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Las escalas cromáticas

Publicado el por Todo Violín

Una escala musical cromática, también llamada escala dodecafónica, es aquella que consta de los doce semitonos que contiene una octava. Es decir, entre cada nota hay un semitono, en vez de un tono como en las escalas mayores y menores.

¿Qué significa cromático?

La palabra cromático proviene de la palabra griega “chroma” que significa color. Es decir, los semitonos permiten agregar color a las escalas mayores y menores.

Durante la década de 1600, la música generalmente se escribía en escalas mayores y menores. Los compositores usaban notas fuera de estas claves, llamadas alteraciones, (#, b) para embellecer la melodía y agregar color a la música. Llamaban a esas alteraciones «cromáticos» ya que aportan color y emoción a la música sin cambiar el centro de la tonalidad.

Desde el siglo XIX en adelante, los compositores querían alejarse de escribir música en una clave determinada. Esto llevó a que el cromatismo se usara cada vez más y dio lugar a la música atonal, que no tiene ningún sentido de tonalidad. Se puede comenzar una escala cromática desde cualquier tono, simplemente agregando semitonos hasta llegar a la nota inicial una octava más arriba (o más abajo, si la escala es descendente)

Es tan beneficioso practicar escalas cromáticas como escalas tonales comunes. Ayudan a mejorar la entonación y también para practicar la técnica del glissando.

Digitaciones en las escalas cromáticas

Para tocar con agilidad estas escalas, necesitamos ordenar los dedos de la mano izquierda de modo que nos resulte cómodo realizar los cambios de posición. Existen varias digitaciones muy comunes para las escalas cromáticas.

¿Cuál es la digitación más útil para tocar la escala cromática?

Generalmente hay dos formas de tocar la escala cromática en el violín, cada una tiene sus beneficios. No existe una forma correcta y es posible que te encuentres usando ambas, dependiendo de la situación.
Los números a continuación representan los dedos que tendrás que usar:

A. Desplazamiento o arrastre de dedos: 1 – 1 – 2 – 2 – 3 – 3 – 4
Este patrón es mucho más fácil de aprender para un principiante, especialmente si no estás familiarizado con las posiciones, ya que cada dedo se mueve en el área que normalmente toca en la primera posición.

Incluso hay una versión un poco más fácil de este patrón: 1 – 1 – 2 – 2 – 3 – 4. En este caso, la nota en la siguiente cuerda sería al aire. Cuando utilices esta digitación, lo más probable es que escuches algunos sonidos deslizantes, lo que a veces puede ser deseable y otras no. Durante pasajes rápidos, es posible eliminar el sonido de deslizamiento haciendo movimientos más ágiles con la mano izquierda.

B. Desplazando toda la mano: 1 – 2 – 1 – 2 – 3 – 4

Una variación de este patrón puede ser: 1 – 2 – 3 – 1 – 2 – 3 pero la idea general es cambiar los dedos para cada medio paso. Este patrón a veces se llama «Digitación de Carl Flesch», llamado así por el violinista y maestro húngaro.

Esta digitación es útil en las siguientes situaciones:

  • Al tocar pasajes rápidos
  • Cuando te esfuerzas por lograr un sonido legato suave
  • Cuando quieras evitar escuchar glissando

Si tienes que tocar un pasaje cromático, es posible que tengas que escoger tú mismo la digitación que te resulte más cómoda. La elección final depende de una variedad de razones. Por ejemplo, elegir el primer método puede parecer más fácil, pero si estás tocando en conjunto con más instrumentos, el glissando puede afectar el sonido general.

¿Cómo practicar la escala cromática en el violín?

Elige la digitación que usarás y una octava, sugerimos comenzar en la cuerda al aire A o D.
Toca todos los semitonos dentro de una o dos octavas en orden ascendente y descendente.
Verifica tu entonación con un afinador para asegurarte de que colocas el dedo en los lugares correctos.
Cuando estés familiarizado con las notas, intenta incorporar metrónomo en tu práctica de escalas cromáticas. Comienza con un tempo lento y aumenta gradualmente la velocidad. También puedes probar diferentes patrones rítmicos para hacer la práctica más divertida.

Las escalas cromáticas en posiciones altas

Algunas obras para violín de gran virtuosismo incluyen escalas cromáticas ascendentes o descendentes que se tocan en posiciones altas de la mano izquierda. En estos casos, debido a la velocidad que requiere la pieza, es común tocar varios tonos con tres, dos o incluso un solo dedo. La razón es que en la segunda mitad de la cuerda E, los semitonos están demasiado juntos para usar los dedos adyacentes afinados, por lo que usa el mismo dedo tanto como sea posible. A veces se puede hacer una escala cromática descendente desde una nota muy alta con la digitación: 1-1-1-1-1-1, 2-2-2-2-2- ó 3-3-3-3-3-

A gran velocidad, sonaría como un amplio glissando

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Ejercicios para violinistas principiantes

Publicado el por Todo Violín

Si estás aprendiendo a tocar el violín, puede que ya estés practicando algunas escalas y arpegios que te sirven para conocer las posiciones de la mano izquierda y también son muy útiles para calentar. Además de las escalas, es bueno realizar algunos ejercicios antes de proceder a estudiar una obra. Los ejercicios pueden variar en función de lo que necesites trabajar, de modo que vamos a clasificarlos y a mostrarte algunos de ellos para que puedas practicar en casa.

Ejercicios de coordinación:

Cuerdas al aire – Si recien estás comenzando a tocar el violín, este ejercicio te ayudará a fijar tu atención en el punto de contacto entre el arco y las cuerdas. Debes procurar siempre mantener el arco en un ángulo de 90º respecto a las cuerdas y sacar un buen sonido sin temblores, desde el talón hasta la punta, y viceversa.

Puedes ir cambiando el tipo de golpe de arco o ligadura en las notas. Esto te servirá para refrescar tus nociones de solfeo y la duración de las notas, además de asegurar que los cambios de cuerda con la mano derecha sean precisos.

 

Cuando ya puedas dominar los cambios de cuerdas al aire con confianza, puedes comenzar a desarrollar la movilidad en los dedos de la mano izquierda sobre las cuerdas.

Campanitas de Lugar

Ejercicios para la mano izquierda:

Colocación de dedos y afinación – Los ejercicios de afinación te ayudarán a entrenar a tus dedos para que puedan localizar los lugares exactos en donde deben pisar la cuerda. Cuando practiques la afinación, comienza muy despacio para oír bien cada tono. Con la ayuda de un metrónomo, puedes aumentar la velocidad poco a poco.

Estudio de Dancla

Agilidad – Cuando domines bien la entonación de un ejercicio, puedes añadirle velocidad hasta que tu mano izquierda se sienta cómoda tocando todas las notas.

Ejercicios para la mano derecha:

Talón, centro, punta – Presta atención al arco y procura realizar ejercicios en los que puedas trabajar el sonido en cada parte del arco. Comienza con cuerdas al aire solamente del talón al centro, por ejemplo. Después, realiza el mismo ejercicio pero esta vez tocando del centro a la punta. Notarás que tu mano y tu brazo derecho deben cambiar el tipo de movimiento y presión según la parte del arco que estés usando.

Estiramiento de dedos – Para este ejercicio no necesitarás el violín, solamente el arco. Agarrando bien el arco con cada dedo en su lugar correspondiente, estira y encoge los dedos sin soltar el arco y sin desplazar las yemas de los dedos de su sitio.

Reforzar índice y meñique – De nuevo solamente usando el arco, flexiona tu dedo meñique hasta que notes que el balance pasa al dedo índice, sin que los demás dedos se muevan, cuando la vara del arco suba, usa nuevamente el meñique para frenarlo.

Estos ejercicios son muy recomendables para todo violinista, ya sea principiante o profesional. 

Los subarmónicos en el violín – los tonos más graves que se pueden alcanzar

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Una cuerda produce los sonidos más graves cuando no es cortada ni pisada en ninguna parte, por este motivo se suele pensar que el tono más grave que puede alcanzar un violín corriente es sol (G), de la cuerda al aire, puesto que cualquier parada sobre ella causaría un sonido más agudo que sol (G). La violinista Mari Kimura echó esta teoría por tierra al descubrir tonos más bajos que se pueden tocar en la cuerda sol de un violín.

Mari Kimura, intérprete, compositora e investigadora, ha abierto nuevos mundos sonoros para el violín. En particular, ha dominado la producción de tonos que suenan hasta una octava por debajo de la cuerda más baja del violín, es decir, tonos más graves y que hacen vibrar la cuerda a menor velocidad. Esta técnica, que ella llama subarmónicos, le ha valido un reconocimiento considerable en el mundo de la música.

Para alcanzar los subarmónicos con el violín, Mari Kimura aplica técnicas específicas o golpes de arco de bastante presión en el talón, provocando un gran agarre en la cuerda, como si la raspara.

Por lo visto, Mari Kimura hizo este descubrimiento por casualidad, mientras estaba practicando “Tzigane” de Ravel, que comienza con un solo en la cuerda G. Tras numerosos estudios e investigaciones sobre este tema, compuso varias obras para violín que incluyen los subarmónicos:

Mari Kimura es además pionera en el campo de la música interactiva por computadora. En su obra «Voyage Apollonian», presenta un guante especial que, al realizar los golpes de arco, estos crean y controlan una secuencia de animación por ordenador. Mientras toca, los sensores del guante envían datos al software que se ejecuta en su ordenador, lo que provoca que una animación en la pantalla se transforme en varias formas y patrones antes de volver a su configuración original. El módulo funciona como un controlador electrónico para los procesos de sonido digital en tiempo real, como la transformación del sonido y la síntesis del sonido.

El violín en el tango argentino

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Según estudios se cree que el tango como género musical tiene su origen en las danzas «tanga» provenientes de Africa. Más tarde, se relaciona a la danza habanera afro-cubana, propia del s. XIX. Estas danzas son extendidas desde Cuba y Africa hasta Europa y gracias a ello el tango comienza a formar parte del folclore de diferentes zonas. Algunos tipos de tango que se encuentran entonces son el tango andaluz o tango flamenco, la milonga, la zarzuela, la polka o incluso el vals.

Durante el s. XIX, los emigrantes europeos que llegan a Argentina y Uruguay portan consigo además de sus instrumentos musicales (entre ellos el violín), también la herencia musical del tango, para transformarlo en el género que conocemos hoy en día. No obstante, el tango fue rechazado e incluso prohibido a finales del s. XIX y no es hasta el año 1915 que el tango comienza a ser bien aceptado, gracias a la clase burguesa de Francia, que tenía mucho interés en este tipo de música tan sensual y hermosa.

El violín siempre estuvo presente, siendo una parte esencial del sonido del tango argentino. Además, los violinistas de tango introdujeron técnicas de sonido innovadoras hasta el momento que incluían golpes de arco y todo tipo de percusiones sobre el instrumento, como por ejemplo:

Cepillo Con el arco sobre el diapasón, debes realizar un movimiento en un ángulo de 90 grados hacia el puente. Obtienes una especie de sonido de cepillado de rascado que puedes usar para iniciar acordes y notas rítmicas.

Tambor Esta es una forma de pizzicato donde los dedos de la mano izquierda se colocan de manera diferente. Pones el segundo dedo de la mano izquierda en la cuerda re donde normalmente tocas sol# pero colocas el dedo de modo que el borde carnoso esté cerca de la cuerda sol. Luego, toca la cuerda sol con bastante fuerza y ​​la cuerda debe rebotar en su dedo creando un sonido seco similar al de un tambor. No deberías escuchar armónicos ni notas. Debe estar totalmente seco.

Látigo Es una especie de glissando ascendente rápido que a menudo termina en un armónico. A menudo cubre la longitud del diapasón. También puedes hacer unos cortos en dirección descendente que comiencen en lo alto de las cuerdas E o A.

Sirena Tocas dobles cuerdas, comienzas alto y haces un glisando amplio y lento hacia abajo.

Golpe de Caja Golpear la caja, siendo la caja el cuerpo de su instrumento. A menudo se usa en el bajo y el violonchelo y también es posible en el violín. Puedes golpear en una variedad de formas diferentes, con el pulgar, los nudillos, la palma de la mano. Cada uno produce un sonido diferente.

Chicharra Esta técnica es cuando tocas el hilo de color en la cuerda detrás del puente. Asegúrate de que el arco tenga suficiente resina y coloca el talón del arco en la cuerda para hacer un sonido de percusión áspero. A se usa para acompañar el ritmo.

Pizzicato de banjo o Pizzicato triple

Usando tres dedos de la mano derecha (corazón, anular y meñique) realizas un pizzicato rápido parecido al que se hace al tocar la guitarra

Pizzicato de milonga Esto se usa solo en milongas y se toca pizzicato en las cuerdas detrás del puente.

Strapata Esta técnica sería solo para contrabajo y chelo, ya que no funciona bien con las cuerdas más cortas del violín y la viola. Toca las cuerdas con el arco a mucha velocidad, ya sea con las cerdas o col legno y hazlo rebotar, cerrando la mano hacia abajo sobre las cuerdas al final para crear un sonido de batería tipo redoble

Crujido de espalda Esto es cuando presionas el arco hacia abajo en la parte posterior de tu instrumento y haces rodar la madera del arco sobre las cerdas de un lado a otro. Suena como si algo se estuviera agrietando y rompiendo. No hace ningún daño al violín, solo deja un poco de resina en la parte posterior que se puede limpiar.

Arrastre Esta es una técnica muy utilizada por el piano y el bajo. Es básicamente una especie de efecto que se usa principalmente con sincopas para exagerar su efecto. Colocas el arco y los dedos más abajo que la nota en la que quieres terminar y deslizas ambos juntos hacia arriba creando una especie de sonido crujiente y brillante que terminas con un acento. Esto es utilizado por todas las bandas de tango.

Chirrido brasileño Este sonido se parece al chirrido que produce un tipo pequeño de tambor brasileño. Colocas las yemas de los dedos en la parte posterior de tu violín o violonchelo y con un movimiento rápido los llevas hacia ti a lo largo de la parte posterior del instrumento. Si tus dedos están demasiado secos, no funcionará.

Glissandos no clásicos En el tango, el uso del glissando es parte del lenguaje expresivo. Algunos de los violinistas más famosos del tango, utilizan más de 12 tipos diferentes de glissando en una sola frase. Puedes ser realmente creativo con esto y no hay reglas estrictas.

Articulación Una gran parte de lo que hace que el tango sea tango es la forma en que articulas las notas. Los músicos de tango son muy precisos en esto y tienen un marcato especial corto y percusivo tocado justo en el talón que imita el sonido del bandoneón. Lo contrario es legatos largos, con fraseos de tresillos y una forma de rubato, llamada fraseo, que literalmente baila alrededor del ritmo, empujando hacia adelante y tirando hacia atrás. Este tipo de fraseo es muy importante en las melodías de tango. Piazzolla fue un maestro en esto.

Emoción El elemento más importante de un gran tango es tocar con un 110% de emoción. Si no te involucras de lleno con tu mensaje y música, los tangueros lo sentirán y se quedarán fríos. Esta música representa tanto para la gente de Argentina y para los que bailan el tango que serás desairado si la tocas con poco entusiasmo. Como dicen los músicos de tango, no te molestes en subirte a ese escenario si no estás preparado para dar todo lo que tienes. Debes hablar desde tu corazón.

Libertad Aunque el tango tiene algunas reglas estilísticas, es música popular y por eso siempre hay un espacio creativo para que aportes tus propias ideas. Los solos que obtienes en los tangos son un momento en el que tienes que encontrar tu voz, puedes agregar todo tipo de cosas, desde cadencias de tipo clásico hasta licks de jazz.

Al adentrarnos un poco más en el tango argentino, podemos comprender con facilidad cómo es que son tan pocos los violinistas clásicos que se atreven con este género tan especial. El tango exige mucha pasión y sentimiento a la hora de interpretar, además de un sonido bello.

Astor Piazzolla

Y no podemos hablar del violín en el tango sin mencionar al músico y compositor Astor Piazzolla. Nacido en Argentina de inmigrantes italianos, Piazzolla (1921-1992) pasó parte de su juventud en Little Italy en Manhattan, donde escuchó la colección de discos de orquesta de tango de su padre y estudió con la pianista clásica húngara Bela Wilda (estudiante de Rachmaninoff). Inspirado por el tango innovador del compositor y violinista argentino Elvino Vardaro, el jazz y la música de concierto estadounidenses, y con la formación de su propia Orquesta Típica, Piazzolla revolucionó el tango en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial.

Pero su camino no siempre estuvo claramente dirigido en la dirección del tango. Piazzolla viajó a París a principios de la década de 1950 para estudiar composición clásica con la legendaria pedagoga Nadia Boulanger. Fue ella quien lo animó a explorar su verdadera voz en el tango.

Después de escuchar al saxofonista de jazz estadounidense Gerry Mulligan, Piazzolla compuso y grabó una serie de nuevos tangos con la Orquesta de Cuerdas de la Ópera de París. Cada vez más, su música comenzó a mezclar tango, jazz y componentes sinfónicos.

Piazzolla transformó el tango mezclando jazz e influencias sinfónicas para crear instrumentales complejos. Pese a que en un principio no fue bien aceptado en su tierra natal, Astor Piazzolla es en la actualidad uno de los autores de tango más reconocidos, además de haber compuesto los geniales 25 tangos para violín y piano.

Para finalizar, veamos algunos de los violinistas de tango argentinos más populares:

Mario Abramovich – violinista y compositor

Antonio Agri – violinista y compositor

Alfredo Gobbi – violinista y compositor

Elvino Vardaro – violinista y compositor

Viajar en avión con un violín – lo que debes saber

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Llega la hora de las vacaciones y quizás toque tomar un avión. Si estás planeando un viaje y vas a llevar tu violín contigo, hay varias cosas que debes saber antes de subirte a un avión, pues existen una serie de requisitos que las compañías aéreas exigen para transportar instrumentos musicales en la cabina.

Es importante que el violín, al igual que los demás instrumentos musicales, viaje en la cabina del avión y que no vaya en la bodega como el equipaje facturado, pues podría sufrir numerosos golpes y quedar dañado.

Generalmente, la mayoría de las empresas aceptan pequeños instrumentos musicales como equipaje de mano. No obstante, otras pueden negarse y algunas incluso te pedirán que pagues una tarifa adicional. Este suele ser el caso de las empresas de bajo coste. Si viajas con un violonchelo o un contrabajo, quizás te pidan que reserves un segundo asiento en el que se colocará tu instrumento. Las empresas utilizan 2 elementos para determinar el tipo de instrumento musical que se puede llevar en cabina como equipaje de mano: Las dimensiones de la caja (no del instrumento)  y el peso total de la caja.

A continuación, algunas de las especificaciones de varias compañías aéreas europeas:

Wizz Air: El tamaño máximo permitido del instrumento musical es 80 x 40 x 23 cm (incluida la funda). Si el instrumento no supera las medidas de 55 x 40 x 23 cm y el peso de 10 kg, la política de equipaje de Wizz Air permite transportarlo como equipaje de cabina facturado en lugar de la maleta con ruedas (solo con el servicio Wizz Priority). 

Ryanair: Pese a que indiquen que pueden llevarse instrumentos que no superen las medidas de equipaje de mano, para el caso de un violín, seguramente deberás comprar un asiento adicional para que pueda ir contigo

Vueling: Al considerarse los instrumentos musicales como equipaje especial, lo más probable es que debas comprar un asiento adicional, ya que las medidas de equipaje de mano son 40x20x30 cm y una segunda pieza adicional de 55x40x20 cm

Iberia: Permite llevar instrumentos musicales en la cabina como equipaje de mano, siempre que no superen las medidas de 30x120x38 cm

Easyjet: Permite llevar instrumentos musicales en la cabina, siempre que no superen las medidas de 30x120x38 cm

Air Europa: Los instrumentos musicales pueden ser equipaje de mano siempre que no superen los 115cm. 

Euro Wings: Los violines pueden ir a bordo como equipaje de mano, incluso si superan «levemente» las medidas de 55 x 40 x 23 cm. 

Air France: Los instrumentos de menos de 115 cm sumando sus lados, pueden ser transportados como equipaje de mano en cabina.

British Airways: Se permiten llevar instrumentos musicales en la cabina con medidas no superiores a 80 X 45 X 25 cm

Aer Lingus: Se permiten instrumentos en la cabina que no superen las medidas de 55cm X 40 cm X 24cm

Requisitos de compañías aéreas latinoamericanas:

Aerolíneas Argentinas: Permiten los instrumentos musicales que no superen la longitud máxima de 80 cm

Areoméxico: Permiten los instrumentos musicales que no superen un perímetro máximo de 115 cm.

Avianca: Permiten los instrumentos musicales que no superen las medidas de equipaje de mano, que son de45 cm x 35 cm x 25 cm y 55 cm x 35 cm x 25 cm, según la tarifa que adquieras.

Requisitos para viajar en avión con un violín en E.E. U.U.:

American Airlines: Pese a que la compañía permita transportar instrumentos sin especificar medidas, es posible que puedan confiscar en la aduana *elementos como el marfil o la concha de tortuga que puedan tener los instrumentos antiguos.

Asegúrate siempre de indicar a la compañía aérea con la que viajes que vas a llevar un violín para que puedan proporcionarte la información correcta antes de viajar.

*Evitar que te confisquen el arco

Si es posible, viaja con un arco que no contenga marfil, ni caparazón de tortuga, ni madera de pernambuco. Si tu arco no contiene elementos prohibidos, no necesita documentos especiales. Sin embargo, para estar seguro, puedes solicitar al fabricante un documento de «declaración de materiales». 

¡Buen viaje!

 

Tamaño de violín

Tamaño de un violín – ¿Cuál escoger?

Publicado el por Todo Violín

Generalmente, los violines profesionales para adultos cuentan con unas medidas específicas y forman parte de la categoría de tamaño de violín 4/4. De este modo, los violines de medidas menores o más pequeños que 4/4, podrían clasificarse en las siguiente tabla de medidas:

Tamaño del violín        Longitud del brazo                         Edad estimada
1/32                    Menos de 14 pulgadas                               2 ó 3 años
1/16                   14 a 16.5 pulgadas/35-38 cm                      3 a 5 años
1/10                   16.5 a 17 pulgadas /39-42 cm                     4 a 5 años
1/8                     17 a 17.5 pulgadas /43-46 cm                     5 a 6 años
1/4                     17.5 a 19.5 pulgadas /47-51 cm                  6 a 7 años
1/2                     20 a 22 pulgadas  /52-56 cm                      7 a 9 años
3/4                     22 a 23 pulgadas /57-60 cm                       9 a 12 años
4/4                     23 pulgadas y más /más de 60 cm              de 13 años en adelante

Cómo determinar qué tamaño de violín necesitas – Tamaño del violín basado en la longitud del brazo

La forma más precisa de elegir el tamaño de violín adecuado es usar la longitud del brazo del violinista como guía. Con una cinta métrica, puedes medir el lado izquierdo del cuello del violinista hasta la palma de su mano izquierda. El brazo del violinista debe estar estirado y no doblado por el codo. Luego puedes medir desde el lado izquierdo del cuello del violinista hasta la muñeca. Estas medidas se pueden utilizar como guía para elegir el tamaño de violín adecuado. 

Una vez que hayas tomado estas medidas y las hayas comparado con la tabla anterior, puedes usar el instrumento para descifrar aún más si el tamaño es apropiado o no. El violinista debe sostener el violín en su hombro izquierdo (como lo haría normalmente) y extender su mano. Si la mano del músico puede curvar cómodamente los dedos alrededor de la voluta, con una ligera flexión en el codo, entonces este sería el tamaño de instrumento adecuado para él. Si su brazo está completamente extendido, entonces el instrumento es demasiado grande. Si su brazo está demasiado doblado a la altura del codo, entonces el violín sería demasiado pequeño para ellos. 

 

Obviamente, tendrás que comprar un arco, una almohadilla y un estuche cuando compres tu nuevo violín.  Los arcos y estuches deben coincidir con el tamaño del nuevo violín. Por lo tanto, si compras un violín de 1/4 de tamaño, su estuche y arco también deben ser de 1/4 de tamaño. Muchas veces, el arco y el estuche vendrán con el violín, especialmente si son modelos más económicos destinados a los jóvenes. Sin embargo, a veces tendrás que comprarlos por separado.

Violines de tamaño 1/32 (más pequeños)
Estos son los violines de tamaño más pequeño que encontrarás en el mercado. Por lo general, estos violines son para los estudiantes más pequeños, alrededor de los 2 ó 3 años. A los estudiantes tan jóvenes les resultará muy difícil sostener el violín en el hombro durante un largo período de tiempo, debido a esto, los violines 1/32 son extremadamente livianos. Tienen el tamaño perfecto para que los niños muy pequeños practiquen cómo sostener el violín.

Violines de tamaño 1/16
El siguiente tamaño es el instrumento de tamaño 1/16. Este tamaño sería perfecto para jóvenes estudiantes de entre 3 y 5 años. Su tamaño es de alrededor de una pulgada más grandes que el violín de tamaño 1/32. 

Violines de tamaño 1/10
El siguiente tamaño es el violín de tamaño 1/10. Solo un poco más grande que el instrumento de tamaño 1/16, este tamaño sería perfecto para un niño de alrededor de 4 ó 5 años que sea demasiado grande para tocar un violín de tamaño 1/16.

Violines de tamaño 1/8
Los violines de tamaño 1/8 son solo una pulgada más grandes que el instrumento de tamaño 1/10. Sin embargo, esta pulgada marcaría una gran diferencia para el estudiante. Por lo general, este tamaño se adaptaría a un niño de alrededor de 5 ó 6 años.

Violines de tamaño 1/4
Los violines de tamaño 1/4 se adaptan a los violinistas de alrededor de 5 a 7 años. El violín de tamaño 1/4 es uno de los tamaños más populares para empezar a tocar, ya que muchos niños comienzan a aprender a tocar el violín entre estas edades. Los violines de tamaño 1/4 son dos pulgadas más grandes que los instrumentos de tamaño 1/8.

Violines de tamaño 1/2
El siguiente tamaño es el violín de tamaño 1/2. Estos violines serían los mejores para músicos de entre 7 y 9 años.

Violines de tamaño 3/4
El siguiente tamaño, y el más cercano a un instrumento de tamaño completo, es el violín de tamaño 3/4. Esto sería adecuado para niños entre las edades de 9 a 12 años, dependiendo de su altura y longitud del brazo.

Violines de tamaño 4/4 (tamaño completo)
Ahora hemos llegado al violín de tamaño completo. Por lo general, los violinistas que se han desarrollado a través de cada tamaño y tienen alrededor de 13 años o más comenzarán a usar este tamaño. Este tamaño también es el más adecuado para violinistas adultos. Como este es el violín de mayor tamaño en el mercado, ¡no tendrás que preocuparte por comprar más tamaños después de este!

¿Cuándo debe pasar al siguiente tamaño?

Esta es una pregunta común que muchos tendrán al comprar su nuevo violín. Los niños, especialmente, crecen rápidamente y, por lo tanto, se adaptarán a su violín más rápido que un adulto. Su maestro será de gran ayuda para determinar cuándo el niño debe pasar a un tamaño más grande, ya que podrán deducirlo del desarrollo técnico de los estudiantes. Aplicando las mismas reglas de medición que hemos mencionado anteriormente, te asegurarás de saber exactamente si tu hijo necesita un violín más grande o no.

Lo más importante es que el violinista esté tocando el violín que le resulte más cómodo. A veces, si un músico se salta un tamaño, necesitará más tiempo para adaptarse al instrumento más grande. Por eso, nunca cambie el instrumento de su hijo antes de un examen o recital importante. Permita que el estudiante se acostumbre realmente al instrumento más grande antes de tocar durante algunas semanas. Siempre es bueno consultar con el profesor antes de tomar esta decisión ya que, como hemos mencionado anteriormente, el profesor tendrá una mejor idea del desarrollo del alumno.

Al elegir el tamaño de violín más apropiado para ti o para tu hijo, te asegurarás de que el instrumento sea más cómodo para tocar y que el desarrollo musical no se vea afectado por el instrumento. 

Armónicos

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Los armónicos de violín son sonidos que se oyen muy puros y airosos. Podemos definir un sonido armónico como una especie de insinuación. Cuando se emite un sonido, éste puede crear varios tonos en diferentes longitudes de onda, también llamados sobretonos. Las insinuaciones son los tonos que tienen frecuencias más altas que el tono más bajo del sonido emitido. Se denomina armónico cuando la frecuencia de la insinuación es un múltiplo de número entero de la frecuencia fundamental.

Sobretono es un término generalmente aplicado a cualquier onda estacionaria de mayor frecuencia, mientras que el término armónico se reserva para aquellos casos en los que las frecuencias de los sobretonos son múltiplos enteros de la frecuencia de la fundamental. Los sobretonos o armónicos también se denominan resonancias. En el fenómeno de la resonancia, un sistema que vibra a alguna frecuencia natural está sujeto a vibraciones externas de la misma frecuencia; como resultado, el sistema resuena o vibra con una gran amplitud.

Los armónicos se logran tocando suavemente la cuerda del violín con un dedo de la mano izquierda mientras realizas un golpe de arco normal con la mano derecha.

Otra palabra para armónicos de violín es «flageolet». Una flageolet es una flauta de madera que produce un sonido similar al de un silbido. Las notas armónicas de un violín suenan de manera similar a esta flauta. Además de que los armónicos son una de las técnicas básicas, también son algunos de los sonidos más hermosos que puede producir un violín. 

Existen dos tipos de armónicos; los naturales y los artificiales.

Armónicos naturales:

Al colocar tu dedo suavemente sobre la cuerda en uno de los puntos armónicos sin pisar la cuerda con otro dedo, estarás tocando un armónico natural. La cuerda vibra entre la cejilla y la punta de tu dedo y entre la punta de tu dedo y el puente.

Cada cuerda tiene 4 notas armónicas naturales:

1- Una octava por encima de la cuerda al aire
En la cuerda G, esta sería la G una octava más alta, como la que toca con el tercer dedo en la primera posición en la cuerda D.

¿Donde? Este es exactamente el medio de la cuerda. Puedes tocar este armónico colocando el cuarto dedo en la cuarta posición.

Puedes encontrarlo fácilmente, incluso si eres un principiante. Su punto de referencia es la caja de resonancia tal como estás en la tercera posición. Apuntas con el dedo índice hacia arriba, estiras un poco el meñique y el segundo y el tercer dedo estarán fuera de la cuerda. Mientras tu mano descansa contra la caja de resonancia, tu dedo anular se estira como un telescopio y se coloca con la almohadilla de la punta del dedo plana sobre la cuerda.

2- Dos octavas por encima de la cuerda al aire
En la cuerda G, esta es la G dos octavas más alta que la cuerda al aire, como la que tocas con el segundo dedo bajo en la primera posición en la cuerda E.

¿Dónde? Este armónico se encuentra en un cuarto de la cuerda, contado desde el puente. 

¿Cómo tocarlo? Puedes tocarlo con el tercer dedo en la primera posición. Cuando necesites tocar esto y estés en una posición alta, es mejor que elijas la versión a una cuarta parte de la longitud de la cuerda desde el puente con cualquier dedo que se encuentre cerca.

3- Una octava y una quinta por encima de la cuerda al aire
En la cuerda G, esta sería la D, como si tocaras con el tercer dedo en la primera posición en la cuerda A.

¿Dónde? Este armónico se encuentra en un tercio de la longitud de la cuerda: ya sea contada desde el puente. El sonido es el mismo.

¿Cómo tocarlo? Puedes tocarlo con el cuarto dedo en la primera posición y también puedes tocar la versión alta con cualquier dedo que quieras.

4- Dos octavas y una tercera por encima de la cuerda al aire
En la cuerda G, esta sería la B, como si tocaras con el cuarto dedo en la primera posición en la cuerda E.

¿Dónde? Este armónico se encuentra en cuatro puntos: en una quinta y dos quintas desde el puente.

¿Cómo tocarlo? Puedes encontrarlo con el segundo dedo alto en la primera posición o con el tercer dedo en la tercera posición o una de las dos mismas distancias del puente hacia abajo

Armónicos artificiales:

La cuerda se pisa de forma normal y luego se digita (con el dedo meñique) en un punto un cuarto o un quinto por encima de la nota detenida. Se aplican las mismas prácticas de notación para los armónicos artificiales que para los armónicos naturales. A menudo se utiliza una pequeña cabeza de nota entre paréntesis para indicar el resultado del sonido. Es posible agregar vibrato y tocar líneas melódicas en armónicos artificiales, pero ambas técnicas deben usarse con cuidado.

Deben suceder tres cosas: el primer dedo se coloca sólidamente en la cuerda, el cuarto dedo ligeramente y el arco debe engancharse a la cuerda. El dedo meñique deberá estar extendido y ligeramente curvado.

Duetos – Selección de obras para dos violines

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Si el sonido de un violín es hermoso, entonces dos violines tocando en conjunto pueden crear algo mágico. Hoy queremos mostrarte varias piezas para dos violines y violas que quizás no conozcas. También podrás descargar las partituras para tocarlas en buena compañía.

5 Piezas para dos violines y piano, de Shostakovich

Partituras: 

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Sonata para 2 violines de Sergei Prokofiev

Partituras:

prokofiev_-_sonata_for_2_violins_op.56_violin_iDescarga
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Louis Spohr – Duo Concertante Op.39 No. 1

Partituras:

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Ignas Pleyel Duo para Violin y Viola, Op. 69. No. 1

Partrituras:

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Wilhelm Friedemann Bach – duo para 2 violas

Partituras:

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Obras para violín con influencia gitana

Publicado el por Todo Violín

Son muchos los compositores que fueron fascinados por la cultura musical romaní y quisieron tomar ejemplo de ella para escribir sus propias obras. Además es muy común asociar el violín a un estilo musical pasional, fogoso y libre, de modo que algunas de estas obras para violín de temática gitana son consideradas las más bellas y virtuosas, además de figurar como parte del programa a interpretar en los concursos de violín más prestigiosos del mundo.

Para conocer un poco más el concepto que tenían compositores como Sarasate sobre la música gitana, debemos tener en cuenta el uso de los diferentes modos y escalas musicales. A diferencia de las escalas Mayores y menores que predominan en la música clásica, la música tradicional folclórica de muchos rincones del mundo hace uso de los modos tonales más antiguos y crea nuevas combinaciones con ellos.

Una de las escalas que más aparece en la música romaní de la región de los Balcanes es la Escala Doble Armónica, también conocida como escala gitana o húngara. Está compuesta por una escala (mayor o menor) con los grados II y VI disminuidos. 

A su vez estas escalas podrían estar influenciadas por el sistema modal Maqam, perteneciente a la música de Grecia y Turquía. Tal sistema ordena los sonidos en microtonos, en lugar de semitonos como en la música occidental. 

En el flamenco también se hace uso de escalas mayores y menores, pero también del modo tonal frigio, que actualmente denominan modo flamenco. 

Partiendo de la idea de que existe tal riqueza de modos tonales que a oídos europeos pueden sonar «exóticos», podemos entender la búsqueda de distintas influencias por parte de los compositores clásicos y posteriores. No obstante, algunos compositores hicieron recopilaciones de música folclórica de diferentes partes de Europa, apropiándose en cierta forma de las canciones anónimas que únicamente podían ser transmitidas de forma oral. Este hecho a veces ha causado disputas entre etnomusicólogos y autores pero, por otra parte, los compositores famosos pudieron documentar parte del folclore para que no quedara en el olvido. 

Y puesto que el folclore suele adoptar una gran variedad de influencias, estilos musicales y modos tonales con el paso de los años, a menudo la música tradicional y folclórica suele mezclarse con la música interpretada por gitanos en grandes eventos sociales y festividades. O quizás la riqueza musical folclórica de las diferentes regiones se deba al intercambio cultural que solamente pudieron traer los nómadas desde algún otro lugar del mundo.

Algunas de las obras más famosas son:

– Pablo de Sarasate: «Aires Gitanos» 

 

– Ravel:»Tzigane» 

– Fritz Kreisler:»Capricho Gitano»

 

– Manuel de Falla: «El Amor Brujo» (Ballet, Cantantes y Orquesta)

– Telemann: Gypsy Sonata (Orquesta Barroca)

– Boleslav Boiko:»Rapsodia Gitana» (para Orquesta)

– Brahms: Zigeungerlieder: «Brauner Bursche» (para Coro)

– Aleksander Peskanov: “Gypsy Concerto” (para Piano y Orquesta)

 

Colocar el puente a un violín

Publicado el por Todo Violín1 Comentario

El puente del violín es una pieza de suma importancia tanto para soportar las cuerdas como para transmitir sus vibraciones al cuerpo del instrumento. Hecho de madera de arce, la forma del puente varía de un violín a otro y su ubicación y ajuste tienen un impacto significativo en el tono y la capacidad sonora del instrumento.

En primer lugar, el puente del violín suspende las cuerdas sobre el instrumento en su posición adecuada. Por tanto, la altura y la forma del puente son muy importantes para la configuración del instrumento. En segundo lugar, el puente del violín transmite las vibraciones de las cuerdas al cuerpo del instrumento. Una cuerda que vibra por sí sola no produce mucho volumen, pero «conectada» a la caja de resonancia del violín a través del puente, su sonido se vuelve tan poderoso que se puede escuchar en toda una orquesta.

Colocar el puente

La forma y la ubicación del puente del violín son fundamentales para maximizar el potencial del instrumento.

  • Las patas del puente deben estar centradas en las muescas del orificio f.
  • La corona (parte superior) del puente debe tener la misma forma que la del diapasón. Esto produce una altura de cuerda constante para las cuatro cuerdas.
  • Las patas deben estar completamente alineadas con la cara del instrumento. Si no es así, entonces no todas las vibraciones de las cuerdas se transmiten al instrumento y la calidad del sonido definitivamente está sufriendo.
  • El lado del puente más cercano al cordal debe estar perpendicular a la cara del instrumento.

Hay algunas situaciones en las que definitivamente necesitarás ayuda profesional:

  • Si el puente está deformado, será necesario reemplazarlo. Un puente deformado no solo inhibe el sonido del instrumento, sino que también corre el riesgo de romperse.
  • Si las cuerdas se han desgastado profundamente en la corona del puente, entonces es necesario reemplazar el puente de violín. Por lo general, alrededor del 75% de la cuerda debe estar por encima del puente en lugar de dentro de la muesca. Si se asienta más en el puente, entonces está amortiguado.
  • Si el puente se ha caído por completo y el alma está rodando dentro del violín, NO intentes arreglarlo tu mismo. El alma debe ser colocada por un profesional. Sin el alma, la tapa del instrumento no es capaz de soportar la presión que las cuerdas ejercen sobre el violín a través del puente.
  • Es muy importante estar continuamente al tanto de la ubicación del puente. Los cambios leves en la humedad, la temperatura o incluso el cambio de cuerdas pueden hacer que el puente se tuerza. La simple observación y el mantenimiento garantizarán que tu puente tenga una vida útil prolongada y que tu instrumento suene de la mejor manera.

Los puentes pueden deformarse después de un largo período de uso. Cuando notes que un puente ya no está recto, es hora de reemplazarlo. Un puente deformado no le dará a tu violín el sonido deseado. Las ranuras del puente también pueden volverse demasiado profundas para las cuerdas. Después de mucho tiempo, las cuerdas cortan la madera de arce. Hay formas de solucionar este problema antes de reemplazar un puente. Las carillas pequeñas, como una tirita, son una buena solución para surcos profundos que deben elevarse ligeramente. De hecho, algunos puentes vienen con revestimientos preestablecidos para garantizar que las cuerdas muy pequeñas, como E, no corten demasiado en el puente.

¿Cómo saber si el puente de tu violín está recto?

Una manera fácil de comprobar si tu puente está recto o no es tomar una regla y apoyarla contra la longitud del puente en el lado del cordal. Si la base y el lado del borde recto descansan contra la placa superior del violín y el lado del puente, entonces tu puente está recto.

Como puedes ver en esta imagen, un trozo de papel funciona muy bien para verificar si tu puente está recto.

Siempre revisa la parte posterior del puente (el lado que mira hacia el cordal); este lado tiene un borde plano. La parte posterior del puente (el lado que mira hacia el diapasón) está inclinada y no debe estar en un ángulo de 90 grados (un ángulo recto).

Si la regla no descansa uniformemente, el puente no está del todo recto.

¿Debería ser simétrico un puente de violín?

No, el puente del violín no es simétrico. La parte superior del puente tiene forma de arco, con un extremo un poco más alto que el otro. El extremo superior va en el lado de la cuerda Sol del instrumento y el extremo inferior va en el lado de la cuerda Mi.

La razón por la que el lado de la cuerda Sol del puente se encuentra más alto es para que la cuerda más gruesa tenga más altura y espacio para vibrar contra el diapasón. Dado que la cuerda Mi es más delgada, no necesita tanto espacio para vibrar. Es por eso que el lado de la cuerda Mi del puente es más bajo.

Además, el nombre del fabricante suele estar escrito en un solo lado del puente, el que mira hacia el cordal.

¿Qué altura debe tener el puente en un violín?

El puente de violín estándar de tamaño completo tiene 33 mm de alto (1,3 pulgadas), lo que corresponde a la altura del diapasón de 18-20 mm (0,71-0,79 pulgadas). La altura perfecta del puente permite que las cuerdas vibren al mejor ritmo para crear un hermoso sonido de violín.

A continuación puedes ver las instrucciones detalladas sobre la colocación de un puente de violín: