Autor: Todo Violín

El violinofón o violín Stroh

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Hoy queremos hablarte de un instrumento musical que es mitad violín, mitad trompeta, ¿lo habías visto alguna vez? Se trata del violinofón, también llamado violín Stroh o Strohviol.

 

El violín Stroh fue desarrollado en los albores de la era de la grabación por Augustus Stroh (1828-1914). Nacido en Frankfurt, Alemania y establecido en Londres en 1851, Stroh era un ingeniero eléctrico especializado en acústica y telégrafo. Este instrumento de aspecto extraño, que Stroh desarrolló entre 1899 y 1901, fue diseñado específicamente para que el fonógrafo, la tecnología de grabación de la época, pudiera captar el sonido del violín. En un principio, Stroh siguió las instrucciones enviadas por Edison para recrear su fonógrafo, un dispositivo de grabación. Stroh presentó y demostró su violinofón a la Royal Society y se decía que lo había mejorado.

Las primeras grabaciones de sonido fueron posibles gracias al fonógrafo, inventado por Edison. Se pueden grabar voces y música e incluso conjuntos musicales completos. Algunos instrumentos eran más fáciles de grabar que otros. Los instrumentos de viento podían apuntar donde debía estar el sonido, pero los violines eran difíciles de grabar porque el sonido se alejaba del instrumento en todas las direcciones. No podían competir fácilmente con otros instrumentos. El Strohviol hizo posible el sonido direccional. En 1899 y en 1901, Stroh obtuvo patentes que describían el Strohviolin y así comenzó una producción sistemática de Strohviolines.

El violín de Stroh no tiene un cuerpo de madera tradicional. En cambio, el instrumento tiene una membrana de metal redonda y flexible como resonador y una gran bocina de aluminio para proyectar el sonido directamente en la bocina de grabación del fonógrafo. El segundo cuerno, más pequeño, permite al músico escuchar mejor su propia interpretación. Aunque está hecho principalmente de metal, el tono del instrumento sorprendentemente no es metálico, pero es estridente.

Imagina un violín y ahora quítale el trozo de madera que forma el cuerpo. Eso te deja esencialmente con el mástil, el diapasón, el clavijero y las cuerdas. Y aún necesita un puente y algún tipo de apoyo para los hombros.

Donde estaba el cuerpo ahora hay un trozo de madera largo, grueso y redondo. Adjunto a él está el puente que está conectado a un disco de aluminio redondo y hueco que alberga un diafragma. Cuando las cuerdas se tocan con un arco, el movimiento hace que el puente vibre. Esto se transmite a través de un tallo delgado al diafragma. Al final de esto hay una gran bocina cónica de aluminio, que es de donde sale el sonido. El sonido es bastante diferente al de un violín tradicional. Emite un sonido bastante fuerte, con un sonido más parecido a tocar una lata vacía.

Estos instrumentos se adoptaron rápidamente en los estudios de grabación y se desarrolló toda una familia de violines, al igual que mandolinas, guitarras y banjos. Los instrumentos quedaron obsoletos en la segunda mitad de la década de 1920 con la adopción de la grabación con micrófonos eléctricos, pero siguen siendo populares entre los músicos de jazz y folk en la actualidad.

Al violinofón también se le conoce con el nombre de Phonofiddle o Howson, en honor al minorista de música que había encargado la fabricación de esos instrumentos.

Otros instrumentos basados en Stroh:

Hay muchos otros fabricantes que utilizan el sistema Stroh. Pero los Strohviols reales vinieron en varias permutaciones diferentes. Estaba el Strohviol de una sola cuerda, sostenido entre las rodillas como un violonchelo con una sola cuerda y una mano deslizante que buscaba diferentes posiciones para hacer una melodía. Estos vinieron en una versión simple con un diapasón recto y una versión de concierto con un diapasón curvo. Y luego estaba el violonchelo Stroh, mucho más grande y con cuatro cuerdas adecuadas y una trompeta más grande. El contrabajo es enorme y se ve impresionante. Había guitarras Stroh, mandolinas y ukeleles.

Actualmente, este ingenioso instrumento sigue siendo muy conocido en algunas regiones de Europa y los Balcanes. En Transilvania, en la zona de Bihor, en la frontera de Rumanía con Hungría, el violinofón ya se ha convertido en parte esencial de la música folklórica tradicional.

 

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Solos de concertino

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A menudo, las sinfonías u obras escritas para orquesta suelen tener partes de solo que son interpretadas por el representante de cada sección o instrumento. Los solos para violín son comúnmente interpretados por el/la concertino.

¿Quién es el concertino?

El primer violinista de una orquesta, conocido como concertino, es un líder musical con responsabilidades muy diversas, desde afinar la orquesta hasta trabajar en estrecha colaboración con el director. El concertino suele acceder al escenario cuando la orquesta ya está sentada, supervisa entonces la afinación y toma asiento a la izquierda del director de orquesta, si observas desde el público.

 

 

¿Qué hace un concertino?

Simultáneamente, es el violinista más hábil y conocedor de la orquesta y, al mismo tiempo, el principal intermediario entre los músicos y el director; el concertino es responsable de dictar las digitaciones y arcos a la sección de primeros violines, tocar pasajes en solitario, comprender las ideas del director y comunicarlas en términos técnicos al resto de la orquesta, dirigir la orquesta en la afinación y ayudar con aspectos de la gestión de la orquesta. Además de ser un excelente intérprete con un profundo conocimiento del repertorio de la orquesta y poseer habilidades como solista, los concertinos también deben cultivar excelentes habilidades de liderazgo, enseñanza y comunicación.

Además de sus deberes habituales, un concertino puede ayudar en el proceso de audición y contratación de los principales intérpretes, resolver problemas (artísticos, técnicos o personales) entre los miembros de la orquesta, o incluso trabajar en estrecha colaboración con el director musical de la orquesta, que interviene en todas las decisiones artísticas. Mientras actúan, los músicos de cuerdas generalmente observan al concertino casi tan de cerca como al director.

Ahora que tenemos un concepto más claro de las labores que debe cumplir un concertino, veamos algunos de los solos para concertino más hermosos escritos como parte de obras orquestales:

Scheherazade, de Rimsky-Korsakov

También deletreado Sheherazade, suite orquestal del compositor ruso Nicolay Rimsky-Korsakov que se inspiró en la colección de cuentos en gran parte de Oriente Medio e India conocida como Las mil y una noches (o Las noches árabes). En la obra se representa a Scherezade con un solo de violín recurrente y un tema profundo y pesado que corresponde al sultán. La composición se completó en 1888, y se estrenó el 3 de noviembre de ese año, en San Petersburgo, bajo la dirección del propio compositor.

La vida de un héroe, de Richard Strauss

En esta obra, el solo de violín se encuentra codificado en la parte en la que el autor que hace referencia al “El compañero del héroe”, que no es otro que su esposa Pauline de Ahna, representada por una larga cadencia para el concertino. Strauss ofrece una representación musical realista pero tierna de su amada. La parte del solo de violín imita exquisitamente esta variedad de estados de ánimo, que van desde «hipócritamente lánguido, alegre, frívolo, sentimental, animado, agudo, juguetón, amable, enojado y persistente». Finalmente, la música se convierte apasionadamente en una «escena de amor».

Opera Thais (La meditación de Thais) de Jules Massenet

Podemos encontrar este famoso solo de violín en el segundo acto. «La Meditación» es una melodía magníficamente hermosa elaborada con extrema delicadeza. No es de extrañar que haya encontrado un lugar en el repertorio independiente de la ópera y, aunque originalmente para violín solista y orquesta, ha sido arreglado para casi todos los instrumentos imaginables.

Ballet El lago de los cisnes de Tchaikowski

El cuarto movimiento de esta obra representa la danza del cisne. Una caprichosa cadencia de arpa canta mientras un solo de violín se prepara para una canción de cuna a dúo con el arpa. El movimiento lento y la dinámica tranquila se suman al lado emocional del dúo. Los instrumentos crecen y retroceden juntos, creando un diálogo especial entre ellos. El tempo aumenta en un estilo de vals y el concertino es acompañado por pizzicatos.

Sinfonía n. 1 , II movimiento de Brahms

 

Shostakovich – Symphony No. 5, 2nd Movement

 

Daphnis et Chloé, de Ravel

 

Danzas sinfónicas, de Rachmaninoff

 

Sinfonía n. 9 «Del nuevo mundo» de Dvorak, II movimiento.

Sinfonía n. 4 de Mahler, II movimiento.

Aprender a tocar la viola

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¿Qué es una viola?

El término viola se atribuye a numerosos instrumentos musicales de cuerda frotada antiguos a lo largo de la historia, que tuvieron gran auge durante el período Barroco musical. Por ejemplo, está la viola da gamba, la viola da braccio o la viola d’amore, entre muchas otras.

Con la aparición del violín en el s. XVI (que, como su nombre indica, es una viola de menor tamaño) había que hacer una nueva clasificación de los instrumentos de cuerda frotada más populares, de modo que representaran a las voces humanas en una orquesta, tanto agudas como graves. Así el violín, al ser el más pequeño, equivaldría a la voz soprano, la viola moderna equivale a la voz contralto, el violoncello a la voz tenor y el contrabajo al barítono.

Diferencias entre violín y viola

Tamaño
El violín es un poco más pequeño que la viola. Un violín típico de tamaño completo mide unos 36 cm (14 pulgadas), mientras que una viola de tamaño completo mide unos 40 cm (unas 16 pulgadas). Aunque este tamaño puede variar, no es inferior a 38 cm. Por lo tanto, sigue siendo más grande que el violín. Además, el cuerpo de la viola es más ancho y profundo. El tamaño hace una gran diferencia en el tono del sonido. Por lo tanto, para que la viola pueda tocar las frecuencias más bajas, necesita este tamaño adicional.

Arco
El violín y la viola utilizan arcos diferentes. El arco de violín es más largo y delgado y pesa unos 10 gramos menos que el arco de viola. Esto se debe a que las cuerdas de la viola son más pesadas. Por lo tanto, necesita un arco más pesado para producir un sonido claro en las frecuencias más bajas.

Un poco difícil de ver es la diferencia en el talón del arco, que es más grueso y, a menudo, más curvado en comparación con el borde recto de un arco de violín. Esto tiene que ver con cómo se sostiene el arco en cada instrumento para crear el sonido que se necesita. Estas pueden parecer ligeras diferencias, pero para un músico experimentado, marcan una gran diferencia.

Cuerdas

Las cuerdas la viola son C – G – D – A, mientras que las del violín son G – D – A – E, empezando por la más grave. La viola está afinada en quintas al igual que el violín, pero en lugar de tener el Mi alto (E), tiene un Do bajo (C), que está una octava por debajo del Do medio. Además, las cuerdas de la viola son un poco más gruesas que las del violín.

Sonido y Tono
La viola produce notas más graves o bajas que el violín, pero no tan bajas como el violonchelo.
El tono de la viola es más suave. Eso hace que sea fundamental en la familia de instrumentos de cuerda.

Escoger tamaño de la viola

Por lo general, el tamaño de una viola para un niño principiante sería de 11” durante dos años, luego con 12” durante otros dos años, con 13” durante dos, con 14” durante dos años; el tamaño final podría ser 15”, 15,5” o 16”. Existen violas de 16,5” y 17”, pero por lo general están reservadas para instrumentistas muy altos con manos grandes.

La mayoría de los adultos tocan violas de 15”, 15,5” o 16”, a menos que sus dedos, manos y brazos sean mucho más largos y requieran tamaños más grandes para mayor comodidad.

Los violistas leen las partituras en clave de DO

En función de la altura del tono que se pretenda alcanzar en la música, podemos usar distintas claves musicales. Es decir, un instrumento o una voz soprano que alcance los tonos más altos, generalmente usará partituras escritas en clave de SOL.

Las violas en cambio, usarán partituras en clave de DO. Podemos distinguir el uso de la clave de DO en las partituras según la altura de las voces humanas:

  • clave de DO en segunda línea del pentagrama – voz de mezzosoprano
  • clave de DO en tercera línea – voz de contralto
  • clave de DO en cuarta línea – voz de tenor

En el caso de la viola, que representa a la voz contralto y tenor, se suele usar la clave de DO en tercera y cuarta línea, por lo general.

¿Es necesario aprender a tocar el violín antes que la viola?

No necesitas habilidades básicas con el violín, si lo que realmente quieres es tocar la viola. Así como no necesitas tocar otros instrumentos antes de empezar con el violín, tampoco necesitas tocar el violín u otros instrumentos antes de empezar con la viola. Por supuesto, cuando ya tienes algunas habilidades básicas con el violín, son realmente útiles. Es fácil cambiar de violín a viola o al revés.

Hace décadas se pensaba que era más adecuado aprender a tocar el violín para un niño de manos y brazos pequeños, debido al menor tamaño del violín. Más adelante, cuando el niño crece, podía seguir con el violín o pasar a viola. Hoy en día se fabrican violas de distintos tamaños, de modo que un niño podría comenzar sus estudios de viola sin necesidad del violín.

El proceso de aprendizaje sí es bastante parecido al del violín. Es necesario asimilar la correcta postura de los brazos, practicar el sonido del arco con cuerdas al aire y la entonación con escalas, para comenzar.

Para finalizar, te dejamos con algunas obras muy interesantes compuestas para viola como solista:

Las escalas cromáticas

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Una escala musical cromática, también llamada escala dodecafónica, es aquella que consta de los doce semitonos que contiene una octava. Es decir, entre cada nota hay un semitono, en vez de un tono como en las escalas mayores y menores.

¿Qué significa cromático?

La palabra cromático proviene de la palabra griega “chroma” que significa color. Es decir, los semitonos permiten agregar color a las escalas mayores y menores.

Durante la década de 1600, la música generalmente se escribía en escalas mayores y menores. Los compositores usaban notas fuera de estas claves, llamadas alteraciones, (#, b) para embellecer la melodía y agregar color a la música. Llamaban a esas alteraciones «cromáticos» ya que aportan color y emoción a la música sin cambiar el centro de la tonalidad.

Desde el siglo XIX en adelante, los compositores querían alejarse de escribir música en una clave determinada. Esto llevó a que el cromatismo se usara cada vez más y dio lugar a la música atonal, que no tiene ningún sentido de tonalidad. Se puede comenzar una escala cromática desde cualquier tono, simplemente agregando semitonos hasta llegar a la nota inicial una octava más arriba (o más abajo, si la escala es descendente)

Es tan beneficioso practicar escalas cromáticas como escalas tonales comunes. Ayudan a mejorar la entonación y también para practicar la técnica del glissando.

Digitaciones en las escalas cromáticas

Para tocar con agilidad estas escalas, necesitamos ordenar los dedos de la mano izquierda de modo que nos resulte cómodo realizar los cambios de posición. Existen varias digitaciones muy comunes para las escalas cromáticas.

¿Cuál es la digitación más útil para tocar la escala cromática?

Generalmente hay dos formas de tocar la escala cromática en el violín, cada una tiene sus beneficios. No existe una forma correcta y es posible que te encuentres usando ambas, dependiendo de la situación.
Los números a continuación representan los dedos que tendrás que usar:

A. Desplazamiento o arrastre de dedos: 1 – 1 – 2 – 2 – 3 – 3 – 4
Este patrón es mucho más fácil de aprender para un principiante, especialmente si no estás familiarizado con las posiciones, ya que cada dedo se mueve en el área que normalmente toca en la primera posición.

Incluso hay una versión un poco más fácil de este patrón: 1 – 1 – 2 – 2 – 3 – 4. En este caso, la nota en la siguiente cuerda sería al aire. Cuando utilices esta digitación, lo más probable es que escuches algunos sonidos deslizantes, lo que a veces puede ser deseable y otras no. Durante pasajes rápidos, es posible eliminar el sonido de deslizamiento haciendo movimientos más ágiles con la mano izquierda.

B. Desplazando toda la mano: 1 – 2 – 1 – 2 – 3 – 4

Una variación de este patrón puede ser: 1 – 2 – 3 – 1 – 2 – 3 pero la idea general es cambiar los dedos para cada medio paso. Este patrón a veces se llama «Digitación de Carl Flesch», llamado así por el violinista y maestro húngaro.

Esta digitación es útil en las siguientes situaciones:

  • Al tocar pasajes rápidos
  • Cuando te esfuerzas por lograr un sonido legato suave
  • Cuando quieras evitar escuchar glissando

Si tienes que tocar un pasaje cromático, es posible que tengas que escoger tú mismo la digitación que te resulte más cómoda. La elección final depende de una variedad de razones. Por ejemplo, elegir el primer método puede parecer más fácil, pero si estás tocando en conjunto con más instrumentos, el glissando puede afectar el sonido general.

¿Cómo practicar la escala cromática en el violín?

Elige la digitación que usarás y una octava, sugerimos comenzar en la cuerda al aire A o D.
Toca todos los semitonos dentro de una o dos octavas en orden ascendente y descendente.
Verifica tu entonación con un afinador para asegurarte de que colocas el dedo en los lugares correctos.
Cuando estés familiarizado con las notas, intenta incorporar metrónomo en tu práctica de escalas cromáticas. Comienza con un tempo lento y aumenta gradualmente la velocidad. También puedes probar diferentes patrones rítmicos para hacer la práctica más divertida.

Las escalas cromáticas en posiciones altas

Algunas obras para violín de gran virtuosismo incluyen escalas cromáticas ascendentes o descendentes que se tocan en posiciones altas de la mano izquierda. En estos casos, debido a la velocidad que requiere la pieza, es común tocar varios tonos con tres, dos o incluso un solo dedo. La razón es que en la segunda mitad de la cuerda E, los semitonos están demasiado juntos para usar los dedos adyacentes afinados, por lo que usa el mismo dedo tanto como sea posible. A veces se puede hacer una escala cromática descendente desde una nota muy alta con la digitación: 1-1-1-1-1-1, 2-2-2-2-2- ó 3-3-3-3-3-

A gran velocidad, sonaría como un amplio glissando

Ejercicios para violinistas principiantes

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Si estás aprendiendo a tocar el violín, puede que ya estés practicando algunas escalas y arpegios que te sirven para conocer las posiciones de la mano izquierda y también son muy útiles para calentar. Además de las escalas, es bueno realizar algunos ejercicios antes de proceder a estudiar una obra. Los ejercicios pueden variar en función de lo que necesites trabajar, de modo que vamos a clasificarlos y a mostrarte algunos de ellos para que puedas practicar en casa.

Ejercicios de coordinación:

Cuerdas al aire – Si recien estás comenzando a tocar el violín, este ejercicio te ayudará a fijar tu atención en el punto de contacto entre el arco y las cuerdas. Debes procurar siempre mantener el arco en un ángulo de 90º respecto a las cuerdas y sacar un buen sonido sin temblores, desde el talón hasta la punta, y viceversa.

Puedes ir cambiando el tipo de golpe de arco o ligadura en las notas. Esto te servirá para refrescar tus nociones de solfeo y la duración de las notas, además de asegurar que los cambios de cuerda con la mano derecha sean precisos.

 

Cuando ya puedas dominar los cambios de cuerdas al aire con confianza, puedes comenzar a desarrollar la movilidad en los dedos de la mano izquierda sobre las cuerdas.

Campanitas de Lugar

Ejercicios para la mano izquierda:

Colocación de dedos y afinación – Los ejercicios de afinación te ayudarán a entrenar a tus dedos para que puedan localizar los lugares exactos en donde deben pisar la cuerda. Cuando practiques la afinación, comienza muy despacio para oír bien cada tono. Con la ayuda de un metrónomo, puedes aumentar la velocidad poco a poco.

Estudio de Dancla

Agilidad – Cuando domines bien la entonación de un ejercicio, puedes añadirle velocidad hasta que tu mano izquierda se sienta cómoda tocando todas las notas.

Ejercicios para la mano derecha:

Talón, centro, punta – Presta atención al arco y procura realizar ejercicios en los que puedas trabajar el sonido en cada parte del arco. Comienza con cuerdas al aire solamente del talón al centro, por ejemplo. Después, realiza el mismo ejercicio pero esta vez tocando del centro a la punta. Notarás que tu mano y tu brazo derecho deben cambiar el tipo de movimiento y presión según la parte del arco que estés usando.

Estiramiento de dedos – Para este ejercicio no necesitarás el violín, solamente el arco. Agarrando bien el arco con cada dedo en su lugar correspondiente, estira y encoge los dedos sin soltar el arco y sin desplazar las yemas de los dedos de su sitio.

Reforzar índice y meñique – De nuevo solamente usando el arco, flexiona tu dedo meñique hasta que notes que el balance pasa al dedo índice, sin que los demás dedos se muevan, cuando la vara del arco suba, usa nuevamente el meñique para frenarlo.

Estos ejercicios son muy recomendables para todo violinista, ya sea principiante o profesional. 

Cuerdas de violín de cabello humano, ¿y por qué no?

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Ya en el año 2014 Tadas Maksimoves, un artista lituano, creó un proyecto en el que utiliza su propio cabello como cuerdas de un violín. El cabello, que permanece adherido a su cabeza, se empapa en pegamento, se pasa por un violín y se toca. Tal cual.

El artista se había fijado en algunas campañas publicitarias en las que se había reemplazado el pelo de caballo de un arco con cabello humano. Le pareció inspirador, pero no lo estaban haciendo correctamente: la música proviene de las cuerdas, no del arco. Es así como decidió hacer el experimento de crear cuerdas de violín con cabello humano.

Para ello, Maksimoves solicitó la ayuda de Eimantas Belickas, uno de los mejores violinistas de Lituania. Sabía que tenía la mente lo suficientemente abierta como para involucrarse. Le gustó la idea y unos días después acordaron una cita. Realizaron pruebas previas con extensiones de cabello reales y pegamento. Al comienzo no estaban seguros de cómo reaccionaría el cabello al pegamento. ¿Sería lo suficientemente fuerte como para hacer un sonido?

El resultado es que el cabello sí logra producir sonido y es bastante parecido al sonido que emite un violín común con cuerdas metálicas, aunque el cabello no pueda estar tan tenso como lo estaría una cuerda de metal.

Pero, ¿por qué no sirve el cabello humano para fabricar arcos?

Según expertos, el cabello humano tiene una estructura diferente y es más débil y delgado que el cabello de caballo. El pelo de caballo es largo y grueso (relativamente), fuerte y tiene una superficie áspera ideal para la colofonia. El anuncio publicitario que probablemente inspiró a Tadas Maksimoves fue lanzado en el año 2013, queriendo demostrar las propiedades fortalecedoras de un acondicionador diseñado para frenar la caída del cabello.

Los subarmónicos en el violín – los tonos más graves que se pueden alcanzar

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Una cuerda produce los sonidos más graves cuando no es cortada ni pisada en ninguna parte, por este motivo se suele pensar que el tono más grave que puede alcanzar un violín corriente es sol (G), de la cuerda al aire, puesto que cualquier parada sobre ella causaría un sonido más agudo que sol (G). La violinista Mari Kimura echó esta teoría por tierra al descubrir tonos más bajos que se pueden tocar en la cuerda sol de un violín.

Mari Kimura, intérprete, compositora e investigadora, ha abierto nuevos mundos sonoros para el violín. En particular, ha dominado la producción de tonos que suenan hasta una octava por debajo de la cuerda más baja del violín, es decir, tonos más graves y que hacen vibrar la cuerda a menor velocidad. Esta técnica, que ella llama subarmónicos, le ha valido un reconocimiento considerable en el mundo de la música.

Para alcanzar los subarmónicos con el violín, Mari Kimura aplica técnicas específicas o golpes de arco de bastante presión en el talón, provocando un gran agarre en la cuerda, como si la raspara.

Por lo visto, Mari Kimura hizo este descubrimiento por casualidad, mientras estaba practicando “Tzigane” de Ravel, que comienza con un solo en la cuerda G. Tras numerosos estudios e investigaciones sobre este tema, compuso varias obras para violín que incluyen los subarmónicos:

Mari Kimura es además pionera en el campo de la música interactiva por computadora. En su obra «Voyage Apollonian», presenta un guante especial que, al realizar los golpes de arco, estos crean y controlan una secuencia de animación por ordenador. Mientras toca, los sensores del guante envían datos al software que se ejecuta en su ordenador, lo que provoca que una animación en la pantalla se transforme en varias formas y patrones antes de volver a su configuración original. El módulo funciona como un controlador electrónico para los procesos de sonido digital en tiempo real, como la transformación del sonido y la síntesis del sonido.

Villancicos para violín

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En estas fechas tan señaladas no hay nada como avivar el ambiente navideño tocando unos villancicos para toda la familia. Es una genial forma de romper el hielo al comenzar la fiesta familiar o bien para calmar las tensiones cuando el momento lo requiera. Anima a todos a cantar tocando estos villancicos populares:

Noche de paz

Feliz navidad

El tamborilero

La marimorena

We wish you a merry Christmas

Campana sobre campana

Ya vienen los reyes magos

Los peces en el río

Arre borriquito

¡Ay del chiquirriquitín!

Las figuras de Chladni – ¿Se puede ver el sonido?

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Las figuras de Chladni son los patrones o dibujos en dos dimensiones que presentan las ondas de sonido sobre una placa dependiendo de las vibraciones de un tono. Se trata de un experimento que realizó el licenciado en derecho, físico y músico alemán Ernst Chladni en 1808 frente a Napoleón Bonaparte. El experimento consistió en observar el movimiento de un puñado de arena que había colocado sobre un plato y hacerlo vibrar con sonidos a diferentes frecuencias. Tras varias observaciones descubrió que las vibraciones de cada sonido hacían que la arena se amontonara en distintos lugares creando patrones bidimensionales llamados nodos.

Chladni se tomó la molestia de diagramar cuidadosamente los patrones, que ayudaron a popularizar su trabajo. Luego entró en el fascinante circuito de conferencias y audiencias en Europa con demostraciones en vivo. Esto culminó con una actuación ante Napoleón, quien quedó tan impresionado que ofreció un premio a cualquiera que pudiera explicar los patrones.

Pero la ley de Chladni no fue demostrada hasta el año 1816, cuando la matemática Sophie Germain logró modelizar este fenómeno, ganando el premio de la Academia Francesa de las Ciencias.

De esta forma se conoce que la ley de Chladni relaciona la frecuencia de modos de vibración para superficies circulares planas con centro fijo como una función de los números m de nodos diametrales (lineales) y n de nodos radiales (circulares), es decir:

donde C y p son coeficientes que dependen de las propiedades de la placa.

Es decir, si este experimento es realizado sobre una membrana circular como la de un tambor, los patrones obtenidos se compondrán de diámetros y circunferencias concéntricas.

En cambio, si se realiza sobre una placa cuadrada, implicará la resolución de la ecuación de ondas en dos dimensiones. Las condiciones de contorno obligan a que el borde de la placa sea un antinodo. Si se resuelve la ecuación para esas condiciones de contorno se encuentra la siguiente solución para las frecuencias de resonancia:

donde a representa la dimensión de la placa cuadrada, v la velocidad del sonido en la placa y (m,n) el número de líneas nodales observadas en horizontal y vertical respectivamente.

Estos patrones también se suelen obtener en la tapa o en la base de un violín y otros instrumentos de cuerda. Los luthiers se sirven de ellos para poder pulir cualquier zona asimétrica.

Si este experimento de realiza con algún fluido no Newtoniano, como por ejemplo melaza o harina con agua, el resultado es aún más impresionante. El fluido comienza a bailar sobre la placa formando figuras tridimensionales fantásticas.

El violín en la música electrónica

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La música electrónica actualmente cuenta con muchos géneros o subgéneros musicales, entre ellos están el house, dance, trance, electro, progressive, dubstep, drum &bass, etc. Se denomina electrónica porque para ser producida son necesarios varios aparatos como teclados, sintetizadores, micrófonos, audífonos, monitores de estudio, además de otros tantos softwares diferentes. Esta tecnología ya ha logrado producir sonidos casi idénticos a los que producen los instrumentos musicales, pero aún existen detalles en el sonido de un instrumento de cuerda que las máquinas no han logrado producir al igual que lo haría una persona. Le falta ese toque natural, la variedad de golpes de arco o incluso las imprecisiones sonoras o rítmicas que solamente podrían ser cometidas por la mano humana.

El violín resulta ser un estupendo componente en la música electrónica y muchos artistas lo están demostrando. Es innegable que la música electrónica y los nuevos enfoques innovadores para la composición y la interpretación están experimentando una especie de renacimiento en este momento. Reunir estos dos espacios genéricos puede resultar en la fusión de estilos que van desde el techno hasta la música ambiental, sin mencionar las nuevas formas de música que ni habíamos escuchado.

Hay quienes realizan covers de temas conocidos:

Otros optan por las improvisaciones sobre las tonalidades dadas:

El tipo de violín idóneo para hacer música electrónica es el violín eléctrico, que tiene un cuerpo sólido, lo que significa que requiere un amplificador para poder emitir el sonido. Un violín acústico también podría servir en la música electrónica, pero quizás necesite un micrófono adicional para regular el sonido.

Loop Station o Pedales de Bucle

También están los artistas del «Loop Station». Ellos usan un dispositivo con forma de pedal que permite al artista crear todos y cada uno de los sonidos, para después grabarlos y añadirlos uno sobre otro por compases.

A falta de todos estos aparatos, además existe una amplia variedad de aplicaciones que puedes descargar para hacer música electrónica y loops tú mismo, lo único que necesitas es inspiración.