener un arco correctamente, ya que puede parecer muy poco natural para los estudiantes principiantes e intermedios. Aprender a sostener un arco de violín es extremadamente importante, especialmente para aquellos que recién comienzan las lecciones de violín. Con la técnica de arco adecuada, podrás producir los tonos, golpes de arco y dinámicas que desees. La base de una gran técnica de arco es tu agarre. El agarre de arco correcto le dará a tu mano derecha flexibilidad, potencia y control, siempre y cuando elimines la tensión.

Hay dos tipos de agarres de arco que son los más comunes: el agarre de arco franco-belga y el agarre de arco ruso

El arco franco-belga fue enseñado por algunos de los maestros más importantes del siglo XX y eso significa que muchos de los violinistas más destacados de la actualidad tienen esto bow hold: Joshua Bell, Itzhak Perlman, Pinchas Zukerman son solo algunos.

El agarre franco-belga implica un pulgar doblado y flexible, un meñique que está curvado y activo, dos dedos medios envueltos alrededor del palo y el puntero tocando el palo del arco entre las dos articulaciones del medio. Jascha Heifetz y Nathan Milstein utilizaron de forma muy famosa el estilo ruso. Se trata de una mano arqueada que está muy inclinada hacia el dedo índice, con el meñique recto. 

Entonces, ¿cuál es el secreto para obtener el agarre de arco adecuado? Hoy queremos compartir una serie de pasos sobre cómo sostener el arco de violín tomando ejemplo de la escuela franco-belga. 

PASO 1: Haz una forma redonda con tus dedos Haz una forma de C con tus dedos corazón, anular y pulgar y haz una forma redonda con la punta del pulgar contra el medio y el anular. 

PASO 2: Dobla el dedo índice y el meñique y levántalos ligeramente. Relaja tu mano. 

PASO 3: Coloca tu pulgar (¡recuerda mantenerlo curvado!) Entre el palo y las cerdas del arco, junto a donde termina el talón.

PASO 4: Relaja tu dedo corazón y anular. Deja que el dedo corazón y el anular caigan en su lugar. Tu dedo corazón debe estar opuesto a tu pulgar, el dedo anular al lado.

PASO 5: Coloca tu dedo meñique ligeramente alejado del dedo anular y manténlo curvado.

PASO 6: Por último, pero no menos importante, relaja el dedo índice y déjelo reposar sobre la vara, ligeramente curvado hacia los otros dedos. Por lo general, el dedo índice se coloca en la parte de cuero o con alambre del palo, para mantener tu agarre mientras tocas. Ahora todos tus dedos deberían estar en su lugar. Tu mano debe sentirse relajada y suave, y ligeramente inclinada hacia la punta del arco. ¡Bien hecho! Ahora, todo lo que queda por hacer es practicar.

Para comprobar si tienes el agarre correcto y lo suficientemente relajado, presiona hacia abajo con la punta del meñique. ¿El arco sube? ¿Todavía está en tu mano? Si ese es el caso: ¡lo tienes! 

Relajar la palma y la muñeca

¿Has dominado tu agarre pero te sigue doliendo la mano después de la práctica? Ten cuidado con la palma y la muñeca: no deben sentirse rígidas o forzadas mientras tocas. Mantenlos suaves y relajados, como tus dedos.

Mantener la sujeción correcta del arco de violín

¿Tienes problemas para mantener el arco mientras tocas? ¡No te estreses! Está bien que tu mano se adapte naturalmente a la forma de tu arco. Generalmente, durante los arcos hacia abajo, los dedos estarán curvados, mientras que durante los arcos hacia arriba estarán ligeramente alargados.

Ruidos chirriantes

¿Tu arco se mueve sobre las cuerdas, causando ruidos rasposos? La clave para eliminar esos ruidos es mantener el arco perfectamente recto sobre la cuerda. Asegúrate de que el arco esté en contacto con la cuerda en el punto de contacto exactamente entre el puente y el diapasón.

Ten en cuenta que tu dedo meñique es la clave para controlar el arco: Manten el meñique curvado y tu arco permanecerá en el lugar correcto. Idealmente, el arco debe dibujar una recta, pero debido al arco del puente y la altura variable de la cuerda, para crear un tono hermoso, el arco debe dibujar un patrón de figura de 8 muy delgado. Esto se hace empujando el arco ligeramente hacia tí en el arco hacia arriba y tirando del arco un poco hacia afuera en un arco hacia abajo. Una vez que tengas una muy buena sujeción del arco y puedas comprender los elementos importantes para producir un buen tono, podrás comenzar a aprender diferentes técnicas y golpes de arco.

Ejercicios de sujeción de arco de Itzhak Perlman

 Más ejercicios de sujeción del arco

Coloca tu mano sobre el arco en la posición correcta del arco. Revisa tus dedos. ¿Tu meñique está curvado? ¿Tu mano ligeramente inclinada? ¿Tu mano está relajada? 

Coloca tu mano sobre el arco en la posición correcta del arco. Ahora presiona lentamente hacia abajo con el meñique y siente que el arco se mueve hacia arriba en un ángulo de 90 grados. Luego, vuelve a bajar lentamente el arco liberando la tensión de tu meñique. ¿Puedes sentir la tensión en tu pulgar cuando el arco se mueve hacia abajo? Repite este ejercicio un par de veces. ¡Recuerda mantener la muñeca quieta! Deja que los dedos hagan el trabajo. No te preocupes si la sujeción del arco sigue sintiéndose poco natural durante un tiempo. 

Ahora arrastra la mano hacia la punta del arco y vuelve a bajar sin perder la sujeción del arco. ¡Este es un desafío!

Practicar ejercicios con un lápiz

Coloca el lápiz entre el pulgar y el dedo medio, todos los demás dedos descansan naturalmente sobre el lápiz, tocando el lápiz solo en los puntos de contacto acordados.

Siempre revisa el pulgar y el meñique; deben ser redondos y relajados.

Además, existen accesorios especiales que pueden ayudar a violinistas principiantes a lograr una sujeción correcta del arco.

¿Cómo escoger un arco de violín?

 

A la hora de escoger un arco de violín adecuado debemos tener en cuenta varios factores tales como el material, su peso, sus proporciones, etc. Algunos violinistas profesionales incluso cuentan con varios arcos diferentes que usan según el tipo de obra que estén interpretando. A veces necesitan un arco ligero que les ayude a saltar y rebotar con facilidad en las obras de mayor agilidad técnica, mientras que otras veces optan por un arco más pesado, en adagios y obras que requieran un sonido amplio y sin temblores. Hoy queremos darte algunas ideas que quizás te ayuden a tomar una buena decisión a la hora de comprar un arco de violín.

¿De qué están hechos los arcos?

Arcos de violín de madera de Pernambuco

La madera de Pernambuco se considera tradicionalmente como la madera de mejor calidad del mundo para la fabricación de arcos. Para los mejores arcos de Pernambuco, se utiliza el duramen del árbol de Pernambuco. El duramen es la madera más cercana a la médula de un tallo o rama, de color diferente al de la albura. Esta madera forma la columna vertebral del árbol y es muy fuerte y duradera.

Hay arcos de Pernambuco baratos en el mercado que están hechos de la albura más barata del árbol, que no se parece a la calidad del duramen. También hay árboles de Pernambuco que no se cosechan en la región original de Pernambuco, sino en regiones de China, que se dice que tienen madera de menor calidad. Aunque el sonido de este tipo de arco es muy hermoso, muchos violinistas ya no quieren comprar arcos de Pernambuco por consideraciones éticas, prácticas y económicas.

El árbol de Pernambuco es ahora un árbol en peligro de extinción y está prohibido cortarlo. La mayor parte de la madera de Pernambuco en el mercado hoy en día se cosecha ilegalmente y pone en peligro no solo plantas y árboles, sino también especies animales en la selva tropical. También se considera poco práctico tener un arco de Pernumbuco, especialmente si deseas viajar con tu arco durante las vacaciones. Como la importación de especies en peligro de extinción está restringida, es posible que no puedas llevar tu arco contigo, o peor aún, puede que tengas que dejarlo en otro país en tu vuelo de regreso. Si más violinistas usaran arcos hechos de materiales sintéticos y maderas alternativas, habría menos presión sobre la madera de Pernambuco. Por eso, hoy en día, muchos violinistas apuestan por arcos de calidad hechos de otros materiales.

Otra razón por la que la madera de Pernumbuco se está volviendo cada vez menos popular es la relación calidad-precio. Desde que el árbol de Pernumbuco se puso en peligro, los precios de la madera han subido enormemente. Es por eso que incluso los arcos de baja calidad tienen un precio elevado. Especialmente en el rango de precios más bajo, los de madera de Pernumbuco o incluso otros arcos de madera hechos a mano no se comparan con los arcos de fibra de carbono. Si decides optar por un arco de madera de Pernambuco, asegúrate de que sea un arco original, de segunda mano, creado antes de las restricciones ambientales. La madera de Pernambuco recién cosechada es controvertida y agrava los problemas de deforestación. Normalmente puedes encontrar este tipo de arco en las tiendas de fabricantes de violines que compran, retocan y revenden instrumentos antiguos. También puedes encontrarlos de segunda mano y seminuevos.

Ventajas de los arcos de Pernambuco

Los arcos de Pernambuco de la más alta calidad son considerados los mejores arcos del mundo. Arco único hecho a mano – Puede ser una inversión financiera, especialmente si la calidad es muy alta y / o el fabricante es reconocido.

Contras de los arcos de Pernambuco

Es arriesgado viajar con este arco ya que la importación de materiales en peligro de extinción está restringida; es posible que tengas problemas para viajar de regreso a tu país de origen con un arco de Pernambuco. Frágil en comparación con los arcos de fibra de carbono. La relación calidad-precio no es óptima, ya que el material es escaso. Los precios pueden subir muy alto incluso para arcos de menor calidad. Fácil de comprar: hay muchos arcos de Pernambuco de baja calidad en el mercado. Solo un experto puede distinguir los arcos de Pernambuco de alta calidad de los de baja calidad.

Cosechado de forma insostenibleAl comprar un arco nuevo en el que se utilizan materiales de pernambuco, lo más probable es que contribuya a una mayor deforestación de la selva tropical.

Arcos de madera de Brasil 

Los arcos hechos de palo de Brasil tienen casi tanta resistencia y fuerza como los arcos de Pernambuco, pero son más asequibles. Hay una diferencia de precio porque la madera es muy similar, pero no tan fina, como el Pernambuco. Hay algunos arcos de madera de Brasil de baja calidad en el mercado, pero normalmente se pueden ver fácilmente ya que tienen precios irrazonablemente bajos.

 ¿Qué materiales de arco son mejores? 

Ventajas de la madera de Brasil – Madera sostenible que se puede importar a cualquier país. Puede obtener una excelente calidad hecha a mano, especialmente en rangos de precios más altos.

Contras de la madera de Brasil – Frágil en comparación con los arcos de fibra de carbono. La relación calidad-precio de los arcos por debajo de los 1000 dólares suele ser peor que la de los arcos de fibra de carbono.

Arcos de violín de madera de serpiente

La madera de serpiente real es muy pesada y rígida, la madera es incluso más densa que el pernambuco. Los violinistas barrocos a menudo prefieren la madera de serpiente, ya que el sonido de los arcos en las cuerdas se considera más suave y sutil. Algunos violinistas experimentan que los arcos de madera de serpiente son un poco menos elásticos que los arcos de pernambuco. Sin embargo, un arco hecho de madera de serpiente de alta calidad puede ser de mejor calidad que un arco de pernambuco de baja calidad. Esto solo se puede probar con prueba y error.

Ventajas de la madera de serpiente

Un sonido más suave puede ser excelente para violinistas barrocos. Arco de madera sostenible que se puede importar a cualquier país. Puede obtener una gran calidad hecha a mano, especialmente en un rango de precios más alto.

Contras de la madera de serpiente

Frágil en comparación con los arcos de fibra de carbono. La relación calidad-precio de los arcos por debajo de los 1000 dólares suele ser peor que la de los arcos de fibra de carbono.

Otros tipos de arcos de madera

Desde que el árbol de Pernambuco se convirtió en una especie en peligro de extinción, los fabricantes de violines de todo el mundo experimentaron con muchos tipos de madera. Aunque la madera de serpiente y el palo de Brasil son actualmente algunas de las maderas más comunes utilizadas para arcos de violín, existen arcos de violín hechos de todos los tipos de madera disponibles.

Arcos de violín híbridos

Los arcos híbridos están hechos con un núcleo de fibra de carbono fuerte que se envuelve con una piel de madera. Parece un arco de madera, pero se considera más fuerte debido al núcleo de fibra de carbono. Los arcos de violín híbridos suelen tener un sonido ligeramente más cálido que los arcos de fibra de carbono.

Ventajas de los arcos híbridos

Más fuerte que un arco de madera habitual debido al núcleo de carbono. Puede tener un sonido cálido en comparación con los arcos de fibra de carbono habituales.

Contras de los arcos híbridos

Si el envoltorio está hecho con Pernambuco, se aplican los contras del uso de la madera de Pernambuco, como la deforestación de la selva y problemas para viajar con el violín. Es más difícil de producir que un arco de fibra de carbono normal, lo que en muchos casos hace que la relación calidad-precio baje. Los materiales del arco de violín no son el único factor. Aunque el material del arco es uno de los factores que decide cómo sonará un arco, al final lo más importante es cómo se siente y cómo suena. Es por eso que probar diferentes arcos en tu instrumento es la mejor manera de descubrir qué arco funciona mejor para tí.

La elasticidad

Los arcos flexibles no se agrietan fácilmente. ¿Con qué facilidad rebota el arco para golpes de arco como el spiccato? Cuando se usa un buen arco, no tienes que esforzarte mucho en hacer rebotar el arco.

Pesadez en la punta

La punta no debe sentirse ni muy pesada ni muy ligera. El punto de equilibrio del arco. No debe estar demasiado lejos del talón. A modo de comparación, el punto de equilibrio de mi arco está a 25 cm del extremo del palo. Algunos de estos factores son muy difíciles de sentir como violinista principiante. En esta etapa, la mayoría de los violinistas aún no están seguros de qué tan pesado se siente un arco. Alternativamente, puede valer la pena pedirle a tu local que te ayude a encontrar un buen arco de violín. 

Arcos de fibra de vidrio

Los arcos de fibra de vidrio son arcos sólidos que no se rompen fácilmente. Sin embargo, puede ser difícil conseguir un tono bonito con este tipo de arco. Debido a la división desigual del peso, puede ser muy difícil dibujar golpes de arco completos que suenen suaves o hacer cambios de cuerda. En la mayoría de los arcos de fibra de vidrio, las técnicas más avanzadas en las que el arco rebota naturalmente, como el spiccato, el rebote o el salteado, son muy difíciles o incluso absolutamente imposibles de realizar correctamente. En el último caso, no pagues demasiado por este tipo de arco. Puedes conseguir uno fácilmente por unos 40 USD. Puedes encontrarlos de segunda mano incluso más baratos, ya que muchos violinistas principiantes que pasan a un nivel intermedio venden su antiguo arco de fibra de vidrio.

Ventajas de los arcos de fibra de vidrio

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Contras de los arcos de fibra de vidrio

Falta calidad de tono. Difícil de dibujar un trazo de arco suave y recto. No se puede utilizar para técnicas de arco intermedias y avanzadas.

Arcos de violín de fibra de carbono

La fibra de carbono unida con resina de polímero plástico es extremadamente fuerte, duradera y flexible. Los arcos de fibra de carbono no han existido durante tanto tiempo como los de madera, pero están ganando popularidad rápidamente entre los violinistas aficionados y profesionales. Una de las razones de esto es que puede sacar más provecho de su inversión al elegir un arco de fibra de carbono. En comparación, los arcos de fibra de carbono son menos costosos que los de madera de la misma calidad. Los arcos de fibra de carbono son la mejor opción para ti si vives en un clima extremo y aún quieres usar un arco de calidad. Los arcos de madera son susceptibles a los cambios de humedad y calor, mientras que los arcos de fibra de carbono pueden soportar cualquier clima extremo.

La mejor manera de describir el mejor arco para cualquier violinista es simplemente esta: cuando estás tocando, no tienes que pensar en ello. Un buen arco debe convertirse en una extensión de tu mano derecha. Debería fluir contigo mientras tocas con poco esfuerzo.

Peso y equilibrio

El peso promedio de un arco de violín es de aproximadamente 60 gramos (un arco de viola es de 70 gramos; un arco de violonchelo, 80 gramos). Pero recuerda, esto es solo un promedio. Muchos arcos de los grandes fabricantes del pasado pesan tan solo 54 gramos. Por otro lado, un arco de violín de 66 o 68 gramos sería demasiado pesado para casi cualquier persona. El equilibrio adecuado es mucho más importante que el peso. Si un arco se siente bien en tu mano, probablemente sea correcto. Un arco debe sentirse natural en la mano, bien equilibrado desde la punta hasta el talón con el mismo peso en todas partes.

¿Redondo u octagonal?

Los grandes maestros franceses rara vez hacían arcos octogonales. Incluso hoy en día, la mayoría de los mejores fabricantes producen predominantemente arcos redondos. Con dos arcos hechos de la misma madera, el eje octogonal será más rígido. Algunos arcos octogonales son bastante rígidos, creando un tono duro, unidimensional, sin matices. Algunos de los productores alemanes de arcos comerciales hacen una versión redonda y octogonal del mismo arco, siendo el octogonal un poco más caro. 

Entonces, ¿cómo deberías buscar el mejor arco? El primer paso es establecer un presupuesto, pero espera ver arcos que sean un poco más caros. Si no sabes mucho sobre arcos, sugerimos que pruebes muchos arcos para informarte sobre lo que está disponible. Cuando vayas a una tienda, asegúrate de llevar tu propio violín y arco actual como referencia. Cada arco funcionará de manera diferente en diferentes instrumentos, así que recuerda que estás buscando un arco que complemente a tu violín. Normalmente se muestran seis arcos a la vez. Una vez que hayas elegido uno o dos de ese lote, pide ver algunos más. Toca el mismo pasaje muy breve con cada arco, uno tras otro. Hay muchas posibilidades de que uno o dos se destaquen. Las primeras impresiones son muy importantes. El arco no debe parecer demasiado ligero o pesado en la mano. No debe ser demasiado débil o suave: no debe colapsarse fácilmente sobre las cerdas al tocar, ni flexionarse demasiado lateralmente. Y debe estar recto cuando se mira hacia abajo. Toca una combinación de estilos y golpes de arco, incluidos legato, spiccato, sautillé, etc.

Toca un pasaje cerca del talón, en el centro y cerca de la punta. Deberías poder tocar cómodamente con todas las partes del arco. Tocando lentamente, escucha el sonido que produce cada arco y siente cómo se maneja. Notarás diferencias sutiles en la claridad, la plenitud del sonido, el ruido de la superficie, etc. ¿El arco realza o resta valor a tu instrumento? Una vez que hayas elegido los dos o tres arcos que prefieres, pide probarlos durante una semana. Pruébalos más extensamente en casa o con tu orquesta, y muéstralos a tu maestro para que los comente. 

El violín húngaro

El violín húngaro es conocido en todo el mundo por su pasión, romance y virtuosismo. Existe una relación bastante clara entre la música folclórica húngara, la música romaní y la tradición de la música clásica, que, combinada con el repertorio de verbunkos, formaron el estilo hongrois. Aunque varios compositores se acercaron al estilo hongrois de la tradición clásica, es importante explorar otros estilos musicales relevantes, ya que los compositores a menudo se inspiran en una variedad de fuentes exóticas y modismos. Una conciencia de la interconexión entre estilos musicales, así como una comprensión de sus prácticas de desempeño, ayuda a dar forma a una históricamente auténtica interpretación de las obras de estilo hongrois.

Fueron muchos los compositores (húngaros o no) quienes quisieron hacer un estudio de este folclore que tanto interés despertaba en toda Europa. Béla Bartók o Franz Liszt realizaron varias recopilaciones de obras folclóricas de Hungría. Estas dos figuras tan diferentes revelan no solo nuevas perspectivas, sino también un rico paisaje cultural e ideológico con profundas implicaciones para la forma en que los músicos y críticos de Hungría veían su identidad.

Músicos húngaros romaníes y no romaníes llevaron el “estilo húngaro-gitano” por todo el mundo, en cafés, teatros y salas de conciertos. La potente imagen del gitano “oriental” contrastaba marcadamente con la del músico clásico europeo; el estilo húngaro-gitano fue la primera opción natural como un significante musical del húngaro, sin embargo, era un estilo popular.

Los músicos húngaros pasaron décadas tratando de asimilar el significado de este estilo y tratando de determinar cómo podría usarse en la sala de conciertos. Los escritos de música folclórica de Bartók, Kodály y sus colegas emergen así como una respuesta modernista a lo que vieron no solo como falso sino también como un retroceso romántico. En este contexto, está más claro que nunca cómo encaja su uso de la música folclórica antigua entre los músicos modernistas de su época.

Por otra parte está Johannes Brahms, quien también quiso tomar este folclore para crear sus famosas Danzas Húngaras. La mayor inspiración de Brahms para componer estas piezas llegó años antes en forma de un encuentro casual con el violinista húngaro Ede Reményi. Unos años después de ver tocar a Reményi por primera vez, Brahms, que entonces tenía 20 años, se convirtió en su pianista acompañante, uniéndose a Reményi de gira mientras aprende sobre su herencia musical nativa.

Apoyado por su auténtica experiencia de la música folclórica húngara, Brahms finalmente puso la pluma sobre el papel e intentó componer en este estilo. De los 21 bailes, se dice que solo los números 11, 14 y 16 son composiciones completamente originales de la obra de Brahms, pero el resultado sigue siendo uno de sus trabajos más populares y representados con frecuencia. Dentro de sus Danzas húngaras, Brahms capturó la energía cantarina y jubilosa de las csárdás y verbunkos, danzas folclóricas tradicionales húngaras caracterizadas por tempos dramáticamente variables, ritmos animados y pasajes virtuosos giratorios.

Las Danzas Húngaras

La música folclórica de Hungría es una de las expresiones de identidad nacional más importantes del país. La ubicación geográfica de Hungría, junto con un patrimonio cultural que tiene influencias desde Asia central hasta Europa occidental, ha apoyado durante mucho tiempo tradiciones musicales diversas y vivas. La documentación y el análisis académico de la música folclórica húngara se inició a finales del siglo XIX y obtuvo resultados espectaculares. No solo establecieron métodos científicos para recopilar e interpretar las tradiciones musicales populares de Hungría; también compusieron y difundieron canciones populares. Su objetivo, como escribió Kodály en 1906, era reconocer “la capa básica de nuestra música folclórica, la roca sobre la que se puede construir una cultura”.

Hoy en día, el repertorio de canciones populares grabadas asciende a unas 300.000. En las últimas décadas, ha surgido un gran interés por la música folclórica. La proliferación de casas de baile (táncházak) en las zonas urbanas está contribuyendo a garantizar la supervivencia de las melodías tradicionales y a mantener la vitalidad de la danza y la música folclóricas. 

Hay cinco tipos básicos de danza tradicional que se encuentran en toda la Cuenca de los Cárpatos: danzas redondas (karikázó); bailes de salto (ugrós); danzas de hombres (legényes); bailes de parejas lentos y rápidos (csárdás); y bailes de palos (botoló), que son vestigios de bailes de armas.

Cada uno de estos cinco tipos básicos de danza varía, dependiendo de su región geográfica. Por ejemplo, las danzas que se encuentran en las regiones de los ríos Danubio y Tisza tienden a ser más sencillas y alegres que las danzas más complejas de Transilvania (Rumanía). Los bailes en solitario y en pareja son típicamente de forma libre, lo que significa que hay innumerables posibilidades para la improvisación individual. Esta característica distingue la cultura de la danza húngara de la de Europa occidental y los Balcanes, y explica su inmensa riqueza. 

Es bastante curiosa la forma en que la música, más allá de ser un instrumento para definir un sentimiento de pertenencia nacional o étnica, logra unir en vez de separar, a largo plazo. Pues, después de todo, la música es una especie de lenguaje universal que, a través de su legado, puede enriquecernos y darnos una idea más general de cada cultura.

Referencias:

  • Hungarian Elements in Selected Piano Compositions of Liszt, Dohnanyi, Bartok, and Kodaly – Helga Scheibert
  • The Hungarian Rhapsodies and the 15 Hungarian Peasant Songs: Historical and ideological parallels between Liszt and Bartók – David B. Hill

Lara Sansón – El talento andalúz

La violinista Lara Sansón, de Cádiz, nos deleita con su espectacular actuación en el programa de televisión Tierra de Talento, de Canal Sur. Ella ha sabido mostrar al público y al jurado la gran versatilidad que ofrece el violín interpretando obras musicales de muy diferentes estilos.

Lara comenzó sus estudios musicales a la edad de 9 años y, desde entonces, ha viajado y actuado por todo el mundo. Tanto como solista como en grupos de música de cámara y orquestas, Lara ha participado en festivales musicales en Francia, Italia, España, Eslovaquia y EEUU. 

Actualmente, Lara es Concertino en la Orquesta Bética de Cámara (Sevilla), labor que desempeña en conjunto con su puesto de primer violín en la Orquesta Sinfónica Pop del Soho, de Antonio Banderas (Málaga).

Ya estamos impacientes por ver las siguientes actuaciones de Lara y saber qué nos tiene preparado. El próximo sábado día 17 de julio a las 22:00 h. (CEST) se emitirá la edición final del programa Tierra de Talento.

¿Prefería Mozart las tonalidades mayores?

El famoso compositor Wolfgang Amadeus Mozart ha sido objeto de numerosos estudios por diversas razones. No es sencillo determinar qué es exactamente lo que hace que su música sea tan excepcional ya que posiblemente esto debiera a un conjunto de factores. Si consideramos que fue un niño prodigio y estuvo centrado en la música durante la mayor parte de su vida, podríamos llegar a imaginar que Mozart poseía conocimientos musicales que superaron a los de sus contemporáneos.

Ya desde temprana edad y debido a sus numerosos logros, Mozart era conocido en toda Europa por su enorme talento. Gracias a su fama el compositor tuvo muchos encargos y sus obras pudieron ser conservadas e interpretadas hasta la actualidad. Puede que incluso existieran más compositores de similar talento y durante la misma época pero sus obras no han sido tan bien conservadas como las de Mozart. Aún así, expertos afirman que no ha vuelto a nacer un compositor que se pueda comparar con Mozart. Sus obras parecen rozar la perfección musical y a pesar de no presentar gran dificultad a primera vista, no son nada fáciles de interpretar.

A cualquier músico profesional podría resultarle obvio el hecho de que la mayoría de las obras de Mozart estén escritas en tonalidades mayores, quizás algo tan obvio que no merece interés. (En los modos tonales occidentales las escalas mayores evocan un sentimiento de alegría y las menores, de tristeza). De las cerca de mil obras de Mozart que podemos encontrar (tanto completas como sin acabar), tan solo unas setenta de ellas están escritas en tonalidades menores. Los motivos de esta elección no son claros. Podría deberse a las tendencias musicales de la época, encargos específicos o a los propios gustos del autor, muy influenciados por su padre, Leopold Mozart y más tarde por el compositor Joseph Haydn (ambos también usaban mucho las escalas mayores).

El hecho que ha despertado nuestro interés es la relativamente nueva corriente que habla sobre los efectos positivos que puede causar la simple audición de la música de Mozart. El así llamado “Efecto Mozart” es el resultado obtenido al escuchar la música que, al parecer, es beneficioso para la salud. Son muchos los que han hablado acerca de estos efectos durante las últimas décadas pero también son bastantes quienes se oponen a esta teoría.

Nuestra intención hoy no es cuestionar los efectos que pudiera provocar la música de Mozart en nuestra salud o en nuestras habilidades cognitivas. Pero, de existir un Efecto Mozart, ¿acaso podría éste deberse al uso predominante de las tonalidades mayores por parte del compositor? Sin duda el uso de las tonalidades mayores es algo muy característico de Mozart.

Independiéntemente de los resultados que pudieran producirse al escuchar las obras de Mozart, lo cierto es que muchos disfrutamos oyéndolas. Y tal vez al disfrutar de una música en tonalidades mayores (música alegre o positiva) pudiera ayudarnos a lograr un estado de tranquilidad y serenidad que no se podría conseguir al escuchar música death metal, por ejemplo. Por supuesto, tal afirmación es bastante subjetiva puesto que una obra escrita en tonalidad menor no necesariamente debe causarnos tristeza, y viceversa.

En un artículo de la revista Financial Times escrito por Harry Eyres se hace mención de esta concreta tendencia del uso que hizo Mozart de escalas mayores. Según Alfred Brendel, “Hay obras que son pocas en número pero excepcionales en intensidad expresiva: son las obras en tonalidad menor, especialmente las que comienzan y terminan en menor. Es un misterio por qué hay tan pocas obras en tonalidades menores”.

Quizás las escalas mayores representen un mayor desafío para los compositores. Pues hacer brotar emociones con tonalidades mayores parece una tarea compleja. En cambio, hay algo realmente atractivo para el oído humano en las tonalidades menores (y algunos otros modos tonales antiguos).

Para finalizar, te dejamos con un vídeo de la La Sinfonía n.º 40, K. 550 que, aunque esté escrita en en sol menor, da la sensación de efecto alegre.

Golpes de arco

Al tocar el violín, existe una amplia variedad de técnicas o golpes de arco que puedes utilizar para agregar efectos a tu interpretación. Los golpes de arco llamativos como spiccato, staccato y ricochet atraen mucha atención, ya que permiten al violinista hacer rebotar el arco, disparar un aluvión de notas rápidas en la misma dirección y mucho más.

Hoy vamos a enumerar los principales golpes de arco e intentaremos darte una explicación teórica de cada uno de ellos, además de un vídeo tutorial de cada ejercicio, ¡no puedes perdértelos!

1. Legato: arcos suaves y conectados. Las notas de legato a menudo se arrastran; es decir, un grupo de notas se toca juntas en un arco hacia abajo o hacia arriba. En la música, un legato o ligadura parece una línea curva sobre las notas que están todas en un arco. 

2. Détaché: Tocamos una nota en cada arco. Los trazos de arco son amplios pero separados. En la música, las notas simplemente no se arrastran ni se acentúan, los cambios de arcos son suaves.

3. Martelé: notas separadas y fuertemente acentuadas. A menudo usarás golpes de arco grandes y muy rápidos para martelé. A veces se marcan en la música con una línea o un acento sobre la nota, pero no siempre. 

4. Staccato: Es como tocar martelé pero en un mismo arco, deteniendo el arco para cada nota (el arco permanece en la cuerda). Notas breves e independientes con acentos. Staccato se indica en la música con puntos sobre las notas, así como un arrastre sobre el grupo de notas que estarán en un arco. 

5. Spiccato: notas separadas tocadas con un arco que rebota (el arco se desprende de la cuerda). Generalmente, spiccato se usa en pasajes más rápidos que staccato, pero no siempre. Para ejecutar este golpe necesitas tener un hombro relajado, una muñeca flexible, un arco en el punto de rebote y un punto de contacto cerca de la mitad del arco. El arco rebota para cada nota. Esto se indica en la partitura de la misma manera que en staccato (puntos sobre las notas y un arrastre sobre el grupo de notas), pero puedes por el contexto. 

6. Sautillé: golpes separados, muy rápidos y rebotados en el medio del arco. Esto se marca de la misma manera que spiccato y se elige en el contexto de la música. 

7. Ricochet: hacer rebotar varias notas seguidas con un golpe de arco. La mayoría de las veces deja caer la punta y luego sigue rebotando, moviéndola hacia abajo o hacia arriba. Puedes aprender a controlar la velocidad a la que rebota el arco y la cantidad de veces que rebota midiendo la altura desde la que lo dejas caer y controlando cuándo se detiene el rebote. Generalmente se suelen tocar tres o cuatro notas por arco.

8. Sul ponticello: En la interpretación normal del violín, el arco se coloca a medio camino entre el puente y el diapasón. Cuando un pasaje está marcado como sul ponticello, el arco se mueve más cerca del puente o, a veces, incluso justo encima del puente. Esto cambia la forma en que el arco hace vibrar la cuerda. Entonces, en lugar de obtener un tono completo, salen los armónicos más altos. El tono resultante es áspero con un elemento metálico. Los violinistas pueden controlar qué armónicos pasan al frente del sonido alterando la presión del arco sobre la cuerda.

9. Sul tasto: Al tocar sul tasto, el arco se mueve en la dirección opuesta a sul ponticello para que quede sobre el extremo del diapasón. Esto crea un sonido más suave y etéreo que se puede utilizar para secciones delicadas de música. Esta ubicación del arco elimina algunos de los armónicos altos para enfatizar los armónicos bajos.

10. Col legno: Col legno, que se traduce como “con la madera”, pide que el arco se dé la vuelta para que la madera del arco (no las cerdas) entre en contacto con las cuerdas. Si el compositor pide notas largas con la madera del arco, se llama tratto. Si se deseas un sonido más percusivo, deberás golpear la cuerda con el arco, movimiento también conocido como battuto.

Escalas y arpegios

 

Para realizar el calentamiento con el violín, es bueno practicar escalas y arpegios todos los días. Las escalas son una excelente manera de incorporar conceptos más avanzados como cambios de posición, acentos, dinámicas y ritmos complicados. Comprender los componentes básicos de las escalas puede hacer que tocarlas te resulte mucho más fácil.

Las escalas son patrones básicos de notas, ordenados por tono, con mayor frecuencia en orden ascendente y luego descendente. Cada escala mayor o menor cubre todas las notas de la clave en la que se toca; una escala cromática contiene cada semitono dentro de un intervalo de octava. Hay escalas de doble parada en tercios, sextas y octavas, arpegios, escalas pentatónicas, escalas en armónicos, escalas de tres, incluso cuatro octavas.

Cada pieza musical compuesta entre los períodos barroco y romántico; eso es un repertorio de trescientos años; se compone de patrones de escala y arpegio. Pero las escalas no son música. A menos que estés haciendo un examen, nunca se esperará que las toques en público. ¿Quién quiere ir a un recital de escalas, después de todo? 

El famoso virtuoso del violín y maestro Yehudi Menuhin, quien hizo su primera aparición pública con solo 7 años, explica en su autobiografía, Unfinished Journey, que de niño consideraba que aprender un método impuesto de escalas, arpegios y teoría era una pérdida de tiempo. Menuhin describe el viaje que emprendió cuando, a medida que crecía, decidido a mantener su alto nivel de rendimiento y también a convertirse en un gran maestro, comenzó a darse cuenta de que se había saltado lo básico. No tenía idea de cómo hizo lo que hizo.

Para comprender completamente la forma en que se movían sus dedos, Menuhin decidió retroceder, incluso a riesgo de perder la habilidad que había adquirido, y aprendió todas las escalas a todas las velocidades. Aprendió la anatomía de los músculos de su espalda; estudió yoga; buscó el consejo de profesores de violín, bailarines e incluso gimnastas para comprender cómo funcionaba su cuerpo cuando tocaba el violín. La práctica de la escala es crucial para la técnica del violín y, como muestran las exploraciones detalladas de Menuhin, no tiene por qué ser algo aburrido.

La práctica de la escala es repetitiva por naturaleza

Los neurólogos han descubierto que cuando se crea una nueva vía neural, lo que sucede cada vez que haces algo nuevo, por ejemplo, cuando tocas la escala D mayor por primera vez, las fibras aislantes crecen alrededor de esa vía neural. Cuando la vía se usa repetidamente, la capa aislante aumenta, incrustando la acción en su memoria a largo plazo. Se necesitan entre 30 y 50 repeticiones perfectas de una acción para incrustarla en su sistema nervioso, donde se convierte en un hábito o habilidad. Cuando estamos comprometidos emocionalmente con el aprendizaje, este proceso es mucho más efectivo.

La práctica de escalas te da la oportunidad de adquirir una técnica de mano izquierda realmente firme. Desarrolla fuerza, independencia y destreza en los dedos de la mano izquierda. Mejora la coordinación de la mano izquierda y la mano del arco. El control táctil y la sensibilidad de los dedos de la mano izquierda se pueden desarrollar dentro de un patrón de práctica familiar para evitar presionar en exceso, al igual que puedes asegurar el conocimiento del diapasón y la entonación perfecta, una mano izquierda rítmica, cambios prolijos y cambios con toda la mano.

El dominio de las escalas permite que los dedos aprendan el espaciado correcto en cada posición del violín. La práctica de la escala también se puede utilizar para trabajar en la facilidad de ejecución, con especial atención a un brazo derecho relajado, diferentes estilos de arco y pureza de tono. La facilidad para tocar escalas reduce el riesgo de lesiones y estrés, y una comprensión genuina de cómo funciona su técnica conduce a una interpretación consistente y segura.

A continuación se muestran las principales escalas y arpegios para el violín en primera posición.

Violín Mariachi

El origen de la música mariachi está muy ligado a la aparición del violín (por aquel entonces Rebec) en México, allá por el s. XVI. Al parecer, el género de música denominado mariachi es producto de la combinación entre las tradiciones locales indígenas y las doctrinas traidas por los españoles. El violín aparece ya en las primeras formaciones musicales mariachi y es impulsor de la creación de la vihuela mexicana, instrumento de cuerda inventado por Justo Rodríguez Nixen. 

A finales de 1700 había comenzado a evolucionar una forma de canción que usaba coplas de rima tópica o satírica, con el violín generalmente a la cabeza de la melodía. Esto tomó gradualmente el manto de un idioma musical nacional, incorporando elementos de las diferentes culturas, y durante la guerra por la independencia en 1810-21 se convirtió en un símbolo de lucha, libertad y orgullo nacional.

El propio término mariachi, según fuentes, tiene varios posibles orígenes etimológicos. Por una parte está su similitud con la palabra francesa “mariage” que significa matrimonio. En este sentido el género mariachi haría referencia a la música que se interpretaba durante los festejos nupciales. Por otra parte, mariachi podría provenir de la lengua nativa de Cocula, haciendo referencia a la Virgen María del Río y a su canción, convirtiéndose así de “Maria ce son” a “mariachi”.

Violín mariachi

Las bandas de mariachis incluyen desde dos hasta un extenso grupo de violinistas, a menudo con formación clásica y armados con un repertorio enorme y una técnica impresionante. Tocando normalmente al aire libre y compitiendo con una sección de trompetas desenfrenada, los violinistas necesitan un tono potente y un vibrato fuerte. Suelen tocar en armonía unos con otros, con las trompetas haciendo contramelodías. Las notas de gracia se utilizan ampliamente y el pizzicato es muy común.

Mariachi Vargas

Los primeros grupos organizados comenzaron a mediados del siglo XIX; en 1850 Amado Vargas fundó una banda con dos violines, arpa y guitarra de golpe (una pequeña guitarra de 5 cuerdas). Su hijo Gaspar se hizo cargo en 1898, llamando al grupo Mariachi Vargas de Tecalitlan, y esto fue para probar el modelo e inspiración para todos los grupos de mariachi posteriores. Hacia el cambio de siglo, los mariachis llegaron a la Ciudad de México y prosperaron con la introducción de la radio en la década de 1920. La vihuela (una guitarra de 5 cuerdas) se agregó a la formación estándar, junto con las trompetas que ahora son fundamentales para el sonido del mariachi. Se agregaron más violines para equilibrar las trompetas. La verdadera edad de oro del mariachi llegó en los años 40 y 50 con la llegada del cine. Solo el conjunto Mariachi Vargas apareció en más de 200 películas. 

La banda de mariachis moderna normalmente consta de al menos 8 integrantes; 2 trompetas, 3 violines, vihuela, guitarrón (un tipo de bajo acústico con un cuerpo enorme y cuello corto) y posiblemente un arpa o guitarra de golpe. Las bandas tienen un repertorio amplio y variado, que refleja la diversidad de situaciones sociales en las que están llamadas a actuar.

 

Laura Garciacano Sobrino fue apodada por primera vez la “Reina del Mariachi” en 1995 por Los Angeles Times. Laura Sobrino también fue directora y violinista principal del Mariachi Reyna de Los Ángeles, y originalmente fue la responsable de buscar el talento femenino en el mariachi. La Sra. Sobrino también fue la directora musical y violinista del grupo de mariachis “Mariachi Mujer 2000”.

A pesar de su importancia, el mariachi no es de ninguna manera el único estilo de tocar el violín que se encuentra en México. Juan Reynoso es un violinista virtuoso que, a finales de los 80, dirige su propia banda al estilo tradicional de Tierra Caliente en el suroeste del país.

El método de Kato Havas – eliminar la tensión y disfrutar de la música

 

El “Nuevo Enfoque para tocar el violín”

Kató Havas, nacida en la pequeña ciudad de Keszdivasarhely (Rumanía) el 5 de noviembre de 1920, fue una niña prodigio del violín en Hungría. Introducida al instrumento a la edad de 5 años, dio su primer recital profesional cuando tenía 7. Su compatriota, Emil Telmanyi, quedó tan impresionado con su forma de tocar que hizo que fuera a Budapest a la edad de 8 años para estudiar con Imre Waldbauer en la Academia Franz Liszt. 

A la edad de 18 años, Kató realizó una corta gira de conciertos por Estados Unidos y el 10 de octubre de 1939 debutó en el Carnegie Hall con gran éxito de crítica. Luego conoció y se casó con el autor William Woods, y no pudo regresar a Hungría durante más de treinta años debido a la guerra y la posterior ocupación rusa.

Con tres hijas pequeñas que cuidar, dejó de lado la actuación pública, y fue durante este período cuando lo que se convertiría en el “Nuevo Enfoque” estaba germinando en su mente. Buscó al violinista David Mendoza, quien entendió la verdadera función de la mano izquierda en relación con el brazo derecho, que era forjar el último eslabón de la cadena para su enfoque holístico de tocar cuerdas.

Una faceta de su enseñanza era que aceptaba a cualquiera como alumno, ya fuera un principiante o un concertista solista, y podía dar a cada uno lo que necesitaba. Ya sea en una situación individual o en un taller con 20 o 30 personas, su comunicación fue omnipresente y su carisma lo abarcó todo. Se dijo que en los primeros minutos después de haber entrado en la sala de un taller, pudo evaluar los problemas violinísticos de la mayoría de las personas allí.

Si bien el reconocimiento pudo haber sido inicialmente lento en su propio país, en poco tiempo fue invitada a dar conferencias extensas en todo el mundo donde sus ideas fueron aceptadas con entusiasmo en países como Australia, Nueva Zelanda, Canadá y muchos países europeos. Daba conferencias regularmente en los Estados Unidos, regresando anualmente a California y Nueva Inglaterra para talleres muy populares. En su estudio de Oxford en Inglaterra, donde tenía su sede, se acercó a ella y trabajó con jugadores de todo el mundo.

En 1985, los alumnos de Kató en todo el mundo se constituyeron en “La Asociación Kató Havas para el Nuevo Enfoque (KHANA)”. En 1991 hizo un video de enseñanza en el que pudo demostrar los principios del Nuevo Enfoque en menos de una hora, ¡a la edad de 71 años, una de sus mejores actuaciones en solitario! En septiembre de 2002, cuando la rueda había cerrado el círculo, fue invitada a regresar a Hungría para dar una conferencia en un salón abarrotado de músicos y profesores de la Academia donde había estudiado de niña.

 

Kato Havas

El método de Kató y su “Nuevo Enfoque”

Kato Havas explora los problemas inherentes al tocar y se enfatiza una sensación de bienestar, tanto en el equilibrio físico como en la actitud mental. Los violinistas experimentan la libertad que se hace posible a través del pulso rítmico activo y la sensación de no tener un violín o arco “sujetado”. Dos movimientos o columpios del brazo derecho abarcan todos los “golpes de arco” y movimientos equilibrados y danzantes de la mano izquierda responsables de la calidad del tono, la entonación, el vibrato, liberan a los intérpretes de cuerdas de la ansiedad por los cambios, las paradas dobles y los cruces de cuerdas.

El Nuevo Enfoque no es un método en el sentido ordinario de la palabra. Es un sistema altamente organizado que previene y elimina tensiones y ansiedades. Destaca los aspectos físicos, mentales y sociales de la interpretación con especial referencia a tocar el violín (aunque el Los principios se aplican igualmente a otros instrumentos.) Unifica mente, cuerpo y espíritu, y coordina los equilibrios naturales del cuerpo en un todo poderoso y sin esfuerzo.

El uso de equilibrios naturales elimina el “agarre del violín” y el “agarre del arco”, como tales, que a menudo son las principales causas de dolores de cabeza, dolores de espalda y tendinitis.

Un control interno estructurado con el uso de pulso rítmico; El uso del “oído interno” y del “ojo interno” asegura una transmisión fluida de energía. Estos, junto con la liberación de presión y contrapresión del instrumento, permiten el juego completo de las vibraciones simpáticas y aseguran un vibrato natural. Cantar e imitar, el poder de las palabras y el poder de la imaginación, juegan un papel importante en la realización del máximo potencial del violinista. 

Puedes encontrar la entrevista concedida por Kató Havas para Charlotte Tomlinson en el siguiente enlace