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Grandes violinistas – Grażyna Bacewicz

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Grażyna Bacewicz fue una violinista virtuosa y compositora, nacida el 5 de febrero de 1909 en Łódź, Polonia, en el seno de una familia muy unida y con gran inclinación musical, Bacewicz fue alentada desde muy temprana edad a estudiar música con su padre. Tuvo una afinidad inmediata por el violín y tocaba música de cámara en casa con sus dos hermanos mayores, Kiejstut y Witold.

Grażyna era especialmente cercana a su hermano, Kiejstut. Lo siguió a Varsovia después de graduarse de la escuela secundaria en Łódź, y más tarde, como violinista de concierto, estrenó muchas de sus propias sonatas con Kiejstut al piano. En el Conservatorio de Varsovia estudió violín y piano, dando así un paso más hacia la realización de su sueño de ser compositora. Sus primeras composiciones fueron un preludio para piano y algunas miniaturas para violín y piano.

Estudió filosofía en la Universidad de Varsovia durante año y medio. Una influencia fundamental en la vida de Bacewicz, compartida con otros jóvenes compositores polacos, fue conocer a Karol Szymanowski (1882-1937) en el Conservatorio. Esta directriz llevó a Bacewicz y a otros a la École Normale de Musique y a estudiar con Nadia Boulanger. Sus estudios en París fueron posibles gracias a una beca de Ignacy Jan Paderewski (1860-1941), virtuoso pianista, compositor y estadista polaco.

Se graduó con honores en 1932, tras haber estudiado violín con Józef Jarzębski (1878-1955), piano con Józef Turczyński (1884-1953) y composición con Kazimierz Sikorski (n. 1895). Para sus exámenes de graduación compuso: una Sinfonietta para orquesta, una Cantata para solistas, coro y orquesta, una Sonata para violín y un Cuarteto de cuerdas. Estas composiciones se presentaron en un concierto especial en el Conservatorio. En París, durante 1932 y 1933, estudió violín con André Touret y composición con Nadia Boulanger. Durante este tiempo, compuso la Sonatina para piano, la Suite infantil (para piano) y el Quinteto de viento. Este Quinteto de viento de 1932, un modelo del neoclasicismo, fue la primera composición en ganar el primer premio en un concurso para jóvenes compositores.

Dejó París para ofrecer conciertos como violinista en España. De regreso a Polonia, aceptó una oferta de Helena Kijeńska (la antigua directora de la escuela de música a la que había asistido de niña) para impartir clases de armonía, contrapunto y violín en el conservatorio de Łódź. Pronto descubrió que interfería con su interpretación y composición, y regresó a Varsovia al cabo de un año. A finales de 1934, París la atrajo de nuevo; esta vez volvió para estudiar con Carl Flesch, el distinguido violinista. Más adelante, compararía estas lecciones con los métodos de enseñanza de David Oistrakh.

En 1936, en un esfuerzo por equiparar la Orquesta de la Radio Polaca con la Filarmónica de Varsovia, su director, Grzegorz Fitelberg, invitó a los instrumentistas jóvenes más talentosos a unirse. Bacewicz aceptó el puesto de violinista principal y realizó giras con ellos durante dos años. Esto no solo perfeccionó sus habilidades de orquestación, sino que también le brindó la oportunidad de interpretar sus propias obras, como el Concierto para violín n.° 1 y el Tres canciones para tenor y orquesta (basadas en un texto árabe del siglo X) que se estrenaron en 1938. Mientras estuvo con la orquesta, también escribió Sonata para oboe y piano, Allegro para violín y piano, una sonata para piano y, como resultado de su amor perdurable por la música de cámara, el Cuarteto de cuerdas n.° 1. Aunque ya había escrito dos cuartetos de cuerdas, fue solo con este que se sintió lo suficientemente satisfecha como para designarlo como el primero. La considerable cantidad de composiciones escritas durante este tiempo es indicativa de la velocidad con la que trabajaba: «Creo que para componer hay que trabajar muy intensamente. Hay que hacer pausas entre la composición de diferentes obras, pero no se deben hacer interrupciones cuando se está escribiendo una pieza. Soy capaz de trabajar en una composición durante muchas horas al día. Normalmente hago una pausa a mediodía, pero incluso durante la pausa mi cerebro sigue trabajando. Me gusta cansarme mucho. A veces es entonces cuando de repente me vienen mis mejores ideas.»

El mismo año en que Bacewicz se unió a la orquesta, se casó con Andrzej Biernacki, médico y pianista aficionado. Era profesor en la Academia de Medicina de Varsovia al momento de su muerte en 1963. (Su única hija, Alina, nacida en 1942, vive actualmente en Varsovia y es una pintora y poeta consumada). En la primavera de aquel fatídico año de 1939, Bacewicz regresó a su adorado París para supervisar una velada especial de sus obras que tuvo lugar en la École Normale de Musique. Regresó a Varsovia apenas dos meses antes del comienzo de la guerra.

Como para millones de europeos, los años de la guerra (1939-1945) resultaron difíciles para Grażyna Bacewicz y su familia. La vida musical de Polonia se vio muy limitada, pero se ofrecieron conciertos, a menudo en casas particulares o cafés. A pesar de las vicisitudes de estos años (incluido el cuidado de su hermana herida y el desplazamiento temporal de Tras ser trasladada con su familia primero a un campo de concentración en Pruszków y luego a la ciudad de Lublin, donde esperaron el fin de la guerra, logró componer el Cuarteto de cuerdas n.º 2, la Sonata n.º 1 para violín solo, la Sinfonía n.º 1 y la Obertura para orquesta. Esta última (1943) se estrenó en el primer Festival de Música Polaca celebrado en Cracovia justo después de la guerra, consolidándola de inmediato como una de las mejores compositoras polacas de la época.

A finales de 1945, Bacewicz y su familia regresaron a Varsovia, devastada por la guerra. Con renovadas fuerzas, retomó la composición. Ese mismo año completó la Sonata da Camera (su primera sonata para violín y piano) y el Concierto para violín n.º 2. También reanudó sus conciertos y, en un memorable evento de 1946, interpretó el Concierto para violín n.º 1 de Szymanowski con la Orquesta de Conciertos Lamoreux en la Sala Pleyel de París, bajo la dirección de Paul Kletzki. Ese mismo año, su Suite para dos violines se interpretó en la Sala de Conciertos del Conservatorio, en un concierto de música de cámara titulado «La música polaca bajo la ocupación». También interpretó su propia Sonata de cámara, así como el Nocturno y la Tarantela de Szymanowski. Además, comenzó a formar parte de numerosos jurados internacionales de concursos de violín y se convirtió en miembro de la Unión de Compositores Polacos.

Los años 1945-1955 representan una época significativa e importante para la música polaca. Al igual que en otros países socialistas europeos, se produjo una nacionalización generalizada de las instituciones artísticas. La primera editorial musical del gobierno, Polskie Wydawnictwo, Muzyczne – PWM), se estableció en abril de 1945. Aunque había algunas empresas privadas.

En 1947 escribió dos composiciones importantes: la Sonata n.º 3 para violín y piano, estrenada por Grażyna y su hermano, Kiejstut, y el Cuarteto de cuerda n.º 3, neoclásico por su perfección formal. En 1948, un año especialmente fructífero, compuso su Concierto para violín n.º 3, la primera gran composición que muestra cierta influencia folclórica; la Cantata Olímpica, escrita para los Juegos Olímpicos de Londres; el Trío para oboe, clarinete y fagot; y la más importante de sus obras en el estricto estilo neoclásico, el Concierto para orquesta de cuerdas (también conocido como Concierto para cuerdas). Esta obra confirmó el éxito de la Obertura anterior y recibió el Premio Nacional en 1950. Fue interpretada por primera vez en Estados Unidos por la Orquesta Sinfónica Nacional en Washington, D.C.

En 1949 compuso dos obras importantes que cosecharon un éxito inmediato: el Concierto para piano, que contiene elementos de música folclórica, y la Sonata n.º 4 para violín y piano.

A partir de 1953, comenzó a retirarse de los conciertos para dedicar más tiempo a la composición. Inicialmente, había planeado limitar sus interpretaciones a los estrenos de sus propias obras, pero constantemente hacía excepciones a esta regla. Finalmente, comprendió que debía retirarse definitivamente, y a finales de 1955 su carrera como solista prácticamente había llegado a su fin.

El Cuarteto de Cuerdas n.° 6 (1960) se convirtió en una de sus obras más exitosas y frecuentemente interpretadas. El Concierto para Orquesta, compuesto al año siguiente, continuó esta nueva dirección. Posteriormente, compuso y dedicó el Concierto para Violonchelo n.° 2 (1962) a su inspirador y primer intérprete, Gaspar Cassadó (1897-1966). Este se incluyó en el séptimo «Otoño de Varsovia», junto con el Cuarteto para Cuatro Violonchelos. (1964) formó parte del octavo Festival. En las notas del programa para esta interpretación, Bacewicz comentó:

“Llevo mucho tiempo pensando en escribir un cuarteto para cuatro violonchelos. Quería que fuera diferente del Cuarteto para cuatro violines que compuse hace muchos años y que tenía un carácter más didáctico. Al escribir para cuatro violonchelos, me atrajo la riqueza sonora que ofrece este instrumento. Durante el proceso de creación, llegué a la conclusión de que cuatro violonchelos en un mismo conjunto son un verdadero tesoro para el compositor contemporáneo.” Este concepto me ha obligado a descartar ciertos elementos muy característicos del violonchelo, como, por ejemplo, una cantilena amplia.”

En 1965 compuso «Musica Sinfonica in Tre Movimenti», el Cuarteto de cuerdas n.º 7, el Concierto para violín n.º 7, el Quinteto para piano n.º 2, el Pequeño tríptico para piano, el Divertimento para orquesta de cuerdas, «Incrustaciones» para piano, el Divertimento para orquesta de cuerdas, Incrustations para trompa y conjunto de cámara y el Trío para oboe, arpa y percusión.

El ritmo marcado en 1965 se mantuvo en 1966. Una semana después de que el organista francés Jean Guillou le pidiera a Bacewicz que compusiera una obra para él, ella terminó el breve pero memorable Esquisse para órgano. Durante ese año también compuso el potente y dinámico Concierto para dos pianos y orquesta y Contradizione, que contiene elementos del Trío para oboe, arpa y percusión.

Lista de obras:

Campanas y Campanillas do Capricho No.2

4 caprichos Concierto para violonchelo n.º 1

Suite Infantil

Concierto para 2 pianos y orquesta

Concierto para orquesta

Concierto para orquesta de cuerdas

Contradizione para orquesta de cuerdas

Canción de cuna

Divertimento para orquesta de cuerdas mi

Piezas fáciles para clarinete y piano

humoreska I en una parte l

Una pequeña urraca

Pequeño tríptico METRO

Danza Mazoviana Música para cuerdas, trompetas y percusión.

Musica sinfonica en tre movimenti

Oberek No.1, Oberek No.2

Obertura

Partita para orquesta

Pensieri notturni

Quinteto con piano n.º 1

Sonata para piano n.º 2

Sonatina para piano

Capricho polaco

Cuarteto para 4 violines

Danza eslava

Sonata de la cámara

Sonata nº 1 para Violín solo

Sonata n.º 2 para violín solo

Cuarteto de cuerda n.º 3

Cuarteto de cuerda n.º 4

Cuarteto de cuerda n.º 5

Cuarteto de cuerda n.º 7

10 estudios para piano

Sinfonía n.º 3

Sinfonía n.º 4

Trío V Variaciones Concierto para viola

Concertino para violín

Concierto para violín n.º 3

Concierto para violín n.º 4

Concierto para violín n.º 5

Quinteto de viento S P

Grandes violinistas – Eugène Ysaÿe

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Eugène Ysaÿe, nacido en Lieja, Bélgica, el 16 de julio de 1858, fue un legendario virtuoso del violín, compositor, profesor y director de orquesta que vivió en Cincinnati y el norte de Kentucky durante casi tres décadas, en uno de los periodos más fructíferos de su carrera. Niño prodigio del violín, estudió en el Real Conservatorio de Lieja y con Henryk Wieniawski y Henry Vieuxtemps. Contemporáneos musicales como Saint-Saëns, Debussy, Franck, d’Indy, Fauré y Chausson compusieron obras para Ysaÿe.

Compositor autodidacta, las obras virtuosas de Ysaÿe siguen siendo pilares fundamentales del repertorio para violín. A los 21 años se convirtió en concertino de la Orquesta de la Brasserie Bilse, precursora de la Filarmónica de Berlín, y dos años después inició su carrera como solista. Pedagogo entregado, impartió clases en el Conservatorio de Bruselas (1886-1897), además de clases particulares, y organizó conciertos de música sinfónica y de cámara, fundando el Cuarteto Ysaÿe, la Orquesta de Conciertos Ysaÿe con sus alumnos y la Sociedad de Conciertos Ysaÿe.

En su primera gira por Estados Unidos en 1894, debutó en Cincinnati con el coro masculino Orpheus Club en la Ópera Pike el 22 de noviembre. Su interpretación del Tercer Concierto de Saint-Saëns y un bis de la Mazurka de Carzyki fue un gran éxito. Conscientes de la popularidad de Ysaÿe, la junta fundadora, compuesta íntegramente por mujeres, de la Asociación de la Orquesta de Cincinnati se constituyó el 11 de abril de 1894 y lo contrató de inmediato para actuar con la Orquesta Sinfónica de Cincinnati (CSO). Regresó para actuar durante la temporada inaugural de la orquesta, en 1895. Fue recibido con entusiasmo interpretando obras de Mendelssohn y Wieniawski el 21 de febrero y de Bruch y Saint-Saëns el 22 de febrero. Antes de la Primera Guerra Mundial, Ysaÿe actuó en Cincinnati diez veces: seis como solista con la Orquesta Sinfónica de Cincinnati (CSO) y cuatro en recitales.

En 1914, Ysaÿe huyó de Bélgica durante la invasión alemana y se trasladó a Londres, donde su compatriota, el artista y escultor Victor Rousseau, creó su busto (una escultura de bronce que aún se exhibe en el Cincinnati Music Hall; véase más abajo). En abril de 1918, Ysaÿe dirigió por primera vez a la Orquesta Sinfónica de Cincinnati (CSO) en los ensayos, tras ser nombrado cuarto director musical del Festival de Mayo. 

Su hijo, Gabriel, también violinista, y su hija Kelly (Carry) vivían con ellos. Ysaÿe fue contratado para dirigir la Orquesta Sinfónica de Cincinnati (CSO) en sus últimos conciertos de la temporada, en sustitución del director musical austriaco Ernst Kunwald.  

 

Ysaÿe dirigió más de 500 obras en cientos de conciertos con la CSO, en programas que incluían principalmente compositores franceses y numerosas composiciones belgas y estadounidenses. Aunque la Orquesta Sinfónica de Chicago (CSO) actuó principalmente en el Auditorio Emery entre 1912 y 1936, Ysaÿe continuó dirigiéndola en el Music Hall para una docena de conciertos del Festival de Mayo (seis en cada una de las temporadas de 1918 y 1920) y 37 de los 40 Conciertos Populares Dominicales.

Obras:

Op.1 – 4 Piezas para violín y piano (1878) – N°1: «Courte Joie», N°2: «Badinage», N°3: «Perdue», N°4. «Retrouvée»
Op.1(a) – Mazurka de Concierto, para violín y piano
Op.2 – Berceuse en mi menor
Op.3 – Suite (cuarta parte inacabada)
Op.4 – Polonesa n.º 1 en mi menor
Op.5 – Polonesa brillante N°2 en re mayor
Op.6 – Vals en mi
Op.7 – Mazurca en sol menor
Op.8 – Escena sentimental
Op.9 – Variaciones sobre el Estudio No. 24 de Paganini
Op.9(a) – 3 Études-Poèmes, para violín y piano
Op.10 – 2 Mazurcas de Salon para violín y piano (1884)
Op.11 – Lointain passé (Mazurca N°3 en si menor para violín y piano)
Op.11(a) – Saltarelle carnavalesco para violín y orquesta
Op.12 – Poème élégiaque para violín y orquesta (1893)
Op.12(a) – Variaciones sobre un tema de Paganini para violín y orquesta (¿Igual que Op.9?)
Op.13 – Au rouet (Poème No.2 para violín y orquesta)
Op.14 – Rêve d’enfant para violín y orquesta (o piano)
Escena en la calle, violín y orquesta
Op.15 – Chant d’hiver (Poema para violín y orquesta)
Op.16 – Meditación para violonchelo y orquesta (¿hacia 1910?)
Op.17 – Éxtasis, op. Op. 17 para violín y orquesta (versión de 1908)
Op. 18 – Estudio n.° 1 para violín y piano
Op. 19 – Estudio n.° 2 para violín y piano
Op. 20 – Berceuse para violín y orquesta
Op. 21 – Extase (Poema n.° 4 para violín y orquesta)
Op. 22 – Sérénade para violonchelo y orquesta (ca. 1910?)
Op. 23 – Les Neiges d’antan para violín y orquesta (1911 o 1914?)
Op. 24 – Divertimento para violín y orquesta
Op. 25 – Exil! Para orquesta de cuerdas de violines y violas
Op. 26 – Amitié (Poema n.° 6 para 2 violines y orquesta)
Op. 27 – 6 Sonatas para violín solo (1923)
Sol menor (dedicada a Joseph Szigeti)
La menor «Obsesión» (dedicada a Jacques Thibaud)
Re menor «Balada» (dedicada a George Enescu)
Mi menor (dedicada a Fritz Kreisler)
Sol mayor (dedicada a Mathieu Crickboom)
Mi mayor (dedicada a Manuel Quiroga)
Op. 28 – Sonata para violonchelo solo
Op. 29 – Poema nocturno (Poema n.° 7 para violín, violonchelo y orquesta)
Op. 30 – Paráfrasis sobre el tema de Mendelssohn para voz y orquesta/piano (partitura reducida para voz y piano publicada por Edition Ysaÿe). Op.30)
Op.31 – Harmonies du soir para cuarteto de cuerdas u orquesta de cuerdas
Op.32 – Fantasía para violín y orquesta
Op.33 – ?
Op.34 – ?
Op.35 – Essai sur le mécanisme moderne du violon (10 preludios para violín solo)
Obras sin número de opus
Andante para violín y orquesta
Berceuse para violín y piano
Caprice d’après l’Étude en forme de valse (Op.52, n.º 6) de Saint-Saëns (ca. 1900)
Concierto después de dos poemas
Concierto para 2 violines y orquesta
Divertimento No.3, para viola solo
Étude posthume, para violín solo
Ejercicios y juegos, violín (Publicado por Schott en 1967)
Introducción, para viola solo
Mazurca para violín y piano
Ouverture sur des thèmes d’Atala (Cantata de Théo Ysaÿe), para orquesta y coro
Petit poème romantique, violín y piano/orquesta (arr. de Gabri Ysaÿe?)
Piére li houïeu (Drame lyrique) (1931) (también conocido como Pierre li Houyeux.)
2 polonesas para violín y piano (¿igual que Op.4 y 5?)
Sonata para dos violines (1915), op. post.
Trío de concierto nº1 «Le Chimay», Violín, Viola y Violonchelo, Op. post. (Este es un boceto de Pierre li Houyeux. Véase WorldCat).
Trío de concierto «Londres», 2 violines y viola, op. post.
Trío de concierto nº2, Violín, Viola y Violonchelo
Quinteto de cuerdas (¿1892?)
Variaciones sobre el Capricho núm. de Paganini. 24, Violín (¿Igual que Op. 9 y Op. 12(a)?)
Conciertos para violín n.° 1-8
Concierto para violín en mi mayor (¿1884?)
Poema concertante, Concierto para violín y orquesta en sol menor (¿uno de los dos que se conservan de los ocho escritos?)
Arreglos/Transcripciones/Ediciones de Eugène Ysaÿe
Chopin – Balada n.° 1, Op. 23, arreglada para violín y piano por Ysaÿe
Chopin – Vals en mi menor (Valse en Mi mineur), B. 56, arreglado para violín y piano por Ysaÿe
Chopin – Fantasía Impromptu (Impromptu n.° 4) en do sostenido menor, Op. 66, arreglada para violín y piano por Ysaÿe
Chopin – Ocho valses (8 valses), arreglados para violín y piano por Ysaÿe
N.° 1 en La mayor (Chopin – Op.34 No.1)
No.2 en Fa# mineur (Op.70 No.2)
No.3 en La mineur (Op.34 No.2)
No.4 en La majeur (Op.64 No.3)
No.5 en Ré mineur (Op.64 No.2)
No.6 en La b majeur (Op.69 No.1)
No.7 en Mi b majeur (Op.64 No. 1)
No.8 en Mi mineur (Vals en mi menor)
Campenhout – La Brabançonne arreglada para orquesta por Ysaÿe (1918)
Leclair – Concierto para violín en re menor Op.7 No.1 arreglado para violín, orquesta de cuerdas y piano (u órgano) de Ysaÿe
Repertorio clásico y moderno del violín
N° 1 – Nardini: Sonata en Ré mayor
No. 2 – Chopin: Valse es Mi mineur
No. 3 – Händel: Aria
N° 4 – Bach: Aria

 

Eugène Ysaÿe, demostró ideas musicales novedosas para violín. No solo fue reconocido por sus virtuosas interpretaciones, sino que, como músico, demostró técnicas de composición innovadoras, al incorporar las tradiciones musicales de la escuela franco-belga de violín. Inspirándose en Bach para sus sonatas, Ysaÿe incorpora el legado musical y añade sus técnicas virtuosas, incluyendo dobles cuerdas, cromatismo, contrastes dinámicos y el fraseo franco-belga, que resaltaba momentos clave en la línea melódica. 

Grandes violinistas – Joseph Bologne, Caballero de Saint-Georges

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Joseph Bologne, Caballero de Saint-Georges, fue considerado como un hombre destacado de su época. No solo fue uno de los músicos más importantes de París durante el período prerrevolucionario, sino que también fue un magnífico atleta y hombre de armas.
Entre los expertos en esgrima, Saint-Georges era considerado el mejor espadachín de Europa, poseedor de una velocidad, flexibilidad y gracia extraordinarias, cualidades que también demostró con creces como violinista. La combinación de artista, atleta y hombre de acción —pues también ocupó puestos militares durante el período revolucionario— es única en la historia de la música, y su figura es apenas menos extraordinaria que la fenomenal gama de sus talentos.
Investigaciones recientes han establecido que su padre fue George de Bologne Saint-Georges, antiguo gentilhombre de cámara del rey e importante hacendado de Basse-Terre, Guadalupe. George era hijo de Pierre de Bologne, un adinerado colono y mayor del regimiento de Lonvilliers en Guadalupe.

Se cree que George Bologne de Saint-Georges fue exiliado en Saint-Domingue (Haití) debido a que participó en una pelea en la que falleció un hombre. Joseph nació mientras su padre se encontraba en el exilio. Dos documentos oficiales del período revolucionario, de puño y letra de Joseph, indican su fecha de nacimiento como (Navidad) de 1748. Su madre Nanon, era esclava de origen senegalés.
George llevó a su hijo ilegítimo y a su madre a Francia, al mismo tiempo que su esposa. Que tal acto se basara en el afecto hacia el niño y posiblemente hacia su madre, lo confirman acontecimientos posteriores. George permitió a Joseph usar el apellido familiar —prueba de que reconocía su paternidad— y pagó por su educación. Es probable que Joseph diera muestras de sus precoces dotes a una edad muy temprana, incluso antes de que la familia regresara a Francia. Su padre optó por llevarlo a Francia, donde tendría mayores oportunidades y sufriría menos prejuicios manifiestos.
George contrató tutores privados para preparar a su hijo para el ingreso a una institución educativa regular y para asegurarse de que pudiera relacionarse con facilidad con los miembros de la clase aristocrática a la que pertenecía. La mañana la dedicaba a su educación y el resto del día lo pasaba en el gimnasio. A los quince años, había progresado tan rápido que podía vencer a los tiradores más fuertes. A los diecisiete, había desarrollado velocidad.


Los primeros relatos sobre la vida de Saint-Georges afirman que primero estudió violín con un tal Platón, administrador de las propiedades de su padre y más tarde, en Francia, tomó clases con Leclair y posiblemente con Lolli. Sin duda, mantuvo una estrecha relación profesional con Gossec y, de hecho, el compositor podría haberle dado clases de composición en algún momento. El padre de Saint-Georges fue un notable mecenas de músicos y recibió dedicatorias de varios compositores, entre ellos el violinista italiano Antonio Lolli y Carl Stamitz. En 1770, este último dedicó sus Seis Cuartetos Orquestales Op. 1. Joseph también recibió varias dedicatorias en su juventud, en particular los dos Conciertos para violín, Op. 2, de Lolli (1764), y los Seis Tríos, Op. 9, de Gossec:. El hecho de que dos compositores tan distinguidos decidieran dedicarle obras mucho antes de su vigésimo cumpleaños habla mucho de la reputación de Saint-Georges.



La carrera musical de Saint-Georges comenzó a finales de la década de 1760. En 1769 se unió al Concert des Amateurs como concertino ( y director). Esta orquesta acababa de formarse bajo la dirección de Gossec gracias al apoyo de mecenas como el barón d’Ogny y, quizás, el padre de Saint-Georges. Las doce funciones semanales de los Amateurs tenían lugar de diciembre a marzo en la casa de Charles de Rohan-Rohan, príncipe de Soubise y Epinoy. Los conciertos eran de suscripción abierta y presentaban principalmente música nueva, en particular sinfonías, conciertos y sinfonías concertantes. Cuando Gossec dejó los Amateurs en 1773 para hacerse cargo del Concert Spirituel, Saint-Georges, a los veinticuatro años, lo sucedió como director de la orquesta. La orquesta, inusualmente numerosa para la época, con hasta 76 músicos y 40 violines, alcanzó gran prestigio durante los ocho años que Saint-Georges dirigió, y fue esta orquesta, y no el Concert Spirituel, la que dio a conocer las sinfonías de Haydn al público parisino.


Saint-Georges debutó como solista en público con el Concert des Amateurs en 1772, interpretando sus dos Conciertos para violín Op. 2. Según el Mercure de France, las obras «recibieron una aclamación entusiasta, tanto por su excelente ejecución como por la propia composición». En 1775, dos años después de la publicación del Op. 2, el editor Bailleux adquirió los derechos de autor durante seis años sobre los futuros conciertos de Saint-Georges.


Para 1775, Saint-Georges ya estaba tan consolidado como compositor, solista y director de orquesta que fue considerado para el puesto de director artístico de la Real Academia de Música de la Ópera. La nominación de Saint-Georges fracasó ante la fuerte oposición de algunas de las artistas femeninas de la Ópera, incluyendo a las famosas cantantes Sophie Arnould y Rosalie Levasseur, quienes dirigieron una petición a la Reina para rogarle que su honor y la delicadeza de su conciencia les impidieran someterse a las órdenes de un mulato.



No sabemos cómo reaccionó Saint-Georges ante una discriminación tan evidente, pero debió de ser un recordatorio devastador de que, por brillantes que fueran sus logros, muchos siempre lo considerarían un mestizo.


En 1777, Saint-Georges debutó como compositor de ópera con Ernestine en la Comédie-Italienne. La afiliación de Saint-Georges con el duque de Orleans iba más allá de la música, y este lo puso a cargo de su séquito de caza en su sede de Le Raincy.


Tras la disolución de los Amateurs en enero de 1781, probablemente debido a problemas económicos, Saint-Georges fundó el Concert de la Loge Olympique, la orquesta para la que el conde de Ogny encargó a Haydn la composición de su brillante conjunto de seis sinfonías «Parisinas». Saint-Georges actuó como intermediario y, según el erudito estadounidense Barry S. Brook, incluso viajó. Viajó a Austria para conocer al compositor más famoso de Europa. Saint-Georges ensayó las seis sinfonías y dirigió sus triunfales estrenos a finales de 1787.


En los años inmediatamente anteriores a la revolución, Saint-Georges se encontraba en la cúspide de su fama como compositor e intérprete. Aún no había alcanzado un gran éxito con una obra teatral, aunque La fille-garçon tuvo una acogida razonable. Su producción musical fue constante, pero no fue en absoluto un compositor prolífico para los estándares habituales del siglo. Sin duda, sus otras actividades le impidieron dedicar la mayor parte de su tiempo a la composición. Saint-Georges seguía activo como espadachín e hizo varios viajes a Londres para participar en combates de exhibición, incluso en 1787, cuando la temporada de conciertos estaba en su apogeo.

Regresó a París en 1790, pero al encontrar la situación insatisfactoria, emprendió una gira por el norte de Francia con la joven actriz Louise Fusil y el trompista Lamothe.


La última década de la vida de Saint-Georges estuvo marcada por la revolución. Al ser mestizo, tenía mayores derechos legales que un esclavo, pero a pesar de su nombre y su fama, se le negarían para siempre los privilegios de un hombre blanco. Incluso el matrimonio le estaba prohibido en la Francia prerrevolucionaria. Cuando la revolución proclamó la igualdad de todos los hombres el 26 de agosto de 1789, Saint-Georges abrazó su causa y decidió ofrecer sus servicios al ejército revolucionario en cuanto surgió la oportunidad.

En junio de 1791, la Asamblea ordenó el reclutamiento inmediato de 91.000 voluntarios en las filas de la Guardia Nacional en toda Francia. Saint-Georges fue uno de los primeros en alistarse en Lille. Como brillante jinete, hombre de armas y antiguo miembro de la Guardia Real, Saint-Georges debió ser un recluta muy bienvenido. Trabajó arduamente para convertir a sus tropas en una unidad de combate bien entrenada, pero aún encontraba tiempo ocasionalmente para actividades musicales.


En septiembre de 1792, la Asamblea decretó la formación de un cuerpo de tropas ligeras compuesto por hombres de color y compuesto por 1.000 soldados, de los cuales 800 eran soldados de infantería y 200 montados. Saint-Georges tuvo sus detractores y finalmente fue denunciado por comportamiento no revolucionario, relevado del mando y encarcelado durante 18 meses. Tras un largo y complejo proceso de apelación, fue liberado, pero no restituido en el mando, a pesar del abrumador apoyo de sus hombres y oficiales subalternos.


Saint-Georges regresó por un tiempo a Saint-Domingue, donde se libraba una feroz guerra civil entre las fuerzas revolucionarias y quienes deseaban restaurar el antiguo orden, incluyendo la reintroducción de la esclavitud. Saint-Georges quedó profundamente decepcionado por lo que vio en Saint-Domingue y regresó a Francia desilusionado. En 1797 intentó reincorporarse al ejército.


Saint-Georges falleció el 12 de junio de 1799 debido a una enfermedad de vejiga. Su muerte fue reportada en la prensa, pero se desconoce el lugar de su entierro.

Óperas y Teatro Musical
Ernestine (1777)
La Caza (1778)
El Amante Anónimo (1780)
El Derecho del Señor
El Niño-Niña (1787)
Obras Orquestales
Sinfonías Concertantes (Opus 9 y 10): Destacan las obras en Do mayor (Op. 9, n.º 1) y en La mayor (Op. 9, n.º 2).
Conciertos para violín: Varios en Sol mayor, Re mayor, etc.
Sinfonías: Se menciona una sinfonía en Sol mayor (Op. 11, n.º 1).
Música de Cámara
Seis Cuartetos Concertantes (Opus 14).
Sonatas: Para violín y acompañamiento (algunas publicadas por Pleyel), y para flauta y piano.
Adagio para piano.
Obras Vocales
Colecciones de arias y dúos con orquesta.


A continuación puedes escuchar varias obras compuestas por Le Chevalier de Saint-Georges:


Concierto N. 2 en La Mayor, Opus 5, II parte

Concierto para violín en Sol mayor N.2, Opus 8, allegro

Grandes violinistas – Wilma Neruda

Publicado el por Mila Emilova SivovaDeja un comentario

Cuando Wilhelmine (Wilma) Maria Franziska Neruda nació en Brünn (actual Brno), República Checa, en 1838, el mundo de la música era muy diferente al actual. Las mujeres intérpretes eran reconocidas como cantantes y toleradas como pianistas, pero una carrera solista como violinista o violonchelista estaba descartada. Por otro lado, el público adoraba a los Wunderkinder (niños prodigio), que eran bien recibidos en todas partes, independientemente de su género o instrumento.

El padre de Wilma, Josef Neruda, estaba decidido a invertir en las carreras musicales de sus hijos. Josef dejó su trabajo de organista en 1845 para dedicarse a sus hijos. La hermana mayor de Wilma, Amalie, aprendió a tocar el piano, mientras que su hermano Viktor debería haberse convertido en violinista y Wilma en pianista.

Pero Wilma se sintió atraída por el violín de su hermano, el cual tocaba en secreto. Un día, su padre oyó música procedente de la habitación de Viktor y, «lleno de alegría por el progreso que creía que había hecho su hijo, subió corriendo las escaleras y descubrió su error». Inmediatamente reconoció el talento de Wilma. No solo le permitieron pasarse al violín, sino que se convirtió en el centro del plan de su padre. Viktor recibió un violonchelo y la familia se mudó a Viena en busca de fortuna. Una vez allí, el eminente Leopold Jansa escuchó tocar a Wilma y quedó tan impresionado que la aceptó como alumna con la condición de ser su único maestro.

Este fue el comienzo de la extraordinaria carrera de Wilma Neruda. En mayo de 1845, Wilma y Amalie actuaron juntas en público por primera vez en Brno. Se dice que Wilhelmine poseía un gran talento precoz y de rápido desarrollo, y su interpretación del instrumento, anteriormente solo interpretado por hombres, se caracteriza por un arco potente, tranquilo y seguro, un tono pleno y conciso, y la fácil y hábil superación de las dificultades técnicas.

La explotación de los niños prodigio fue objeto de un acalorado debate en su época, pero, aunque los Neruda recibieron sus críticas, algunos comentaristas argumentaron que Wilma era un caso especial: «A pesar de nuestra postura general contra los niños prodigio, debemos, sin embargo, hacer una excepción cuando el genio del arte despliega sus alas y existe una clara predisposición para la profesión musical, y debemos sintonizar con el fuerte aplauso que premió a la talentosa Wilhelmine Neruda por sus logros», escribió un crítico vienés tras un concierto. en 1846.

Los Neruda continuaron actuando en Alemania, Bélgica y Francia antes de llegar al Reino Unido, donde su primer concierto tuvo lugar en el Princess Theatre de Londres en abril de 1849. El público respondió con entusiasmo y, en lugar de dos conciertos, como se había planeado originalmente, los hermanos ofrecieron 18 conciertos. En junio del año siguiente, Wilma (ahora de 11 años) fue invitada a sustituir a Joseph Joachim, quien había cancelado una actuación en la Sociedad Filarmónica

«Cuando llegué a Londres por primera vez, me sorprendió descubrir que se consideraba casi inapropiado, ciertamente impropio de una dama, que una mujer tocara el violín». – Wilma Neruda

La propia Wilma reflexionó posteriormente sobre la evolución de la actitud hacia las violinistas: «Cuando llegué a Londres por primera vez […] me sorprendió descubrir que se consideraba casi inapropiado, ciertamente impropio de una dama, que una mujer tocara el violín. En Alemania, la cosa era bastante común y no suscitaba comentarios. No podía entender —me parecía tan absurdo— por qué aquí la gente pensaba de forma tan distinta. […] Pero, por supuesto, todo es diferente ahora, y me atrevo a decir que ahora tocan el violín más mujeres en Inglaterra que en Alemania.

A finales de 1849, Josef Neruda decidió traer a sus hijos a Rusia. Su otra hija, Marie, se había unido a sus hermanos como segunda violinista. Su gira por Rusia fue un éxito, pero la vida en la carretera pasó factura: Viktor Neruda falleció a los 15 años en 1852, probablemente como resultado del estrés constante de las presentaciones y los viajes. Más tarde, los Neruda regresaron a Brno y pronto los jóvenes músicos estaban de nuevo de gira por Polonia, Alemania y, en la década de 1860, Suecia y Dinamarca.

Los ingresos de la gira por Escandinavia fueron tan cuantiosos que los hijos de Neruda pudieron comprar una casa para sus padres en Brno. Después de esto, Wilma comenzó una nueva vida en Estocolmo, donde conoció a Ludvig Norman, compositor y director de la Real Academia de Música. Se casaron el 27 de enero de 1864, pero Wilma no abandonó su carrera artística. Al contrario, actuó con su esposo y fundó «una compañía de conciertos en Estocolmo para promover obras de música de cámara en Suecia». Tuvo dos hijos; Ludvig y Waldemar, nacidos en 1864 y 1866 respectivamente.

Pero pronto los Norman se distanciaron. Es evidente que, a pesar de sus hijos y su puesto como profesora de violín en la Real Academia de Estocolmo, Wilma deseaba abandonar Suecia. Para 1869 se separaron y Wilma regresó a sus giras por Europa. Se encontraba entonces en la cima de su carrera.

En el Reino Unido, donde se estableció, Wilma era muy solicitada. Tocó en la Sociedad Filarmónica de Londres, con el Cuarteto Joachim de Inglaterra, y en los Conciertos Populares del St. James’s Hall, donde fue la primera mujer en dirigir música de cámara. También se la escuchaba frecuentemente con la Orquesta de Charles Hallé en Manchester y ofreció conciertos conjuntos con músicos como Joachim, Piatti, Ries, Clara Schumann y Vieuxtemps.

Wilma incluso fue mencionada por Sherlock Holmes: «Su ataque y su arco son espléndidos. ¿Qué es esa pequeña pieza de Chopin que interpreta tan magníficamente? Tra-la-la-lira-lira-lay», parloteó el famoso detective en su primera aventura.

Ludvig Norman falleció en marzo de 1885. Tres años después, Wilma se comprometió con Charles Hallé, con quien había sido un amigo íntimo durante décadas. Hallé fue nombrado caballero por la reina Victoria en junio de 1888 y, tras su matrimonio al mes siguiente, Wilma se convirtió en Lady Hallé. A pesar de la considerable diferencia de edad (Charles tenía 69 años y Wilma 50), la unión fue un éxito tanto en el escenario como en la vida privada. Continuaron actuando juntos y saliendo de gira, aunque Wilma también actuó en solitario. Se encontraba en Dinamarca cuando Hallé falleció repentinamente el 25 de octubre de 1895. Aproximadamente un mes después, el Príncipe de Gales inició una suscripción pública para celebrar el 50.º aniversario de la primera aparición pública de Wilma y el 25.º aniversario de su debut en el Reino Unido. Recibió un castillo en Asolo, cerca de Venecia, donde residió durante algunos años con su hijo Ludvig. Tras la muerte de Ludvig en 1898, se trasladó a Berlín para impartir clases en el conservatorio.

Inglaterra no olvidó a Wilma, y ​​su buena amiga, la reina Alejandra, la nombró «Violinista de la Reina» en 1901. A los 73 años, Wilma seguía deleitando a su público en conciertos con Hugo Becker y Pablo Casals en marzo de 1911. Un mes después, el 15 de abril de 1911, falleció en Berlín. Será recordada como «la primera violinista considerada lo suficientemente buena como para estar a la altura de los más grandes intérpretes masculinos».

Wilma obtuvo el violín Stradivari «Ernst» de 1709. Wilma inicialmente se mostró escéptica sobre probar este violín, cuyo tono había sido criticado, pero se enamoró de él. Tres nobles mecenas, el duque de Sajonia-Coburgo-Gotha y los condes de Hardwicke y Dudley, le regalaron el violín en 1875. Aunque Wilma poseía varios instrumentos, este se convirtió en su único instrumento de concierto. Años más tarde, recordó: «Adoro mi Stradivarius, y para mí no existe ningún violín que lo supere en la exquisita delicadeza de su entonación». El violín, ahora conocido como «Ernst, Lady Hallé», fue tocado durante más de 30 años por el solista húngaro Dénes Zsigmondy, fallecido en 2014.

Obras dedicadas a Wilma Neruda:

Durante el s. XX era algo usual que compositores dedicaran sus obras a los intérpretes más virtuosos de su momento. Por esta razón, Wilma recibió numerosas dedicatorias, siendo algunas de ellas:

  • Balada, Op.43 (Neruda, Franz)
  • Danzas españolas (Romanza andaluza y Jota navarra), Op. 22 (Sarasate, Pablo)
  • Fantasía sobre 'Fausto' (Vieuxtemps, Henri)
  • Herbstblätter (Hojas de otoño), Op.109 (Heller, Stephen)
  • 6 Fantasís Irlandesas, Op.54 (Stanford, Charles Villiers)
  • Leyenda, Op.8 (Lauterbach, Johann)
  • Piano Sonata No.3, Op.19 (Neruda, Franz)
  • Violin School (Haddock, Edgar Augustus)
  • Violin Sonata No.2, Op.21 (Zimmermann, Agnes)
  • Violin Sonata No.3, Op.59 (Gade, Niels)
  • Violin Sonata, Op.5 (Winding, August)
  • Wspomnienie Warszawy (Recuerdos de Varsovia), Op.46 (Lubomirski, Kazimierz)

Grandes violinistas – Giovanni Battista Somis

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Giovanni Battista Somis fue un eminente violinista, profesor y compositor italiano, nacido el 25 de diciembre de 1686 en Turín, (Ducado de Saboya). Su hermano era Lorenzo Giovanni Somis. Muy elogiado por su interpretación expresiva y un influyente defensor del violín, Giovanni Battista Somis obviamente también fue un compositor consumado con una voz distintiva. Compuso principalmente obras para violín.

Estudió violín con su padre, Francesco Lorenzo Somis (1663-1736), violinista de la orquesta ducal de Turín.
Hacia 1696 se unió a su padre en la orquesta ducal y luego estudió con Arcangelo Corelli en Roma (1703-06) bajo el patrocinio del duque de Saboya. De todos los alumnos de Corelli, Somis es el que más rápidamente salió de la sombra de su maestro para producir música de genuina individualidad y encanto.

Al regresar a Turín en 1707, se desempeñó como violinista solista y director de la capilla ducal hasta su muerte. Obtuvo un brillante éxito como solista en el Concert Spirituel de París (2 de abril y 14 de mayo de 1733).

Somis además fue mentor de otros violinistas célebres como Pugnani, J.M. Leclair, Guignon y Guillemain. También fue un distinguido compositor de música de cámara, siendo sus sonatas solistas de particular interés histórico. Lamentablemente, tan solo una parte de sus obras han sido conservadas en la actualidad:


Opus 1 – 12 sonatas para violín y bajo continuo.
Opus 2 – 12 sonatas para violín y bajo continuo.
Opus 3 – 12 sonatas para violín y bajo continuo.
Opus 4 – 12 sonatas para violín y bajo continuo.
Opus 5 – 6 sonatas a trío para dos violines y bajo continuo.
Opus 6 – 12 sonatas para violín y bajo continuo.
Opus 7 – Ideali trattimenti da camera para dos violines, dos flautas o violas.
Opus 8 – 6 sonatas a trío.

Grandes violinistas – Carlo Farina

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Carlo Farina fue un violinista y compositor italiano, nacido en 1604 en Mantua, Lombardía, Italia. Su educación musical se desconoce. Sin embargo, es posible que su padre le hubiera enseñado sus primeras lecciones de música, en el caso de que su padre fuera Luigi Farina de Casalmaggiore, un notable violista de Mantua.

Obras

La música para violín de Farina tuvo una gran influencia en muchos compositores alemanes, en particular en David Cramer, Johan Vierdanck y Johan Schop. Las obras de Farina consisten exclusivamente en música para violín. Estas fueron publicadas en su mayoría durante su estancia en Dresde, Alemania. Las publicaciones incluyen cinco volúmenes impresos, en generalmente piezas de danza, sonatas, canciones y sinfonías. Las piezas de danza reflejan la música de consorte originaria del norte y centro de Alemania a principios del siglo XVII, mientras que sus sonatas, en particular los libros primero, cuarto y quinto, reflejan claramente su herencia italiana. Algunas de sus sonatas son «La Capriole», «La Cingara» o «La Polaca». Sus sonatas para violín le valieron su reputación como virtuoso del violín. Su obra maestra más conocida fue el «Capriccio Stravagante», donde mostró su brillantez y elegancia. Farina trabajó la mayor parte de su vida en Dresde.

Trayectoria violinística

En 1625, fue nombrado concertino de la corte de Sajonia por Johan George I, donde trabajó con Heinrich Schutz.

De 1625 a 1628, desempeñó un papel central en las principales actividades de la corte sajona, incluidas las celebraciones de la boda de la hija de Johan George I en 1627.
En 1628, su trabajo fue interrumpido en la corte de Dresde y fue reemplazado por un violinista de Mantua. Luego regresó a Italia. Allí ocupó varios puestos como violinista hasta 1638, cuando regresó al norte de Europa.
En 1636-1637 fue violinista de la orquesta municipal de Danzig.
En 1638 trabajó para la emperatriz Leonora I de Viena, cargo que ocupó hasta su muerte en julio de 1639.

Legado

Carlo Farina es considerado uno de los primeros virtuosos del violín e hizo muchas contribuciones a la técnica violinística. Por ejemplo, en su obra Capriccio Stravagante (1627) utilizó el violín para imitar sonidos de animales como el ladrido de perros o la pelea de gatos. Según el libro «Orquestación», de Cecil Forsyth, «generalmente se atribuye a Carlo Farina la invención de las dobles cuerdas«.