Autor: Mila Emilova Sivova

Grandes violinistas – Grażyna Bacewicz

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Grażyna Bacewicz fue una violinista virtuosa y compositora, nacida el 5 de febrero de 1909 en Łódź, Polonia, en el seno de una familia muy unida y con gran inclinación musical, Bacewicz fue alentada desde muy temprana edad a estudiar música con su padre. Tuvo una afinidad inmediata por el violín y tocaba música de cámara en casa con sus dos hermanos mayores, Kiejstut y Witold.

Grażyna era especialmente cercana a su hermano, Kiejstut. Lo siguió a Varsovia después de graduarse de la escuela secundaria en Łódź, y más tarde, como violinista de concierto, estrenó muchas de sus propias sonatas con Kiejstut al piano. En el Conservatorio de Varsovia estudió violín y piano, dando así un paso más hacia la realización de su sueño de ser compositora. Sus primeras composiciones fueron un preludio para piano y algunas miniaturas para violín y piano.

Estudió filosofía en la Universidad de Varsovia durante año y medio. Una influencia fundamental en la vida de Bacewicz, compartida con otros jóvenes compositores polacos, fue conocer a Karol Szymanowski (1882-1937) en el Conservatorio. Esta directriz llevó a Bacewicz y a otros a la École Normale de Musique y a estudiar con Nadia Boulanger. Sus estudios en París fueron posibles gracias a una beca de Ignacy Jan Paderewski (1860-1941), virtuoso pianista, compositor y estadista polaco.

Se graduó con honores en 1932, tras haber estudiado violín con Józef Jarzębski (1878-1955), piano con Józef Turczyński (1884-1953) y composición con Kazimierz Sikorski (n. 1895). Para sus exámenes de graduación compuso: una Sinfonietta para orquesta, una Cantata para solistas, coro y orquesta, una Sonata para violín y un Cuarteto de cuerdas. Estas composiciones se presentaron en un concierto especial en el Conservatorio. En París, durante 1932 y 1933, estudió violín con André Touret y composición con Nadia Boulanger. Durante este tiempo, compuso la Sonatina para piano, la Suite infantil (para piano) y el Quinteto de viento. Este Quinteto de viento de 1932, un modelo del neoclasicismo, fue la primera composición en ganar el primer premio en un concurso para jóvenes compositores.

Dejó París para ofrecer conciertos como violinista en España. De regreso a Polonia, aceptó una oferta de Helena Kijeńska (la antigua directora de la escuela de música a la que había asistido de niña) para impartir clases de armonía, contrapunto y violín en el conservatorio de Łódź. Pronto descubrió que interfería con su interpretación y composición, y regresó a Varsovia al cabo de un año. A finales de 1934, París la atrajo de nuevo; esta vez volvió para estudiar con Carl Flesch, el distinguido violinista. Más adelante, compararía estas lecciones con los métodos de enseñanza de David Oistrakh.

En 1936, en un esfuerzo por equiparar la Orquesta de la Radio Polaca con la Filarmónica de Varsovia, su director, Grzegorz Fitelberg, invitó a los instrumentistas jóvenes más talentosos a unirse. Bacewicz aceptó el puesto de violinista principal y realizó giras con ellos durante dos años. Esto no solo perfeccionó sus habilidades de orquestación, sino que también le brindó la oportunidad de interpretar sus propias obras, como el Concierto para violín n.° 1 y el Tres canciones para tenor y orquesta (basadas en un texto árabe del siglo X) que se estrenaron en 1938. Mientras estuvo con la orquesta, también escribió Sonata para oboe y piano, Allegro para violín y piano, una sonata para piano y, como resultado de su amor perdurable por la música de cámara, el Cuarteto de cuerdas n.° 1. Aunque ya había escrito dos cuartetos de cuerdas, fue solo con este que se sintió lo suficientemente satisfecha como para designarlo como el primero. La considerable cantidad de composiciones escritas durante este tiempo es indicativa de la velocidad con la que trabajaba: «Creo que para componer hay que trabajar muy intensamente. Hay que hacer pausas entre la composición de diferentes obras, pero no se deben hacer interrupciones cuando se está escribiendo una pieza. Soy capaz de trabajar en una composición durante muchas horas al día. Normalmente hago una pausa a mediodía, pero incluso durante la pausa mi cerebro sigue trabajando. Me gusta cansarme mucho. A veces es entonces cuando de repente me vienen mis mejores ideas.»

El mismo año en que Bacewicz se unió a la orquesta, se casó con Andrzej Biernacki, médico y pianista aficionado. Era profesor en la Academia de Medicina de Varsovia al momento de su muerte en 1963. (Su única hija, Alina, nacida en 1942, vive actualmente en Varsovia y es una pintora y poeta consumada). En la primavera de aquel fatídico año de 1939, Bacewicz regresó a su adorado París para supervisar una velada especial de sus obras que tuvo lugar en la École Normale de Musique. Regresó a Varsovia apenas dos meses antes del comienzo de la guerra.

Como para millones de europeos, los años de la guerra (1939-1945) resultaron difíciles para Grażyna Bacewicz y su familia. La vida musical de Polonia se vio muy limitada, pero se ofrecieron conciertos, a menudo en casas particulares o cafés. A pesar de las vicisitudes de estos años (incluido el cuidado de su hermana herida y el desplazamiento temporal de Tras ser trasladada con su familia primero a un campo de concentración en Pruszków y luego a la ciudad de Lublin, donde esperaron el fin de la guerra, logró componer el Cuarteto de cuerdas n.º 2, la Sonata n.º 1 para violín solo, la Sinfonía n.º 1 y la Obertura para orquesta. Esta última (1943) se estrenó en el primer Festival de Música Polaca celebrado en Cracovia justo después de la guerra, consolidándola de inmediato como una de las mejores compositoras polacas de la época.

A finales de 1945, Bacewicz y su familia regresaron a Varsovia, devastada por la guerra. Con renovadas fuerzas, retomó la composición. Ese mismo año completó la Sonata da Camera (su primera sonata para violín y piano) y el Concierto para violín n.º 2. También reanudó sus conciertos y, en un memorable evento de 1946, interpretó el Concierto para violín n.º 1 de Szymanowski con la Orquesta de Conciertos Lamoreux en la Sala Pleyel de París, bajo la dirección de Paul Kletzki. Ese mismo año, su Suite para dos violines se interpretó en la Sala de Conciertos del Conservatorio, en un concierto de música de cámara titulado «La música polaca bajo la ocupación». También interpretó su propia Sonata de cámara, así como el Nocturno y la Tarantela de Szymanowski. Además, comenzó a formar parte de numerosos jurados internacionales de concursos de violín y se convirtió en miembro de la Unión de Compositores Polacos.

Los años 1945-1955 representan una época significativa e importante para la música polaca. Al igual que en otros países socialistas europeos, se produjo una nacionalización generalizada de las instituciones artísticas. La primera editorial musical del gobierno, Polskie Wydawnictwo, Muzyczne – PWM), se estableció en abril de 1945. Aunque había algunas empresas privadas.

En 1947 escribió dos composiciones importantes: la Sonata n.º 3 para violín y piano, estrenada por Grażyna y su hermano, Kiejstut, y el Cuarteto de cuerda n.º 3, neoclásico por su perfección formal. En 1948, un año especialmente fructífero, compuso su Concierto para violín n.º 3, la primera gran composición que muestra cierta influencia folclórica; la Cantata Olímpica, escrita para los Juegos Olímpicos de Londres; el Trío para oboe, clarinete y fagot; y la más importante de sus obras en el estricto estilo neoclásico, el Concierto para orquesta de cuerdas (también conocido como Concierto para cuerdas). Esta obra confirmó el éxito de la Obertura anterior y recibió el Premio Nacional en 1950. Fue interpretada por primera vez en Estados Unidos por la Orquesta Sinfónica Nacional en Washington, D.C.

En 1949 compuso dos obras importantes que cosecharon un éxito inmediato: el Concierto para piano, que contiene elementos de música folclórica, y la Sonata n.º 4 para violín y piano.

A partir de 1953, comenzó a retirarse de los conciertos para dedicar más tiempo a la composición. Inicialmente, había planeado limitar sus interpretaciones a los estrenos de sus propias obras, pero constantemente hacía excepciones a esta regla. Finalmente, comprendió que debía retirarse definitivamente, y a finales de 1955 su carrera como solista prácticamente había llegado a su fin.

El Cuarteto de Cuerdas n.° 6 (1960) se convirtió en una de sus obras más exitosas y frecuentemente interpretadas. El Concierto para Orquesta, compuesto al año siguiente, continuó esta nueva dirección. Posteriormente, compuso y dedicó el Concierto para Violonchelo n.° 2 (1962) a su inspirador y primer intérprete, Gaspar Cassadó (1897-1966). Este se incluyó en el séptimo «Otoño de Varsovia», junto con el Cuarteto para Cuatro Violonchelos. (1964) formó parte del octavo Festival. En las notas del programa para esta interpretación, Bacewicz comentó:

“Llevo mucho tiempo pensando en escribir un cuarteto para cuatro violonchelos. Quería que fuera diferente del Cuarteto para cuatro violines que compuse hace muchos años y que tenía un carácter más didáctico. Al escribir para cuatro violonchelos, me atrajo la riqueza sonora que ofrece este instrumento. Durante el proceso de creación, llegué a la conclusión de que cuatro violonchelos en un mismo conjunto son un verdadero tesoro para el compositor contemporáneo.” Este concepto me ha obligado a descartar ciertos elementos muy característicos del violonchelo, como, por ejemplo, una cantilena amplia.”

En 1965 compuso «Musica Sinfonica in Tre Movimenti», el Cuarteto de cuerdas n.º 7, el Concierto para violín n.º 7, el Quinteto para piano n.º 2, el Pequeño tríptico para piano, el Divertimento para orquesta de cuerdas, «Incrustaciones» para piano, el Divertimento para orquesta de cuerdas, Incrustations para trompa y conjunto de cámara y el Trío para oboe, arpa y percusión.

El ritmo marcado en 1965 se mantuvo en 1966. Una semana después de que el organista francés Jean Guillou le pidiera a Bacewicz que compusiera una obra para él, ella terminó el breve pero memorable Esquisse para órgano. Durante ese año también compuso el potente y dinámico Concierto para dos pianos y orquesta y Contradizione, que contiene elementos del Trío para oboe, arpa y percusión.

Lista de obras:

Campanas y Campanillas do Capricho No.2

4 caprichos Concierto para violonchelo n.º 1

Suite Infantil

Concierto para 2 pianos y orquesta

Concierto para orquesta

Concierto para orquesta de cuerdas

Contradizione para orquesta de cuerdas

Canción de cuna

Divertimento para orquesta de cuerdas mi

Piezas fáciles para clarinete y piano

humoreska I en una parte l

Una pequeña urraca

Pequeño tríptico METRO

Danza Mazoviana Música para cuerdas, trompetas y percusión.

Musica sinfonica en tre movimenti

Oberek No.1, Oberek No.2

Obertura

Partita para orquesta

Pensieri notturni

Quinteto con piano n.º 1

Sonata para piano n.º 2

Sonatina para piano

Capricho polaco

Cuarteto para 4 violines

Danza eslava

Sonata de la cámara

Sonata nº 1 para Violín solo

Sonata n.º 2 para violín solo

Cuarteto de cuerda n.º 3

Cuarteto de cuerda n.º 4

Cuarteto de cuerda n.º 5

Cuarteto de cuerda n.º 7

10 estudios para piano

Sinfonía n.º 3

Sinfonía n.º 4

Trío V Variaciones Concierto para viola

Concertino para violín

Concierto para violín n.º 3

Concierto para violín n.º 4

Concierto para violín n.º 5

Quinteto de viento S P

Grandes violinistas – Eugène Ysaÿe

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Eugène Ysaÿe, nacido en Lieja, Bélgica, el 16 de julio de 1858, fue un legendario virtuoso del violín, compositor, profesor y director de orquesta que vivió en Cincinnati y el norte de Kentucky durante casi tres décadas, en uno de los periodos más fructíferos de su carrera. Niño prodigio del violín, estudió en el Real Conservatorio de Lieja y con Henryk Wieniawski y Henry Vieuxtemps. Contemporáneos musicales como Saint-Saëns, Debussy, Franck, d’Indy, Fauré y Chausson compusieron obras para Ysaÿe.

Compositor autodidacta, las obras virtuosas de Ysaÿe siguen siendo pilares fundamentales del repertorio para violín. A los 21 años se convirtió en concertino de la Orquesta de la Brasserie Bilse, precursora de la Filarmónica de Berlín, y dos años después inició su carrera como solista. Pedagogo entregado, impartió clases en el Conservatorio de Bruselas (1886-1897), además de clases particulares, y organizó conciertos de música sinfónica y de cámara, fundando el Cuarteto Ysaÿe, la Orquesta de Conciertos Ysaÿe con sus alumnos y la Sociedad de Conciertos Ysaÿe.

En su primera gira por Estados Unidos en 1894, debutó en Cincinnati con el coro masculino Orpheus Club en la Ópera Pike el 22 de noviembre. Su interpretación del Tercer Concierto de Saint-Saëns y un bis de la Mazurka de Carzyki fue un gran éxito. Conscientes de la popularidad de Ysaÿe, la junta fundadora, compuesta íntegramente por mujeres, de la Asociación de la Orquesta de Cincinnati se constituyó el 11 de abril de 1894 y lo contrató de inmediato para actuar con la Orquesta Sinfónica de Cincinnati (CSO). Regresó para actuar durante la temporada inaugural de la orquesta, en 1895. Fue recibido con entusiasmo interpretando obras de Mendelssohn y Wieniawski el 21 de febrero y de Bruch y Saint-Saëns el 22 de febrero. Antes de la Primera Guerra Mundial, Ysaÿe actuó en Cincinnati diez veces: seis como solista con la Orquesta Sinfónica de Cincinnati (CSO) y cuatro en recitales.

En 1914, Ysaÿe huyó de Bélgica durante la invasión alemana y se trasladó a Londres, donde su compatriota, el artista y escultor Victor Rousseau, creó su busto (una escultura de bronce que aún se exhibe en el Cincinnati Music Hall; véase más abajo). En abril de 1918, Ysaÿe dirigió por primera vez a la Orquesta Sinfónica de Cincinnati (CSO) en los ensayos, tras ser nombrado cuarto director musical del Festival de Mayo. 

Su hijo, Gabriel, también violinista, y su hija Kelly (Carry) vivían con ellos. Ysaÿe fue contratado para dirigir la Orquesta Sinfónica de Cincinnati (CSO) en sus últimos conciertos de la temporada, en sustitución del director musical austriaco Ernst Kunwald.  

 

Ysaÿe dirigió más de 500 obras en cientos de conciertos con la CSO, en programas que incluían principalmente compositores franceses y numerosas composiciones belgas y estadounidenses. Aunque la Orquesta Sinfónica de Chicago (CSO) actuó principalmente en el Auditorio Emery entre 1912 y 1936, Ysaÿe continuó dirigiéndola en el Music Hall para una docena de conciertos del Festival de Mayo (seis en cada una de las temporadas de 1918 y 1920) y 37 de los 40 Conciertos Populares Dominicales.

Obras:

Op.1 – 4 Piezas para violín y piano (1878) – N°1: «Courte Joie», N°2: «Badinage», N°3: «Perdue», N°4. «Retrouvée»
Op.1(a) – Mazurka de Concierto, para violín y piano
Op.2 – Berceuse en mi menor
Op.3 – Suite (cuarta parte inacabada)
Op.4 – Polonesa n.º 1 en mi menor
Op.5 – Polonesa brillante N°2 en re mayor
Op.6 – Vals en mi
Op.7 – Mazurca en sol menor
Op.8 – Escena sentimental
Op.9 – Variaciones sobre el Estudio No. 24 de Paganini
Op.9(a) – 3 Études-Poèmes, para violín y piano
Op.10 – 2 Mazurcas de Salon para violín y piano (1884)
Op.11 – Lointain passé (Mazurca N°3 en si menor para violín y piano)
Op.11(a) – Saltarelle carnavalesco para violín y orquesta
Op.12 – Poème élégiaque para violín y orquesta (1893)
Op.12(a) – Variaciones sobre un tema de Paganini para violín y orquesta (¿Igual que Op.9?)
Op.13 – Au rouet (Poème No.2 para violín y orquesta)
Op.14 – Rêve d’enfant para violín y orquesta (o piano)
Escena en la calle, violín y orquesta
Op.15 – Chant d’hiver (Poema para violín y orquesta)
Op.16 – Meditación para violonchelo y orquesta (¿hacia 1910?)
Op.17 – Éxtasis, op. Op. 17 para violín y orquesta (versión de 1908)
Op. 18 – Estudio n.° 1 para violín y piano
Op. 19 – Estudio n.° 2 para violín y piano
Op. 20 – Berceuse para violín y orquesta
Op. 21 – Extase (Poema n.° 4 para violín y orquesta)
Op. 22 – Sérénade para violonchelo y orquesta (ca. 1910?)
Op. 23 – Les Neiges d’antan para violín y orquesta (1911 o 1914?)
Op. 24 – Divertimento para violín y orquesta
Op. 25 – Exil! Para orquesta de cuerdas de violines y violas
Op. 26 – Amitié (Poema n.° 6 para 2 violines y orquesta)
Op. 27 – 6 Sonatas para violín solo (1923)
Sol menor (dedicada a Joseph Szigeti)
La menor «Obsesión» (dedicada a Jacques Thibaud)
Re menor «Balada» (dedicada a George Enescu)
Mi menor (dedicada a Fritz Kreisler)
Sol mayor (dedicada a Mathieu Crickboom)
Mi mayor (dedicada a Manuel Quiroga)
Op. 28 – Sonata para violonchelo solo
Op. 29 – Poema nocturno (Poema n.° 7 para violín, violonchelo y orquesta)
Op. 30 – Paráfrasis sobre el tema de Mendelssohn para voz y orquesta/piano (partitura reducida para voz y piano publicada por Edition Ysaÿe). Op.30)
Op.31 – Harmonies du soir para cuarteto de cuerdas u orquesta de cuerdas
Op.32 – Fantasía para violín y orquesta
Op.33 – ?
Op.34 – ?
Op.35 – Essai sur le mécanisme moderne du violon (10 preludios para violín solo)
Obras sin número de opus
Andante para violín y orquesta
Berceuse para violín y piano
Caprice d’après l’Étude en forme de valse (Op.52, n.º 6) de Saint-Saëns (ca. 1900)
Concierto después de dos poemas
Concierto para 2 violines y orquesta
Divertimento No.3, para viola solo
Étude posthume, para violín solo
Ejercicios y juegos, violín (Publicado por Schott en 1967)
Introducción, para viola solo
Mazurca para violín y piano
Ouverture sur des thèmes d’Atala (Cantata de Théo Ysaÿe), para orquesta y coro
Petit poème romantique, violín y piano/orquesta (arr. de Gabri Ysaÿe?)
Piére li houïeu (Drame lyrique) (1931) (también conocido como Pierre li Houyeux.)
2 polonesas para violín y piano (¿igual que Op.4 y 5?)
Sonata para dos violines (1915), op. post.
Trío de concierto nº1 «Le Chimay», Violín, Viola y Violonchelo, Op. post. (Este es un boceto de Pierre li Houyeux. Véase WorldCat).
Trío de concierto «Londres», 2 violines y viola, op. post.
Trío de concierto nº2, Violín, Viola y Violonchelo
Quinteto de cuerdas (¿1892?)
Variaciones sobre el Capricho núm. de Paganini. 24, Violín (¿Igual que Op. 9 y Op. 12(a)?)
Conciertos para violín n.° 1-8
Concierto para violín en mi mayor (¿1884?)
Poema concertante, Concierto para violín y orquesta en sol menor (¿uno de los dos que se conservan de los ocho escritos?)
Arreglos/Transcripciones/Ediciones de Eugène Ysaÿe
Chopin – Balada n.° 1, Op. 23, arreglada para violín y piano por Ysaÿe
Chopin – Vals en mi menor (Valse en Mi mineur), B. 56, arreglado para violín y piano por Ysaÿe
Chopin – Fantasía Impromptu (Impromptu n.° 4) en do sostenido menor, Op. 66, arreglada para violín y piano por Ysaÿe
Chopin – Ocho valses (8 valses), arreglados para violín y piano por Ysaÿe
N.° 1 en La mayor (Chopin – Op.34 No.1)
No.2 en Fa# mineur (Op.70 No.2)
No.3 en La mineur (Op.34 No.2)
No.4 en La majeur (Op.64 No.3)
No.5 en Ré mineur (Op.64 No.2)
No.6 en La b majeur (Op.69 No.1)
No.7 en Mi b majeur (Op.64 No. 1)
No.8 en Mi mineur (Vals en mi menor)
Campenhout – La Brabançonne arreglada para orquesta por Ysaÿe (1918)
Leclair – Concierto para violín en re menor Op.7 No.1 arreglado para violín, orquesta de cuerdas y piano (u órgano) de Ysaÿe
Repertorio clásico y moderno del violín
N° 1 – Nardini: Sonata en Ré mayor
No. 2 – Chopin: Valse es Mi mineur
No. 3 – Händel: Aria
N° 4 – Bach: Aria

 

Eugène Ysaÿe, demostró ideas musicales novedosas para violín. No solo fue reconocido por sus virtuosas interpretaciones, sino que, como músico, demostró técnicas de composición innovadoras, al incorporar las tradiciones musicales de la escuela franco-belga de violín. Inspirándose en Bach para sus sonatas, Ysaÿe incorpora el legado musical y añade sus técnicas virtuosas, incluyendo dobles cuerdas, cromatismo, contrastes dinámicos y el fraseo franco-belga, que resaltaba momentos clave en la línea melódica. 
Human head with brain showing neural activity and 160 Hz and 170 Hz brainwave frequencies

Ondas binaurales – usos y efectos

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¿Has oído hablar sobre las ondas binaurales? Los estímulos sonoros o determinados sonidos pueden tener efectos sobre nuestro cerebro, eso parece obvio. Las así llamadas «ondas binaurales» son literalmente dos sonidos, generalmente producidos en acordes prolongados en intervalos de segundas. Pero, ¿qué tienen de particular y por qué son tan populares? Según expertos, el cerebro humano suele tener un patrón rítmico. Nuestro bienestar físico y emocional se ve muy afectado por el sonido. El cerebro genera una experiencia sonora conocida como ritmos binaurales, que pueden influir en los procesos psicológicos y la función cerebral.

Ya en 1839, H. W. Dove describió por primera vez el fenómeno y esto llevó al inicio de la investigación sobre los ritmos binaurales. Sin embargo, debido a que se trata de una reacción perceptiva a estímulos producidos artificialmente y que no se dan en entornos naturales, la investigación sobre los ritmos binaurales se abandonó durante mucho tiempo hasta que Gerald Oster explicó el fenómeno con mayor detalle. Además, enfatizó la utilidad que la estimulación con ritmos binaurales puede tener en la vida real. Asimismo, su naturaleza no invasiva, su bajo costo, su facilidad de implementación y su capacidad para mejorar las habilidades cognitivas sin entrenamiento previo hacen de los ritmos binaurales una opción atractiva para su uso práctico.

A partir de estudios posteriores realizados en España, ha podido conocerse que (González Velasco) «Tanto las neuronas de la oliva lateral superior como las de la oliva medial superior son neuronas biaurales, es decir, reciben información procedente de ambos oídos. Los estímulos de ambos oídos llegan a las neuronas de la oliva lateral de forma simultánea y por ello presentan una respuesta excitatoria con aumento de la actividad cuando se estimula el oído ipsilateral, y una respuesta inhibitoria con disminución de la actividad cuando se estimula el oído contralateral y respuestas concretas a diferencias interaurales de intensidad». Además, «Las células ciliadas en el órgano corti realizan una función muy precisa ya que son los transductores mecanoeléctricos que transforman la energía mecánica de la onda sonora en energía bioeléctrica, el mensaje auditivo neural que alcanzará la corteza cerebral mediante la vía auditiva.»
Lo que este estudio quiere demostrar es que con la aplicación de estímulos auditivos complejos de forma diferenciada a cada oído, se puede inducir un aumento de la actividad cerebral.

 

Tipos de ondas y sus efectos

Los estudios que evalúan la atención y los ruidos cerebrales han utilizado una variedad de frecuencias de ruido cerebral, incluyendo:
Delta (0,5–4 *Hz): Se investiga para la inducción del sueño profundo, el control del dolor y la recuperación mental.
Theta (4–8 Hz): Se estudia para potenciar la meditación, la creatividad y el sueño REM. Algunos estudios muestran que las ondas theta de 6 Hz a 7 Hz pueden ayudar a reducir la ansiedad y el dolor.
Alfa (8–13 Hz): Se centra en la relajación y la reducción de la ansiedad.
Beta (13–30 Hz): Se investiga para mejorar la concentración, el estado de alerta y la función cognitiva, especialmente en estudios sobre la atención.
Gamma (40 Hz): Aumentar la concentración y realizar tareas

Advertencia: No usar ondas de sonido de menos de 20Hz como tratamiento, puede ser perjudicial

Posibles efectos negativos

No obstante, aunque la investigación sugiere que los ritmos binaurales pueden mejorar las funciones de la memoria, especialmente en las frecuencias beta, hay algunos estudios que no muestran efectos o incluso impactos negativos en la memoria. Si bien los ritmos binaurales pueden reducir los síntomas de depresión y ansiedad en algunos casos, la evidencia sobre su eficacia es contradictoria. En general, aunque muestran potencial para beneficios cognitivos y emocionales, las respuestas individuales varían significativamente.

Los ritmos binaurales, a menudo denominados «fármacos digitales», podrían tratar eficazmente los trastornos neuropsiquiátricos si se valida su eficacia. Su accesibilidad y mínimos efectos secundarios los hacen atractivos, pero persisten importantes inconsistencias en la investigación. Se necesitan más estudios rigurosos para aclarar sus beneficios para la ansiedad, los trastornos del estado de ánimo y las funciones cognitivas.

Sin duda el uso de sonidos con el fin de mejorar nuestra capacidad cognitiva parece algo fantástico, pero aun hay mucho que estudiar sobre sus posibles efectos, por lo que es aconsjable utilizar los sonidos binaurales con la supervisión o consulta previa a un especialista en materia de neurología o psiquiatría.

Armas sónicas

Tras las protestas en Serbia se supo que las autoridades usaron armas sónicas contra civiles, las cuales les provocaron diferentes síntomas tales como náuseas, dolor de cabeza y una especie de malestar general. Los principales tipos de armas sónicas incluyen (Wikipedia):

  • Dispositivos Acústicos de Largo Alcance (LRAD): Conocidos como «cañones de sonido», emiten sonidos extremadamente fuertes (hasta 136-150 dB) en un haz direccional, causando dolor, desorientación y daño auditivo temporal.
  • Armas Infrasónicas: Utilizan frecuencias inferiores a 20 Hz, inaudibles para el oído humano, pero que pueden vibrar órganos internos, provocando náuseas, vómitos, dolor de cabeza y problemas neurológicos.
  • Armas Ultrasónicas: Utilizan frecuencias superiores a 20 kHz, afectando el sistema vestibular y causando molestias intensas o desorientación.
  • Balas Sónicas/Bazucas de Ruido: Dispositivos portátiles o montados en vehículos diseñados para dirigir ráfagas de ruido intenso hacia blancos específicos.

 

*Vibraciones por segundo

 

Fuentes:

  • TESIS DOCTORAL: INFLUENCIA DE LA ESTIMULACIÓN SONORA BINAURAL EN LA GENERACIÓN DE ONDAS CEREBRALES. ESTUDIO ELECTROENCEFALOGRÁFICO – PEDRO MIGUEL GONZÁLEZ VELASCO
  • Binaural beats to entrain the brain? A systematic review of the effects of binaural beat stimulation on brain oscillatory activity, and the implications for psychological research and intervention – Ruth Maria Ingendoh 1,*, Ella S Posny 1, Angela Heine 1 Editor: Vilfredo De Pascalis2
    PMCID: PMC10198548 PMID: 37205669
  • National Library of Medicine: https://pmc.ncbi.nlm.nih.gov/articles/PMC10198548/
  • The Science Behind Binaural Beats: Can Sound Ease Anxiety and Boost Your Brain?
    Sina Soltan Lake Forest College Illinois 60045 https://www.lakeforest.edu/Public/Eukaryon/Volume%2021/vol21_036_review.pdf
  • Psicología de la música y emoción musical – JOSEFA LACÁRCEL MORENO, Universidad de Murcia

Grandes violinistas – Joseph Bologne, Caballero de Saint-Georges

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Joseph Bologne, Caballero de Saint-Georges, fue considerado como un hombre destacado de su época. No solo fue uno de los músicos más importantes de París durante el período prerrevolucionario, sino que también fue un magnífico atleta y hombre de armas.
Entre los expertos en esgrima, Saint-Georges era considerado el mejor espadachín de Europa, poseedor de una velocidad, flexibilidad y gracia extraordinarias, cualidades que también demostró con creces como violinista. La combinación de artista, atleta y hombre de acción —pues también ocupó puestos militares durante el período revolucionario— es única en la historia de la música, y su figura es apenas menos extraordinaria que la fenomenal gama de sus talentos.
Investigaciones recientes han establecido que su padre fue George de Bologne Saint-Georges, antiguo gentilhombre de cámara del rey e importante hacendado de Basse-Terre, Guadalupe. George era hijo de Pierre de Bologne, un adinerado colono y mayor del regimiento de Lonvilliers en Guadalupe.

Se cree que George Bologne de Saint-Georges fue exiliado en Saint-Domingue (Haití) debido a que participó en una pelea en la que falleció un hombre. Joseph nació mientras su padre se encontraba en el exilio. Dos documentos oficiales del período revolucionario, de puño y letra de Joseph, indican su fecha de nacimiento como (Navidad) de 1748. Su madre Nanon, era esclava de origen senegalés.
George llevó a su hijo ilegítimo y a su madre a Francia, al mismo tiempo que su esposa. Que tal acto se basara en el afecto hacia el niño y posiblemente hacia su madre, lo confirman acontecimientos posteriores. George permitió a Joseph usar el apellido familiar —prueba de que reconocía su paternidad— y pagó por su educación. Es probable que Joseph diera muestras de sus precoces dotes a una edad muy temprana, incluso antes de que la familia regresara a Francia. Su padre optó por llevarlo a Francia, donde tendría mayores oportunidades y sufriría menos prejuicios manifiestos.
George contrató tutores privados para preparar a su hijo para el ingreso a una institución educativa regular y para asegurarse de que pudiera relacionarse con facilidad con los miembros de la clase aristocrática a la que pertenecía. La mañana la dedicaba a su educación y el resto del día lo pasaba en el gimnasio. A los quince años, había progresado tan rápido que podía vencer a los tiradores más fuertes. A los diecisiete, había desarrollado velocidad.


Los primeros relatos sobre la vida de Saint-Georges afirman que primero estudió violín con un tal Platón, administrador de las propiedades de su padre y más tarde, en Francia, tomó clases con Leclair y posiblemente con Lolli. Sin duda, mantuvo una estrecha relación profesional con Gossec y, de hecho, el compositor podría haberle dado clases de composición en algún momento. El padre de Saint-Georges fue un notable mecenas de músicos y recibió dedicatorias de varios compositores, entre ellos el violinista italiano Antonio Lolli y Carl Stamitz. En 1770, este último dedicó sus Seis Cuartetos Orquestales Op. 1. Joseph también recibió varias dedicatorias en su juventud, en particular los dos Conciertos para violín, Op. 2, de Lolli (1764), y los Seis Tríos, Op. 9, de Gossec:. El hecho de que dos compositores tan distinguidos decidieran dedicarle obras mucho antes de su vigésimo cumpleaños habla mucho de la reputación de Saint-Georges.



La carrera musical de Saint-Georges comenzó a finales de la década de 1760. En 1769 se unió al Concert des Amateurs como concertino ( y director). Esta orquesta acababa de formarse bajo la dirección de Gossec gracias al apoyo de mecenas como el barón d’Ogny y, quizás, el padre de Saint-Georges. Las doce funciones semanales de los Amateurs tenían lugar de diciembre a marzo en la casa de Charles de Rohan-Rohan, príncipe de Soubise y Epinoy. Los conciertos eran de suscripción abierta y presentaban principalmente música nueva, en particular sinfonías, conciertos y sinfonías concertantes. Cuando Gossec dejó los Amateurs en 1773 para hacerse cargo del Concert Spirituel, Saint-Georges, a los veinticuatro años, lo sucedió como director de la orquesta. La orquesta, inusualmente numerosa para la época, con hasta 76 músicos y 40 violines, alcanzó gran prestigio durante los ocho años que Saint-Georges dirigió, y fue esta orquesta, y no el Concert Spirituel, la que dio a conocer las sinfonías de Haydn al público parisino.


Saint-Georges debutó como solista en público con el Concert des Amateurs en 1772, interpretando sus dos Conciertos para violín Op. 2. Según el Mercure de France, las obras «recibieron una aclamación entusiasta, tanto por su excelente ejecución como por la propia composición». En 1775, dos años después de la publicación del Op. 2, el editor Bailleux adquirió los derechos de autor durante seis años sobre los futuros conciertos de Saint-Georges.


Para 1775, Saint-Georges ya estaba tan consolidado como compositor, solista y director de orquesta que fue considerado para el puesto de director artístico de la Real Academia de Música de la Ópera. La nominación de Saint-Georges fracasó ante la fuerte oposición de algunas de las artistas femeninas de la Ópera, incluyendo a las famosas cantantes Sophie Arnould y Rosalie Levasseur, quienes dirigieron una petición a la Reina para rogarle que su honor y la delicadeza de su conciencia les impidieran someterse a las órdenes de un mulato.



No sabemos cómo reaccionó Saint-Georges ante una discriminación tan evidente, pero debió de ser un recordatorio devastador de que, por brillantes que fueran sus logros, muchos siempre lo considerarían un mestizo.


En 1777, Saint-Georges debutó como compositor de ópera con Ernestine en la Comédie-Italienne. La afiliación de Saint-Georges con el duque de Orleans iba más allá de la música, y este lo puso a cargo de su séquito de caza en su sede de Le Raincy.


Tras la disolución de los Amateurs en enero de 1781, probablemente debido a problemas económicos, Saint-Georges fundó el Concert de la Loge Olympique, la orquesta para la que el conde de Ogny encargó a Haydn la composición de su brillante conjunto de seis sinfonías «Parisinas». Saint-Georges actuó como intermediario y, según el erudito estadounidense Barry S. Brook, incluso viajó. Viajó a Austria para conocer al compositor más famoso de Europa. Saint-Georges ensayó las seis sinfonías y dirigió sus triunfales estrenos a finales de 1787.


En los años inmediatamente anteriores a la revolución, Saint-Georges se encontraba en la cúspide de su fama como compositor e intérprete. Aún no había alcanzado un gran éxito con una obra teatral, aunque La fille-garçon tuvo una acogida razonable. Su producción musical fue constante, pero no fue en absoluto un compositor prolífico para los estándares habituales del siglo. Sin duda, sus otras actividades le impidieron dedicar la mayor parte de su tiempo a la composición. Saint-Georges seguía activo como espadachín e hizo varios viajes a Londres para participar en combates de exhibición, incluso en 1787, cuando la temporada de conciertos estaba en su apogeo.

Regresó a París en 1790, pero al encontrar la situación insatisfactoria, emprendió una gira por el norte de Francia con la joven actriz Louise Fusil y el trompista Lamothe.


La última década de la vida de Saint-Georges estuvo marcada por la revolución. Al ser mestizo, tenía mayores derechos legales que un esclavo, pero a pesar de su nombre y su fama, se le negarían para siempre los privilegios de un hombre blanco. Incluso el matrimonio le estaba prohibido en la Francia prerrevolucionaria. Cuando la revolución proclamó la igualdad de todos los hombres el 26 de agosto de 1789, Saint-Georges abrazó su causa y decidió ofrecer sus servicios al ejército revolucionario en cuanto surgió la oportunidad.

En junio de 1791, la Asamblea ordenó el reclutamiento inmediato de 91.000 voluntarios en las filas de la Guardia Nacional en toda Francia. Saint-Georges fue uno de los primeros en alistarse en Lille. Como brillante jinete, hombre de armas y antiguo miembro de la Guardia Real, Saint-Georges debió ser un recluta muy bienvenido. Trabajó arduamente para convertir a sus tropas en una unidad de combate bien entrenada, pero aún encontraba tiempo ocasionalmente para actividades musicales.


En septiembre de 1792, la Asamblea decretó la formación de un cuerpo de tropas ligeras compuesto por hombres de color y compuesto por 1.000 soldados, de los cuales 800 eran soldados de infantería y 200 montados. Saint-Georges tuvo sus detractores y finalmente fue denunciado por comportamiento no revolucionario, relevado del mando y encarcelado durante 18 meses. Tras un largo y complejo proceso de apelación, fue liberado, pero no restituido en el mando, a pesar del abrumador apoyo de sus hombres y oficiales subalternos.


Saint-Georges regresó por un tiempo a Saint-Domingue, donde se libraba una feroz guerra civil entre las fuerzas revolucionarias y quienes deseaban restaurar el antiguo orden, incluyendo la reintroducción de la esclavitud. Saint-Georges quedó profundamente decepcionado por lo que vio en Saint-Domingue y regresó a Francia desilusionado. En 1797 intentó reincorporarse al ejército.


Saint-Georges falleció el 12 de junio de 1799 debido a una enfermedad de vejiga. Su muerte fue reportada en la prensa, pero se desconoce el lugar de su entierro.

Óperas y Teatro Musical
Ernestine (1777)
La Caza (1778)
El Amante Anónimo (1780)
El Derecho del Señor
El Niño-Niña (1787)
Obras Orquestales
Sinfonías Concertantes (Opus 9 y 10): Destacan las obras en Do mayor (Op. 9, n.º 1) y en La mayor (Op. 9, n.º 2).
Conciertos para violín: Varios en Sol mayor, Re mayor, etc.
Sinfonías: Se menciona una sinfonía en Sol mayor (Op. 11, n.º 1).
Música de Cámara
Seis Cuartetos Concertantes (Opus 14).
Sonatas: Para violín y acompañamiento (algunas publicadas por Pleyel), y para flauta y piano.
Adagio para piano.
Obras Vocales
Colecciones de arias y dúos con orquesta.


A continuación puedes escuchar varias obras compuestas por Le Chevalier de Saint-Georges:


Concierto N. 2 en La Mayor, Opus 5, II parte

Concierto para violín en Sol mayor N.2, Opus 8, allegro

¿Cuántos violines Stradivarius existen?

Publicado el por Mila Emilova Sivova1 Comentario

A pesar de su fama, el número exacto de violines Stradivarius auténticos que existen hoy en día sigue siendo un misterio. Los expertos han documentado y catalogado tantos instrumentos Stradivari como ha sido posible, desde los que se encuentran en museos hasta los que tocan los profesionales y los que poseen coleccionistas privados.

Como podrás comprobar, estos preciados instrumentos pueden tener una historia turbulenta. Muchos se han extraviado, algunos han sido robados y otros han sucumbido al paso del tiempo.

¿Qué es un violín Stradivarius?

Un instrumento Stradivarius es un violín, viola, violonchelo u otro instrumento de cuerda fabricado por Antonio Stradivari o algún otro miembro de su familia. Stradivari fue un reconocido lutier de los siglos XVII y XVIII.

¿Por qué los instrumentos Stradivarius son tan famosos ?

Se cree que Antonio Stradivari produjo entre 1100 y 2000 instrumentos a lo largo de su vida. De estos, 960 fueron violines. Se estima que actualmente entre 450 y 500 de sus violines aún sobreviven. A continuación te mostramos la información sobre algunos de ellos:

Nombre de violín y año de fabricaciónActual dueño
Ex-Back 1666Real Academia de Música. Actualmente expuesto como parte de la Colección York Gate de la Real Academia.
Dubois 1667Fundación Canimex. En préstamo a Alexandre da Costa.
Aranyi 1667Francis Aranyi (coleccionista). Vendido en Sotheby’s Londres el 12 de noviembre de 1986.
Ex-Capitán Saville 1667Jean-Baptiste Vuillaume/Capitán Saville (1901-1907)
Amatese 1668Aunque aparece en muchos libros de referencia como uno de los primeros instrumentos de Stradivarius, el consenso actual es que en realidad no es un violín Stradivarius. Fue vendido en Sotheby’s Nueva York el 3 de febrero de 1982 como «un violín interesante».
Oistrakh 1671David Oistrakh. Robado del Museo de Cultura Musical de Rusia en mayo de 1996, pero recuperado en 2001.
Sellière 1672Carlos IV de España.
Spanish 1677Fundación Cultural Finlandesa. En préstamo a Elina Vähälä.
Hellier 1679Smithsonian Institution
Paganini-Desaint
1680		Fundación Musical Nippon. Este violín, junto con el violín Paganini-Comte Cozio di Salabue de 1727, la viola Paganini-Mendelssohn de 1731 y el violonchelo Paganini-Ladenburg de 1736, componen un grupo de instrumentos conocido como el Cuarteto Paganini. En préstamo a Kikuei Ikeda del Cuarteto de Cuerdas de Tokio
1680Colección del Sr. y la Sra. Rin Kei Mei
1681 Reynier o Conde de Chesnais.Propiedad de Lyon & Healey en 1949. Anteriormente propiedad de Napoleón III, Leon Reynier y el Conde de Chesnais.
Fleming 1681Stradivari Society, prestado habitualmente a Cecily Ward
Bucher 1683Su ubicación actual se desconoce
Cipriani Potter 1683Ashmolean Museum, Oxford
Cobbett; ex-Holloway 1683.En préstamo a Sejong, gestionado por la Stradivari Society
ex-Croall 1684WestLB
ex-Elphinstone 1684Colección privada
ex-Arma Senkrah 1685Stradivari Society
ex-Castelbarco 1685Sala de Música de la Real Biblioteca del Palacio, en Madrid
Goddard 1686Srta. Goddard; Antonio Fortunato
Ole Bull 1687Ole Bull (1844); Donado a la Institución Smithsonian en 1997 por Herbert R. Axelrod. Actualmente forma parte del cuarteto Axelrod
Mercur-Avery 1687Cedido en préstamo a Jonathan Carney, concertino de la Orquesta Sinfónica de Baltimore desde 2002
1688Colección del Sr. y la Sra. Rin Kei Mei
Auer 1689 Cedido en préstamo a Vadim Gluzman, gestionado por la Sociedad Stradivari.
Arditi 1689Dextra musica AS, Noruega. Cedido en préstamo a Elise Båtnes, concertino de la Filarmónica de Oslo.
Baumgartner 1689Consejo Canadiense para las Artes. Cedido en préstamo a Judy Kang.
Español I 1689Patrimonio Nacional, Palacio Real, Madrid, España. Fechas comprendidas entre 1687 y 1689. Integrante de un par de violines (Españoles I y II) conocido como los Decorados y los Palatinos; también denominado colectivamente como el Cuarteto Real cuando se incluía con la viola (1696) y el violonchelo (1694) de la Corte Española.
Español II, 1689Patrimonio Nacional, Palacio Real, Madrid, España (fecha aproximada: 1687-1689); integrante de un par de violines (Españoles I y II) conocido como los Decorados y los Palatinos; también denominado colectivamente como el Cuarteto Real cuando se incluía con la viola (1696) y el violonchelo (1694) de la Corte Española
Bingham 1690Propietario desconocido
Bennett 1692Winterthur-Versicherungen En préstamo a Hanna Weinmeister
Falmouth 1692En préstamo a Leonidas Kavakos
Gould 1693Museo Metropolitano de Arte Legado de George Gould al Museo Metropolitano en 1955
Harrison 1693Richard Harrison; Henry Hottinger; Kyung-wha Chung en la colección del Museo Nacional de Música
Baillot-Pommerau 1694Anteriormente propiedad de Arthur Catterall, luego de Alfredo Campoli
Rutson 1694Royal Academy of Music, cedido en préstamo a Clio Gould
Fetzer 1694Propietario desconocido desde 1965
1697Edvin Marton Dima Bilan, junto con Evgeni Plushenko y Edvin Marton tocando su Stradivarius, ganó el Festival de la Canción de Eurovisión 2008
Cabriac 1698Dueño desconocido
Baron Knoop 1698Uno de los once violines Stradivarius asociados al barón Johann Knoop
Joachim 1698Royal Academy of Music
Duc de Camposelice 1699Ubicación actual desconocida
Lady Tennant; Lafont 1699Charles Phillipe Lafont/Marguerite Agaranthe Tennant; En préstamo a Xiang Gao, intermediado por la Stradivari Society; vendido en subasta en Christie’s por US$2.032 millones, abril de 2005
Longuet 1699Museo Victoria and Albert (V&A) en Londres
Condesa Polignac 1699En préstamo a Gil Shaham
Castelbarco 1699Biblioteca del Congreso. Donado por Gertrude Clarke Whittall
Kustendyke 1699Royal Academy of Music
Crespi 1699Royal Academy of Music
The Penny 1700Barbara Penny
Dragonetti 1700Fundación Musical Nippon. Anteriormente propiedad de Alfredo Campoli
Jupiter 1700Giovanni Battista Viotti
Markees 1701En 2003 adquirido por la Music Chamber of Hong Kong y cedido en préstamo al concertino de la Filarmónica de Hong Kong, Leung Kin-fung.
En 2008, fue vendido de forma privada por Sotheby’s a un coleccionista americano, y posteriormente fue vendido de nuevo por la casa de subastas Ingles & Hayday en 2019, actual dueño desconocido.
Irish 1702Pohjola Bank Art Foundation, Finlandia, cedido a Antti Tikkanen
Conde de Fontana; ex-Oistrach 1702David Oistrakh (1953-1963); Ricardo Brengola; El primer violín de la Fundación Pro Canale Oistrakh; cedido a Mariana Sirbu
Lukens; Edler Voicu 1702A.W. Lukens; Jon Voicu; Ministerio de Cultura de Rumanía, en préstamo a Alexandru Tomescu hasta 2012
Rey Maximiliano José, 1702Perteneciente a grupo anónimo de inversores en Chicago
Lyall, 1702Colección privada
Antonio Stradivari, 1703República Federal de Alemania, en exhibición en el Museo de Instrumentos Musicales de Berlín
La Rouse Boughton, 1703Banco Nacional de Austria, en préstamo a Boris Kuschnir del Cuarteto Kopelman
Lord Newlands, 1702Fundación Musical Nippon, en préstamo a Toru Yasunaga
Allegretti, 1703Perteneciente a colección privada
Alsager, 1703Parte de la colección del Museo Nacional de Historia Americana del Smithsonian y parte de la colección del Cuarteto Axelrod.
Lady Harmsworth, 1703Paul Bartel, en préstamo a Kristof Barati, gestionado por la Sociedad Stradivari
Emiliani, 1703Anne-Sophie Mutter
ex-Foulis, 1703en préstamo a Karen Gomyo
Betts 1704Biblioteca del Congreso de EE. UU. Donado por Gertrude Clarke Whittall
La ​​Bella Durmiente 1704L-Bank Baden-Wurtemberg, cedido en préstamo a Isabelle Faust. Uno de los pocos violines Stradivarius que conserva el mástil original.
Ex-Marsick; ex-Oistrach 1705David Oistrach adquirido en trueque por Oistrach por el Conde de Fontana de 1702
«Ex-Tadolini» 1706Colección del Sr. y la Sra. Rin Kei Mei
Ex-Brüstlein 1707Banco Nacional de Austria
La Catedral 1707Actual dueño desconocido, anteriormente prestado a Nigel Kennedy en la década de 1980 y a Tamaki Kawakubo
Hammer 1707Christian Hammer (coleccionista) vendido en Christie’s Nueva York el 16 de mayo de 2006 por la cifra récord de 3.544.000 dólares estadounidenses (2.765.080 euros) tras cinco minutos de puja
Burstein; Bagshawe, 1708Propiedad de la familia Jacobs, cedido en préstamo a Jeff Thayer, concertino de la Orquesta Sinfónica de San Diego.
Huggins, 1708Fundación Musical Nippon, cedido en préstamo a Sergey Khachatryan.
Ruby, 1708Cedido en préstamo a Chen Xi por la Sociedad Stradivari.
Strauss, 1708Cedido en préstamo a Chee-Yun por la Sociedad Stradivari.
Greffuhle, 1709Donado a la Institución Smithsonian en 1997 por Herbert R. Axelrod. Actualmente forma parte del Cuarteto Axelrod.
Hochschule de Berlín, 1709Su actual ubicación se desconoce. Fue robado durante la época nazi
Hammerle; ex-Adler 1709Banco Nacional de Austria cedido a Werner Hink
Ernst 1709Cedido a Zsigmondy Dénes hasta 2003
Engleman 1709Fundación Musical Nippon cedido a Lisa Batiashvili
Rey Maximiliano; Unico 1709Fundación Axel Springer cedido a Michel Schwalbé, concertino de la Filarmónica de Berlín (1966-1986); denunciado como robado en 1999
Viotti; ex-Bruce 1709Royal Academy of Music adquirido en 2005 por 3,5 millones de libras esterlinas
Marie Hall 1709Giovanni Battista Viotti / Colección Chi-Mei; Nombrada en honor a la violinista Marie Hall
Ex-Kempner 1709Cedido en préstamo a Soovin Kim
Camposelice 1710Fundación Musical Nippon, cedido en préstamo a Kyoko Takezawa
Lord Dunn-Raven 1710Anne-Sophie Mutter
Ex-Roederer 1710Cedido en préstamo a David Grimal
Ex-Vieuxtemps 1710Cedido en préstamo a Samuel Magad, concertino de la Orquesta Sinfónica de Chicago
La Lady Inchiquin 1711Anteriormente propiedad de Fritz Kreisler, utilizado por Frank Peter Zimmermann. La compañía bancaria alemana WestLB AG la adquirió para su uso.
Conde de Plymouth; Kreisler 1711Filarmónica de Los Ángeles, encontrada en un almacén de la finca del Conde de Plymouth junto con los violines El Mesías y Alard en 1925; Adquirido por Fritz Kreisler en 1928 y posteriormente vendido por él en 1946
Liegnitz 1711anteriormente propiedad de Szymon Goldberg
Le Brun 1712Niccolò Paganini; Charles Le Brun; Otto Senn; vendido en subasta de Sotheby’s el 13 de noviembre de 2001
Karpilowsky 1712Harry Solloway, desaparecido: robado en 1953 de la residencia de Solloway en Los Ángeles
Schreiber
1713		Subastado por la casa de subastas Tarisio, propietario actual desconocido
Antonio Stradivari 1713
Boissier 1713Conservatorio Superior de Música de Madrid
Daniel 1713Cedido a Jhon Paul Reynols
Gibson; ex-Huberman 1713Bronisøw Huberman; Robado dos veces a Huberman, Joshua Bell
Lady Ley 1713 StradivariusAdquirida ahora por Jue Yao
Wirt 1713Colección privada
Delfino 1714Jascha Heifetz; Fundación Musical Nippon , cedido a Akiko Suwanai
Soil 1714 Amédée SoilYehudi Menuhin; Itzhak Perlman. Protagonista de la misión «La canción de Agatha» en el videojuego Fallout 3.
Ex-Berou; Ex-Thibaud 1714Se desconoce su actual ubicación
Le Maurien 1714Desaparecido: robado en 2002
Leonora Jackson 1714Propiedad de Bill y Judy Sloan de Los Ángeles, prestado a varios violinistas, incluyendo a Philip Setzer del Emerson String Quartet y Jan Talich del Talich String Quartet.
Sinsheimer; General Kyd; Perlman 1714Itzhak Perlman / David L. Fulton
Smith-Quersin 1714Österreichische Nationalbank, cedido a Rainer Honeck
Alard-Baron Knoop 1715Su ubicación actual se desconoce
Barón Knoop; ex-Bevan 1715Su ubicación actual se desconoce
Ex-Bazzini 1715Fue exhibido en el Palacio del Gran Maestre en La Valeta, Malta, en una ocasión
Cremonese; ex-Harold, Joseph Joachim 1715Municipio de Cremona
Duque de Cambridge; Ex-Pierre Rode 1715ONG «Yellow Angel», cedido a Ryu Goto
Joachim 1715Fundación Musical Japonesa, cedido a Sayaka Shoji
Lipinski 1715Cedido al concertino de la Orquesta Sinfónica de Milwaukee, Frank Almond
Ex-Marsick 1715Cedido a James Ehnes
Titian 1715Jacob Lynam
Cessole 1716Museo Ashmolean, Oxford
Berthier 1716Barón Vecsey de Vecse; Franco Gulli
Booth 1716Fundación Musical Japonesa, cedido a Shunsuke Sato; anteriormente cedido a Arabella Steinbacher; anteriormente prestado a Julia Fischer
Colossus 1716Robado y desaparecido en 1998
Duranti 1716Mariko Senju
Monasterio 1716Cyrus Forough
Provigny 1716Se desconoce su actual ubicación
Mesías-Salabue 1716Museo Ashmolean de Oxford, en exhibición
Ex-Windsor-Weinstein; Fite 1716Consejo de las Artes de Canadá en préstamo a Caroline Chéhadé
Baron Wittgenstein 1716Estado búlgaro en préstamo a Mintcho Mintchev desde 1979
Gabriel 1717No tiene ubicación fija
Ex-Wieniawski 1717Donado a Ontario Heritage Foundation
Kochanski 1717Pierre Amoyal Robado en 1987, recuperado en 1991
Sasserno 1717Fundación Musical Nippon en préstamo a Viviane Hagner
Viotti; Ex-Rosé 1718Giovanni Battista Viotti / Banco Nacional de Austria, en préstamo a Volkhard Steude
Chanot-Chardon 1718Timothy Baker / Joshua Bell; con forma de guitarra; actualmente en préstamo a Simone Lamsma
Pájaro de fuego; Ex-Saint Exupéry 1718Salvatore Accardo
Marquis de Riviere 1718Daniel Majeske: tocado mientras era concertino de la Orquesta de Cleveland de 1969 a 1993.
San Lorenzo 1718Georg Talbot, cedido a David Garrett mientras se reparaba su Guadagnini.
Ex-Conde Vieri, 1718Colección del Sr. y la Sra. Rin Kei Mei.
Lauterbach, 1719Johann Christoph Lauterbach; J.B. Vuillaume; Charles Philippe Lafont
Madrileño, «el ángel» 1720Stradivarius Art & Sound company
Von Beckerath, 1720Michael Antonello.
Sinsheimer; Iselin, 1721Denunciado como robado cerca de Hannover, Alemania, en 2008; recuperado en 2009.
Lady Blunt, 1721Paolo Stradivarius, llamado así en honor a Lady Anne Blunt, hija de Ada Lovelace y nieta de Lord Byron.
Jean-Marie Leclair, 1721Jean-Marie Leclair; cedido en préstamo a Guido Rimonda.
Mendelssohn rojo, 1721Familia Mendelssohn / Elizabeth Pitcairn; fuente de inspiración para la película de 1998, El violín rojo.
El Macmillan 1721En préstamo a Ray Chen a través de Young Concert Artists
Artot 1722Adquirido en subasta privada
Jules Falk 1723Viktoria Mullova
Jupiter; ex-Goding 1722Fundación Musical Japonesa, en préstamo a Daishin Kashimoto; anteriormente Midori Goto
Laub-Petschnikoff 1722Fundación Musical Japonesa
Elman 1722Museo Chi Mei
Cádiz 1722Joseph Fuchs en préstamo a Jennifer Frautschi
Kiesewetter; «Ex Keisewetter» 1723Clement y Karen Arrison, en préstamo a Philippe Quint, gestionado por la Stradivari Society. Quint lo dejó olvidado en un taxi el 21 de abril de 2008 y lo recuperó al día siguiente.
Earl Spencer 1723en préstamo a Nicola Benedetti
Le Sarasate 1724Museo de la Música, París Legado al Conservatorio por Pablo de Sarasate
Brancaccio 1725Propiedad de Carl Flesch hasta 1928, cuando fue vendido a Franz von Mendelssohn, banquero y violinista aficionado. Destruido en un bombardeo aliado sobre Berlín.
Chacona 1725Banco Nacional de Austria En préstamo a Rainer Küchel
Leonardo da Vinci 1725Familia Da Vinci
Wilhelmj 1725Fundación Musical Japonesa, en préstamo a Baiba Skride
Greville; Kreisler; Adams 1726Fritz Kreisler
Barón Deurbroucq 1727Barón Deurbroucq (La Haya) (1870); Robert Crawford (Edimburgo);
W.E. Hill & Sons (1902);
Hans Wessely (1903-1926);
David D. Walton (Boston) (1926);
Emil Herrmann (19??-1945);
Fredell Lack (1945-presente)
Barrere 1727Cedido a Janine Jansen por la Stradivari Society
Davidoff-Morini 1727Robado en 1995, desaparecido desde entonces
Ex-General Dupont 1727Arthur Grumiaux, cedido a Jennifer Koh
Holroyd 1727Propiedad de Suntory Limited en Osaka, Japón. Usado por Elmar Oliveira, Andrea Cappelletti, Mayuko Kamio y Gabriel Kameda Koh.
Kreutzer 1727Maxim Vengerov, uno de los cuatro violines Stradivarius con el sobrenombre Kreutzer (1701, 1720, 1731)
«Ex Reynier» o «Le Reynier»; Hart; ex-Francescatti 1727Société LVMH (Moët & Chandon Hennessey Louis Vuitton) desde 1993 o 1994 / Salvatore Accardo. Nombrado en honor a Leon Reynier, ganador del Conservatorio de París en 1847. Ha sido prestado a Maxim Vengerov.
Paganini-Conde Cozio di Salabue 1727Fundación Musical Nippon. Este violín, junto con el violín Paganini-Desaint de 1680, la viola Paganini-Mendelssohn de 1731 y el violonchelo Paganini-Ladenburg de 1736, componen un conjunto de instrumentos conocido como el Cuarteto Paganini; prestado a Martin Beaver del Cuarteto de Cuerdas de Tokio.
Halphen 1727Fundación Privada Angelika Prokopp. Prestado a Eckhard Seifert.
Vesuvius 1727Antonio Brosa / Remo Lauricella / Ciudad de Cremona
A. J. Fletcher; Caballero de la Cruz Roja 1728A. J. Fundación Fletcher lo cedió en préstamo a Nicholas Kitchen del Cuarteto de Cuerdas Borromeo; el instrumento fue fabricado por Omobono Stradivarius
Artot-Alard 1728Endre Balogh. Una réplica de este instrumento fue producida en 1996 por Gregg Alf y Joseph Curtin, utilizando materiales y métodos modernos; Balogh toca tanto el original de 1728 como la réplica
Dragonetti; Milanollo 1728Giovanni Battista Viotti, cedido en préstamo a Corey Cerovsek
Perkins 1728Filarmónica de Los Ángeles, nombrada en honor a Frederick Perkins, anteriormente propiedad de Luigi Boccherini
Benny 1729Jack Benny; legado a la Filarmónica de Los Ángeles por Jack Benny
Solomon, ex-Lambert 1729Murray Lambert / Seymour Solomon; vendido en Christie’s, Nueva York por US$2.728.000 (€2.040.000)
Innes 1729Cedido en préstamo a Eugen Sarbu; anteriormente cedido a Wieniawski
Guarneri 1729Cedido en préstamo por el Consejo Canadiense de las Artes a Nikki Chooi
Real Español 1730Anne Akiko Meyers, que perteneció al Rey de España
Lady Jeanne 1731Fundación Donald Kahn, en préstamo a Benjamin Schmid
Garcin 1731Jules Garcin; Sidney Harth
Heifetz-Piel 1731Rudolph Piel / Jascha Heifetz
Baillot 1732Fondazione Casa di Risparmio, prestado a Giuliano Carmignola para la grabación de DG de Vivaldi: Conciertos para dos violines
Duque de Alcántara 1732Un oscuro noble español descrito como ayudante de campo del Rey Don Carlos; Genevieve Vedder, de la UCLA, donó el instrumento al departamento de música de la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA) en la década de 1960. En 1967, el instrumento fue prestado a David Margetts. Se desconoce si fue olvidado en el techo de su coche o robado, pero durante 27 años el violín se consideró desaparecido hasta que fue recuperado por un violinista aficionado que afirmó haberlo encontrado en una autopista. Se llegó a un acuerdo y el Stradivarius fue devuelto a la UCLA en 1995
Hércules 1732Eugène Ysaÿe desaparecido: robado en Rusia en 1908
Diamante Rojo 1732Louis Von Spencer IV
Tom Taylor 1732Previamente prestado a Joshua Bell
Des Rosiers 1733Angèle Dubeau
Huberman; Kreisler 1733Bronisław Huberman / Fritz Kreisler
Khevenhüller 1733Yehudi Menuhin
Montó 1733Fritz Kreisler / Bronislaw Hubermann
Ames 1734Desaparecido: robado en 1981
Barón Feilitzsch; Heermann 1734Barón Feilitzsch / Hugo Heerman / Gidon Kremer
Habeneck 1734Royal Music Academy
Hércules; Ysayé; ex-Szeryng; Rey David 1734Eugène Ysaÿe / Charles Münch / Henryk Szeryng / Estado de Israel
Señor Amherst de Hackney 1734Fritz Kreisler
Lamoureux; Ex Zimbalist 1735Robado y desaparecido
Muntz 1736Fundación Musical Japonesa, cedido en préstamo a Arabella Steinbacher
Ex Roussy 1736Chisako Takashima
Conde d’Amaille 1737Charles Libove
Lord Norton 1737Perteneció a la colección de Henry Hottinger desde 1957 / Actual dueño desconocido
Chant du Cygne; Swan Song 1737Ivry Gitlis

Grandes violinistas – Joseph Joachim

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El violinista Joseph Joachim, el menor de siete hijos, nació el 28 de junio de 1831 en Kittsee, un pequeño pueblo cerca de Pressburg, actual Eslovaquia. Su padre era comerciante. A la edad de un año, su familia decidió establecerse en Pest.

La educación musical de Joseph Joachim comenzó con la guitarra, que solía servir de acompañamiento en las prácticas vocales de su hermana mayor, hasta que un día su padre le trajo de la feria un violín infantil. Este se convirtió en su compañero inseparable y pronto comenzó a adquirir buen sonido. Todo lo que oía, lo reproducía después en su instrumento. Así continuó hasta los seis años, cuando comenzó a recibir clases. Tuvo la buena fortuna de encontrar a un maestro experimentado y concienzudo, Servaczinski, a quien le debía la adquisición de esa temprana y segura «técnica» que constituye la base indispensable de toda vocación artística.

Antes de cumplir siete años, Joseph Joachim ya había ganado sus primeros premios musicales. Dos tíos suyos vivían en Viena, quienes prometieron cuidar del futuro de su sobrino. Más tarde estuvo bajo la tutela de George Hellmesberger. Este artista, tras instruir a Joseph durante casi un año, declaró inesperadamente que la mano derecha de su alumno estaba demasiado débil para manejar el arco con la energía necesaria. Justo en ese momento, el famoso violinista Ernst celebraba brillantes triunfos en la capital austriaca. El joven Joseph acudió apresuradamente a él y le contó su difícil situación, encontrando una cálida recepción y recibiendo ayuda real. Gracias a la mediación del virtuoso, el excelente maestro de Ernst, Bohn, recibió al niño en su propia casa. Transcurridos tres años, no había nada que pudiera enseñarle a su alumno. La formación del violinista estaba completa; la del artista aún estaba por comenzar.

En los años treinta y cuarenta del siglo XIX, Leipzig era el centro indiscutible de la vida musical alemana. La riqueza musical que poseía la época actual cobró forma creativa en las personas de Mendelssohn y Schumann. Para ambos, Leipzig se había convertido en su segundo hogar. Allí, en el recién erigido Conservatorio de Música y en las antiguas y renombradas interpretaciones de la Gewandhaus, se podía encontrar la fuente de toda enseñanza y estímulo artístico. Una prima de Joachim, con quien en sus inicios había practicado diligentemente las sonatas de Beethoven, se había casado y establecido en Leipzig. A pesar de la oposición de sus tíos, Joseph Joachim se mudó a Alemania.

Sabemos que Mendelssohn se hizo cargo de Joseph Joachim, cuyo auténtico prestigio artístico su agudo ojo experimentado reconoció a primera vista. Lo ayudó incansablemente, brindándole consejos y ayuda material. En el invierno de 1844, Joachim ya tocaba en público en Leipzig y al año siguiente siguió a Mendelssohn a Londres. Con su interpretación de Beethoven, Joachim sentó las bases de su extraordinaria popularidad en Inglaterra. Desde entonces, numerosas temporadas en Londres lo han recibido como invitado de honor.

Tras regresar a Leipzig, se convirtió en miembro de la orquesta de la Gewandhaus, que también era la del teatro cuando se representaba ópera. Allí tuvo la gran oportunidad de conocer la orquesta en su conjunto, así como la naturaleza de cada instrumento individual. En el otoño de 1849, con el título de concertino, se trasladó a Weimar, donde Liszt era muy popular y reunía a su alrededor a toda la juventud musical de Alemania. Esta nueva esfera de actividad no atrapó por mucho tiempo a nuestro joven artista; pues en 1851, recibió una llamada a Hannover como director principal de los Conciertos Sinfónicos que se establecieron allí durante ese invierno.

En 1863 se casó con Amalie Weiss, por aquel entonces prima donna del Teatro de la Corte, y tras la guerra prusiano-austriaca, se estableció en Berlín.

Entre todos los virtuosos de aquel momento, Joseph Joachim ocupaba sin duda el primer lugar. Además, Joachim tenía un especial interés en la música de cámara. También es conocido como compositor, especialmente por su Concierto Húngaro; mientras que como director de la Hochschule für Musik de Berlín, Joseph Joachim cosechó un éxito notable.

Joseph Joachim fue obsequiado con un violín Stradivarius en 1899 con motivo de la celebración del Jubileo por el 50.º aniversario de su recital de debut en Londres. Este excepcional violín había sido fabricado en 1715 por Antonio Stradivari y se llamaba «Il Cremonese». Este tipo de celebraciones y regalos no es infrecuente en la carrera de Joachim, lo que refleja su inmensa popularidad y la admiración que despertaba. El 4 de mayo de 1904, se organizó un «Jubileo de Diamante» en su honor para celebrar el 60.º aniversario de su primera aparición en Londres, demostrando una vez más sus estrechos vínculos con Inglaterra. Joachim recibió un discurso y un retrato suyo realizado por John Singer Sargent. El propio Primer Ministro asistió al evento.

La fuerte reacción que provocó la muerte de Joachim el 15 de agosto de 1907 se puede apreciar en numerosos obituarios, panegíricos, artículos periodísticos y cartas de amigos que lamentaban la pérdida de un gran hombre. Joachim fue reconocido no solo por su talento musical, sino también por su gran calidad humana.

Grabación Joseph Joachim

Grandes violinistas – Anna Maria della Pietà

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Anna Maria della Pietà, que en un principio recibía el nombre de «Chiara», fue acogida por el orfanato Ospedale della Pietà de Venecia, cuando tenía solamente dos meses de vida. La fecha exacta de su nacimiento se desconoce, pero se cree que fue en el año 1696. Durante su infancia pasó a ser conocida como Anna Maria dal Violin y durante su vida adulta como Anna Maria della Pietà. El sacerdote y compositor Antonio Vivaldi fue su maestro, y ella fue, evidentemente, una de sus alumnas favoritas, pues le dedicó 28 conciertos para violín.

Anna Maria llegó a gozar de una magnífica reputación durante su vida como una de las mejores virtuosas del violín de Europa; varios viajeros y críticos contemporáneos la elogiaron. A pesar de su estatus de clausura en «la Piedad», se convirtió en el equivalente a una celebridad en el siglo XVIII.

La devoción, la modestia, la buena conducta, el silencio, la obediencia y el evitar la ociosidad eran los requisitos básicos para sobrevivir en la Piedad. Aunque sus ascensos fueron tardíos en comparación con los de sus compañeras, Anna Maria ascendió en el coro hasta alcanzar la cima de la música, dominando seis instrumentos además del violín, y llegando a ser concertina y directora de la orquesta de la Piedad. Vivió hasta la asombrosamente avanzada edad de 86 años, para la época.

Desafortunadamente aún se desconocen bastantes datos sobre la vida de Anna Maria della Pietà puesto que, a pesar de ser toda una celebridad en el mundo de la música, existen muy pocos documentos escritos y publicados sobre ella. No obstante, puedes conocer más detalles sobre la vida y carrera de Anna Maria della Pietà en el libro «La violinista» de Harriet Constable y también en el libro «Las vírgenes de Vivaldi«, de Barbara Quick.

A continuación podrás oír algunos de los conciertos compuestos por A. Vivaldi y dedicados a su alumna Anna Maria della Pietá:

Violin Concerto en D menor (RV 248)

Violin Concerto en B-bemol (RV 363)

Concierto para mandolina en C (RV 425)

Grandes violinistas – Wilma Neruda

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Cuando Wilhelmine (Wilma) Maria Franziska Neruda nació en Brünn (actual Brno), República Checa, en 1838, el mundo de la música era muy diferente al actual. Las mujeres intérpretes eran reconocidas como cantantes y toleradas como pianistas, pero una carrera solista como violinista o violonchelista estaba descartada. Por otro lado, el público adoraba a los Wunderkinder (niños prodigio), que eran bien recibidos en todas partes, independientemente de su género o instrumento.

El padre de Wilma, Josef Neruda, estaba decidido a invertir en las carreras musicales de sus hijos. Josef dejó su trabajo de organista en 1845 para dedicarse a sus hijos. La hermana mayor de Wilma, Amalie, aprendió a tocar el piano, mientras que su hermano Viktor debería haberse convertido en violinista y Wilma en pianista.

Pero Wilma se sintió atraída por el violín de su hermano, el cual tocaba en secreto. Un día, su padre oyó música procedente de la habitación de Viktor y, «lleno de alegría por el progreso que creía que había hecho su hijo, subió corriendo las escaleras y descubrió su error». Inmediatamente reconoció el talento de Wilma. No solo le permitieron pasarse al violín, sino que se convirtió en el centro del plan de su padre. Viktor recibió un violonchelo y la familia se mudó a Viena en busca de fortuna. Una vez allí, el eminente Leopold Jansa escuchó tocar a Wilma y quedó tan impresionado que la aceptó como alumna con la condición de ser su único maestro.

Este fue el comienzo de la extraordinaria carrera de Wilma Neruda. En mayo de 1845, Wilma y Amalie actuaron juntas en público por primera vez en Brno. Se dice que Wilhelmine poseía un gran talento precoz y de rápido desarrollo, y su interpretación del instrumento, anteriormente solo interpretado por hombres, se caracteriza por un arco potente, tranquilo y seguro, un tono pleno y conciso, y la fácil y hábil superación de las dificultades técnicas.

La explotación de los niños prodigio fue objeto de un acalorado debate en su época, pero, aunque los Neruda recibieron sus críticas, algunos comentaristas argumentaron que Wilma era un caso especial: «A pesar de nuestra postura general contra los niños prodigio, debemos, sin embargo, hacer una excepción cuando el genio del arte despliega sus alas y existe una clara predisposición para la profesión musical, y debemos sintonizar con el fuerte aplauso que premió a la talentosa Wilhelmine Neruda por sus logros», escribió un crítico vienés tras un concierto. en 1846.

Los Neruda continuaron actuando en Alemania, Bélgica y Francia antes de llegar al Reino Unido, donde su primer concierto tuvo lugar en el Princess Theatre de Londres en abril de 1849. El público respondió con entusiasmo y, en lugar de dos conciertos, como se había planeado originalmente, los hermanos ofrecieron 18 conciertos. En junio del año siguiente, Wilma (ahora de 11 años) fue invitada a sustituir a Joseph Joachim, quien había cancelado una actuación en la Sociedad Filarmónica

«Cuando llegué a Londres por primera vez, me sorprendió descubrir que se consideraba casi inapropiado, ciertamente impropio de una dama, que una mujer tocara el violín». – Wilma Neruda

La propia Wilma reflexionó posteriormente sobre la evolución de la actitud hacia las violinistas: «Cuando llegué a Londres por primera vez […] me sorprendió descubrir que se consideraba casi inapropiado, ciertamente impropio de una dama, que una mujer tocara el violín. En Alemania, la cosa era bastante común y no suscitaba comentarios. No podía entender —me parecía tan absurdo— por qué aquí la gente pensaba de forma tan distinta. […] Pero, por supuesto, todo es diferente ahora, y me atrevo a decir que ahora tocan el violín más mujeres en Inglaterra que en Alemania.

A finales de 1849, Josef Neruda decidió traer a sus hijos a Rusia. Su otra hija, Marie, se había unido a sus hermanos como segunda violinista. Su gira por Rusia fue un éxito, pero la vida en la carretera pasó factura: Viktor Neruda falleció a los 15 años en 1852, probablemente como resultado del estrés constante de las presentaciones y los viajes. Más tarde, los Neruda regresaron a Brno y pronto los jóvenes músicos estaban de nuevo de gira por Polonia, Alemania y, en la década de 1860, Suecia y Dinamarca.

Los ingresos de la gira por Escandinavia fueron tan cuantiosos que los hijos de Neruda pudieron comprar una casa para sus padres en Brno. Después de esto, Wilma comenzó una nueva vida en Estocolmo, donde conoció a Ludvig Norman, compositor y director de la Real Academia de Música. Se casaron el 27 de enero de 1864, pero Wilma no abandonó su carrera artística. Al contrario, actuó con su esposo y fundó «una compañía de conciertos en Estocolmo para promover obras de música de cámara en Suecia». Tuvo dos hijos; Ludvig y Waldemar, nacidos en 1864 y 1866 respectivamente.

Pero pronto los Norman se distanciaron. Es evidente que, a pesar de sus hijos y su puesto como profesora de violín en la Real Academia de Estocolmo, Wilma deseaba abandonar Suecia. Para 1869 se separaron y Wilma regresó a sus giras por Europa. Se encontraba entonces en la cima de su carrera.

En el Reino Unido, donde se estableció, Wilma era muy solicitada. Tocó en la Sociedad Filarmónica de Londres, con el Cuarteto Joachim de Inglaterra, y en los Conciertos Populares del St. James’s Hall, donde fue la primera mujer en dirigir música de cámara. También se la escuchaba frecuentemente con la Orquesta de Charles Hallé en Manchester y ofreció conciertos conjuntos con músicos como Joachim, Piatti, Ries, Clara Schumann y Vieuxtemps.

Wilma incluso fue mencionada por Sherlock Holmes: «Su ataque y su arco son espléndidos. ¿Qué es esa pequeña pieza de Chopin que interpreta tan magníficamente? Tra-la-la-lira-lira-lay», parloteó el famoso detective en su primera aventura.

Ludvig Norman falleció en marzo de 1885. Tres años después, Wilma se comprometió con Charles Hallé, con quien había sido un amigo íntimo durante décadas. Hallé fue nombrado caballero por la reina Victoria en junio de 1888 y, tras su matrimonio al mes siguiente, Wilma se convirtió en Lady Hallé. A pesar de la considerable diferencia de edad (Charles tenía 69 años y Wilma 50), la unión fue un éxito tanto en el escenario como en la vida privada. Continuaron actuando juntos y saliendo de gira, aunque Wilma también actuó en solitario. Se encontraba en Dinamarca cuando Hallé falleció repentinamente el 25 de octubre de 1895. Aproximadamente un mes después, el Príncipe de Gales inició una suscripción pública para celebrar el 50.º aniversario de la primera aparición pública de Wilma y el 25.º aniversario de su debut en el Reino Unido. Recibió un castillo en Asolo, cerca de Venecia, donde residió durante algunos años con su hijo Ludvig. Tras la muerte de Ludvig en 1898, se trasladó a Berlín para impartir clases en el conservatorio.

Inglaterra no olvidó a Wilma, y ​​su buena amiga, la reina Alejandra, la nombró «Violinista de la Reina» en 1901. A los 73 años, Wilma seguía deleitando a su público en conciertos con Hugo Becker y Pablo Casals en marzo de 1911. Un mes después, el 15 de abril de 1911, falleció en Berlín. Será recordada como «la primera violinista considerada lo suficientemente buena como para estar a la altura de los más grandes intérpretes masculinos».

Wilma obtuvo el violín Stradivari «Ernst» de 1709. Wilma inicialmente se mostró escéptica sobre probar este violín, cuyo tono había sido criticado, pero se enamoró de él. Tres nobles mecenas, el duque de Sajonia-Coburgo-Gotha y los condes de Hardwicke y Dudley, le regalaron el violín en 1875. Aunque Wilma poseía varios instrumentos, este se convirtió en su único instrumento de concierto. Años más tarde, recordó: «Adoro mi Stradivarius, y para mí no existe ningún violín que lo supere en la exquisita delicadeza de su entonación». El violín, ahora conocido como «Ernst, Lady Hallé», fue tocado durante más de 30 años por el solista húngaro Dénes Zsigmondy, fallecido en 2014.

Obras dedicadas a Wilma Neruda:

Durante el s. XX era algo usual que compositores dedicaran sus obras a los intérpretes más virtuosos de su momento. Por esta razón, Wilma recibió numerosas dedicatorias, siendo algunas de ellas:

  • Balada, Op.43 (Neruda, Franz)
  • Danzas españolas (Romanza andaluza y Jota navarra), Op. 22 (Sarasate, Pablo)
  • Fantasía sobre 'Fausto' (Vieuxtemps, Henri)
  • Herbstblätter (Hojas de otoño), Op.109 (Heller, Stephen)
  • 6 Fantasís Irlandesas, Op.54 (Stanford, Charles Villiers)
  • Leyenda, Op.8 (Lauterbach, Johann)
  • Piano Sonata No.3, Op.19 (Neruda, Franz)
  • Violin School (Haddock, Edgar Augustus)
  • Violin Sonata No.2, Op.21 (Zimmermann, Agnes)
  • Violin Sonata No.3, Op.59 (Gade, Niels)
  • Violin Sonata, Op.5 (Winding, August)
  • Wspomnienie Warszawy (Recuerdos de Varsovia), Op.46 (Lubomirski, Kazimierz)

Grandes violinistas – Regina Strinasacchi

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Regina Strinasacchi fué una importante violinista, guitarrista y compositora, nacida en Ostiglia, cerca de Mantua, quizás en 1761, o en 1764 (lamentablemente la fecha es incierta). Estudió en el Hospital «della Pietà» de Venecia: una institución que era al mismo tiempo convento, orfanato y conservatorio, donde las niñas recibían una rigurosa y amplia educación musical. De hecho, entre los profesores de la escuela de música se encontraban nombres como Antonio Vivaldi y Francesco Gasparini. Allí Regina aprendió a tocar el violín y la guitarra y también a componer música, demostrando inmediatamente un excelente gusto musical. De algunas cartas de contemporáneos se entiende que Regina comenzó a actuar en público a muy temprana edad, por ello era admirada no sólo por su virtuosismo con el violín, sino también por la habilidad que demostraba con el paso de los años.

Después de su paso por el Ospedale della Pietà, probablemente tuvo la oportunidad de viajar a algunos países europeos para actuar. Alrededor del 1784 llegó a Viena, donde conoció a Wolfgang Amadeus Mozart. El compositor austríaco asistió a una actuación de la famosa violinista de Mantua y quedó tan impresionado que decidió componer una sonata (la Sonata K 379 en sol mayor para violín y piano) para tocar junto con Regina.

La pareja actuó junta en un teatro vienés (el Theater am Kärntnertor) el 29 de abril de 1784, tocando también la Sonata K454 en si bemol mayor para violín y piano, en presencia del emperador del Sacro Imperio Romano Germánico José II. La Sonata K454 requiere una interpretación difícil que da testimonio de la altísima opinión que Mozart tenía de Strinasacchi y de su talento musical.

En ese momento Regina tenía aproximadamente 23 años; Leopold Mozart, el padre de Wolfgang, en una carta dirigida a su hija en la que le contaba sus impresiones del concierto, aplaudió su talento y describió cómo la niña era capaz de infundir una fuerte pasión y emoción en cada nota. El acontecimiento también es recordado por la famosa anécdota según la cual Mozart, en aquella ocasión, tocó el piano de memoria y sin partitura (algunos dicen que el compositor no había terminado de escribir la parte de piano, y por tanto tuvo que improvisar sobre la marcha)

Probablemente fue durante sus giras europeas cuando Regina conoció a Johann Conrad Schlick, un compositor, violonchelista y director de orquesta alemán, originario de Mansbach. Los dos se casaron en 1785 y comenzaron a actuar juntos como un dúo de violín y violonchelo. En 1801 tuvieron un hijo, Johann Friedrich William, que también estaba destinado a convertirse en músico y fabricante de violines. Hacia finales del siglo, Regina Strinasacchi fue admitida en la Orquesta de Gotha; un acontecimiento absolutamente extraordinario para una mujer. Además de tocar y componer, se dice que Regina también dirigió la orquesta en alguna ocasión.

Se conoce que tras la muerte de su marido se trasladó a Dresde con su hijo. Murió allí (aunque algunos afirman que murió en Gotha), en el año 1839.

A continuación puedes escuchar la Sonata K454 en si bemol mayor para violín y piano, compuesta por W. A. Mozart para Regina Strinasacchi.

Instrumentos de cuerda frotada africanos: zeze, goje y orutu

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Si te has preguntado cuál es el origen de los instrumentos de cuerda frotada y el uso del arco de caza en la música, la respuesta proviene del continente africano. Hoy queremos presentarte tres instrumentos de cuerda frotada africanos; zeze, goje y orutu.

Zeze

Zeze es una especie de violín de una sola cuerda proveniente de Zaire, Kenia y Tanzania, también llamado endingini en Uganda, ekegogo en Kenia, izeze o chizeze en Tanzania. La caja de resonancia está hecha de madera, bambú, calabaza, una cáscara de coco o una olla de barro. Está cubierto con la piel de un duiker (un tipo de antílope) tal y como se fabricaba anteriormente en el pueblo de los Wagogo.

En algunas zonas, el extremo del mástil puede estar bellamente tallado en diferentes formas. En concursos de música como Shinyanga y Ukerewe, se tiene en cuenta la belleza del instrumento, ya que los oyentes se sienten atraídos no solo por la buena interpretación, sino también por la forma inusual de los instrumentos, así como por la vestimenta especial de los músicos.

En otros lugares de origen del Cercano Oriente, el instrumento se toca golpeándolo con un arco corto. Suelen tocarlo músicos profesionales itinerantes que van de aldea en aldea para actuar en ceremonias. Estos instrumentos se encuentran principalmente entre las personas que viven cerca de la costa, como los Doë y los Kwere, pero los Zaramo, Kaguru y Luguru también tienen algunos instrumentos similares.

En Tanzania se han encontrado algunos de los vestigios más antiguos de la cultura humana. Se cree que allí fabricaron instrumentos musicales hace dos millones de años con herramientas de piedra simples. Después de eso, los pueblos que vivían allí eran cazadores-recolectores que probablemente produjeron al menos algunos tipos de señales vocales. El arco utilizado para cazar inspiró un instrumento de cuerda: el arco musical. Tradicionalmente, la música siempre ha tenido una función y nunca se presenta sin un propósito. Por ejemplo, cierta música e instrumentos se presentan solo durante un día o ceremonia determinados.

A partir del año 2000 a. C. aproximadamente, el norte de África comenzó a secarse y comenzó a formarse el desierto del Sahara. Muchos pueblos se desplazaron hacia el sur, a Tanzania. Probablemente trajeron consigo tambores e instrumentos de cuerda, como tipos de liras y arpas. Se ha estimado que la polifonía se formó en esa época en África, más de 1000 años antes de que comenzara a usarse en la música artística europea.
Desde el comienzo de nuestra era, Tanzania se convirtió en parte de un gran sistema comercial que se extendió hasta China, Indonesia y los países árabes. Se supone que el xilófono llegó a África Oriental en esa época desde Indonesia. Entre los años 1000 y 1500 d. C., en grandes centros comerciales como Kilwa, Bagamoyo y Zanzíbar existían grandes casas comerciales hindúes y árabes con una rica vida musical. El Islam comenzó a extenderse a África Oriental y comenzó a formarse una cultura mixta árabe-africana.

Goje

El goje es un tipo de violín de una sola cuerda originario de Ghana y Nigeria. También llamado gonjey o ggonje en Ghana, njarka en Malí y n’ko en las regiones del Sahel. Está hecho un cuenco de calabaza cubierto con piel de serpiente o de lagarto, creando así una membrana similar a la de un banjo. Las cuerdas son de crin de caballo y están suspendidas de un puente. El goje también se toca con arco. También es llamado “violín hausa” y tiene numerosos variantes. Está vinculado tradicionalmente a los rituales preislámicos del Sahel y Sudán. Este instrumento puede imitar las voces humanas y su lenguaje, por ejemplo entre los nómadas tamashek de Níger y los yoruba de Nigeria, asumiendo un papel casi humano en la banda musical.

En Etiopía y Eritrea también se encuentran instrumentos tradicionales similares que se tocan exactamente como el goje y que producen sonidos similares. Estos violines tradicionales provienen de África, de la Edad de Piedra. Antes de que naciera la primera Europa moderna, mucho antes de que se concibieran los famosos fabricantes de violines italianos.

Orutu

El Orutu, un notable instrumento musical del este de África, en particular de la comunidad Luo en el oeste de Kenia, es un símbolo de un rico patrimonio cultural y expresión artística. Este violín de una sola cuerda tiene un sonido y una historia únicos que reflejan las tradiciones y la evolución de la música en la región. Recibe diferentes nombres según cada región.

Se caracteriza por su diseño vertical y su cuerda única. Se toca con un arco similar al de un violín. El instrumento consta de un resonador cilíndrico hecho de madera ahuecada, tradicionalmente cubierto con piel de lagarto monitor en un lado. El otro lado permanece abierto, lo que permite la proyección del sonido. La cuerda se fabricaba originalmente con tendones de animales o fibras de sisal, pero ha evolucionado con el tiempo para utilizar materiales como cables de freno de bicicleta para mejorar la durabilidad y la calidad del sonido. Los músicos tocan el Orutu pasando un arco por la cuerda mientras presionan simultáneamente la cuerda con los dedos para crear diferentes notas. Esta técnica permite una variedad de sonidos que pueden imitar las vocalizaciones humanas, lo que lo convierte en una poderosa herramienta para la narración de historias y la expresión emocional en la música.

Los orígenes del Orutu se remontan a las sociedades precoloniales del este de África, particularmente entre el pueblo Luo de Kenia. Los relatos históricos sugieren que este instrumento se ha utilizado durante siglos, con raíces profundamente arraigadas en las prácticas culturales de la comunidad Luo. Músicos y entusiastas de la cultura están trabajando incansablemente para preservar este instrumento único y sus tradiciones asociadas. Hoy en día, se lo celebra no solo por su importancia histórica sino también por su relevancia contemporánea en la música africana.

El mecanismo de funcionamiento del orutu es relativamente sencillo, pero requiere habilidad y precisión por parte del músico. La estructura del instrumento incluye:

Resonador: El cuerpo hueco de madera sirve como una cámara de sonido que amplifica las vibraciones producidas por la cuerda. Cuerda: una sola cuerda se une a un extremo del resonador y se extiende sobre un puente antes de anclarse en el otro extremo.
Arco: el arco generalmente se fabrica a partir de madera flexible o bambú y se encorda con fibras de sisal u otros materiales que permiten una fricción efectiva contra la cuerda.
Mecanismo de afinación: la tensión de la cuerda se puede ajustar utilizando varios métodos según las técnicas de construcción. Los músicos suelen utilizar sus dedos para modificar el tono mientras tocan.
Al tocar, los músicos pasan el arco por la cuerda mientras aplican presión con los dedos de la mano izquierda para crear diferentes notas. Este método permite estilos de interpretación expresivos que pueden transmitir emociones profundas a través de la música.

Tipos de Orutu

Orutu moderno: Las variaciones contemporáneas pueden incorporar materiales sintéticos o elementos reutilizados como cables de bicicleta para cuerdas, lo que refleja innovaciones modernas al tiempo que conserva la estética tradicional.

Cada tipo cumple funciones similares dentro de los contextos musicales, pero puede diferir en la calidad del sonido o las técnicas de interpretación debido a la elección de materiales o alteraciones del diseño.

Los músicos suelen colaborar con vocalistas y percusionistas para crear paisajes sonoros ricos que resaltan tanto el arte individual como la celebración colectiva.

La importancia del orutu se extiende más allá de su musicalidad; encarna el patrimonio cultural y la identidad dentro de las comunidades del este de África. Como instrumento tradicionalmente asociado con la musicalidad masculina, los esfuerzos recientes de las intérpretes femeninas desafían las normas de género dentro de este panorama musical. Mujeres como Lorna Ochieng han surgido como figuras prominentes que abogan por un renovado interés en los instrumentos tradicionales al tiempo que rompen las barreras relacionadas con los roles de género en la música. Además, a medida que la globalización continúa influyendo en las culturas africanas, existe un creciente reconocimiento de los instrumentos tradicionales como el orutu como componentes vitales de la identidad nacional.

A continuación, varias interpretaciones musicales con los instrumentos de cuerda africanos:

Fuentes: Zeze – A Tanzanian Fiddle – An Empirical Research of the History, Structure,
and Playing of Wagogo’s and Waha’s Zeze, de Ella Isotalo