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Los cuartetos de cuerda más famosos

Publicado el por Mila Emilova Sivova

Un cuarteto de cuerdas es una agrupación musical, generalmente formada por dos violines, una viola y un violonchelo. Cada instrumento tiene un color y un tono específicos que, cuando se combinan, dan como resultado una música excelente.

El cuarteto de cuerdas, tal como lo conocemos hoy, ha pasado por un gran desarrollo desde la creación de los instrumentos necesarios en el siglo XVI. Durante los periodos del Renacimiento y el Barroco, los instrumentos de cuerda solían ir acompañados de un clavicémbalo para completar las armonías y ayudar a apoyar la línea del bajo. Era casi inaudito en ese momento no usar un instrumento de teclado al escribir para varios grupos de instrumentos de cuerda.

Así, el primer cuarteto de cuerda conocido fue compuesto en 1650 por el sacerdote católico Gregorio Allegri (1582-1652). Su cuarteto era una versión muy temprana de una sonata de cuatro partes (una composición para un solista instrumental) escrita para un pequeño conjunto de cuerdas sin acompañamiento de teclado.

En la actualidad existen muchos cuartetos de cuerda que permanecen activos a lo largo de los años y han dejado huella gracias a sus interpretaciones. Según revistas como Classical Music y Gramophone, estos son algunos de los mejores cuartetos de cuerda conocidos:

Cuarteto Kronos 

Campeón del repertorio contemporáneo y multigénero, el Kronos Quartet ha estado rompiendo barreras durante casi 50 años desde su formación en 1973 por el violinista David Harrington, quien permanece en el cargo hoy. El conjunto ha grabado más de 40 discos y ha estrenado más de 900 obras, creadas especialmente para el grupo. Los compositores que han colaborado con el conjunto incluyen a John Adams, Arvo Pärt, Henryk Górecki, Steve Reich, Philip Glass y Kaija Saariaho, mientras que los miembros han experimentado con múltiples géneros, incluidos el pop, el folk, el jazz y el tango.

Cuarteto Takács 

Formado por cuatro estudiantes de la Academia de Música Liszt Ferenc de Budapest, este conjunto ganador de múltiples premios se mudó a los EE. UU. en 1983 y, luego de varios cambios de personal, realizó grabaciones exitosas de los cuartetos completos de Bartók, Beethoven, Smetana y Borodin. Entre sus ex integrantes se encuentran el violinista Gábor Takács-Nagy y el violista Roger Tapping, mientras que el violonchelista András Fejér es el único miembro original del grupo. El grupo es reconocido por su interpretación impecable en conjunto, atención al detalle e interpretaciones imaginativas, y mantiene un programa activo de giras y presentaciones.

Cuarteto Emerson 

Con más de 30 álbumes y nueve premios Grammy a su nombre, este conjunto estadounidense fue formado por cuatro estudiantes de la Juilliard School antes de emprender su primera gira profesional en 1976. En ese momento, el grupo era inusual como uno de los primeros conjuntos en tener sus violinistas alternar entre la primera y la segunda silla. Esos violinistas, Eugene Drucker y Philip Setzer, han permanecido en su cargo a lo largo de la vida útil del cuarteto, mientras que ha habido cambios en los intérpretes de viola y violonchelo, el más reciente fue el violonchelista Paul Watkins que reemplazó al miembro a largo plazo David Finckel en 2013.

Entre las grabaciones del grupo se encuentran los cuartetos de cuerda completos de Beethoven, Mendelssohn, Brahms, Bartók, Webern y Shostakovich, así como conjuntos de múltiples CD de las principales obras de Haydn, Mozart, Schubert y Dvořák para DG. El grupo ha anunciado que la temporada 2022-23 será la última.

Cuarteto Ébène

Este cuarteto francés fue fundado en 1999 en el Conservatorio de Boulogne-Billancourt en Francia y atrajo la atención mundial al ganar el Concurso Internacional ARD 2004. Su grabación de Ravel, Fauré y Debussy ganó múltiples elogios. Quedan tres de los miembros originales: los violinistas Pierre Colombet y Gabriel Le Magadure (que, al igual que los violinistas de Emerson, alternan entre el primer y el segundo atril) y el violonchelista Raphaël Merlin, mientras que el violonchelista original Mathieu Herzog se fue en 2015 para ser reemplazado primero por Adrien Boisseau y actualmente por Marie Chilemme. El grupo tiene un estilo particularmente refinado y elegante que ha aplicado con gran éxito a múltiples géneros, desde el core classic hasta el crossover.

Cuarteto Pavel Haas

En 2002, la violinista checa Veronika Jarůšková formó un cuarteto de jóvenes intérpretes de Praga, y poco después reclutó a su esposo Peter Jarůšek como violonchelista del conjunto. Aunque Jarůšková y Jarůšek permanecen, los puestos de segundo violín y viola del grupo han sido ocupados por varios músicos diferentes durante los últimos 20 años. Estilísticamente poderoso y ricamente sonoro, el grupo es conocido por sus actuaciones apasionadas y audaces.

Cuarteto Dover

El Dover Quartet atrajo la atención mundial después de ganar el Concurso Internacional de Cuartetos de Cuerdas de Banff en 2013. Formados en el Instituto Curtis en 2008, fueron asesorados por Shmuel Ashkenasi del Vermeer Quartet, y Arnold Steinhardt y Michael Tree del Guarneri Quartet. Habiendo colaborado con músicos como Emanuel Axe, Ray Chen, Edgar Meyer, Anthony McGill y Peter Serkin, los músicos fueron designados recientemente para formar parte de la facultad de Curtis como conjunto residente. Entre sus grabaciones se encuentran los cuartetos completos de Schumann y Beethoven. Junto con un conjunto increíblemente unido, el grupo toca con un sonido completo y brillante, como se puede escuchar en el clip anterior del Adagio para cuerdas de Barber.

Cuarteto Casals

El Cuarteto Casals se fundó en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid en 1997 bajo la dirección del profesor Antonello Farulli. Han estudiado con Walter Levin y Rainer Schmidt en Barcelona, además de realizar estudios de posgrado en Colonia con el Alban Berg Quartet y Harald Schoneweg. El cuarteto logró rápidamente reconocimiento internacional cuando ganó el primer premio en el Concurso Internacional de Cuartetos de Cuerda de Londres de 2000,[1] y luego en el Concurso Internacional de Brahms de 2002 en Hamburgo. En reconocimiento al creciente perfil internacional del Cuarteto Casals, en 2006 fueron honrados con el Premio Nacional de Música de España. El cuarteto está compuesto por: Vera Martínez Mehner – Violín, Abel Tomàs – Violín, Jonathan Brown – Viola y Arnau Tomàs – Violonchelo.

Cuarteto Artemis

El Artemis Quartett, con sede en Berlín, fue fundado en 1989 en la Musikhochschule Lübeck y es reconocido hoy como uno de los cuartetos más destacados del mundo. Sus mentores incluyen a Walter Levin, Alfred Brendel, el Cuarteto Alban Berg, el Cuarteto Juilliard y el Cuarteto Emerson. El conjunto tuvo su avance internacional con primeros premios en el ARD Wettbewerb en 1996 y en el Premio Borciani medio año después. Posteriormente, los músicos recibieron una invitación a la Wissenschaftskolleg zu Berlin, donde pudieron ampliar sus estudios musicales y disfrutar de un intercambio interdisciplinario con académicos de renombre. Desde su exitoso debut en la Filarmónica de Berlín en 1999, el cuarteto ha actuado en todos los grandes centros musicales y en festivales internacionales de Europa, Estados Unidos, Japón, Sudamérica y Australia.

Cuarteto Quiroga

Formado en 2003, el Cuarteto Quiroga toma su nombre del violinista gallego Manuel Quiroga, uno de los instrumentistas de cuerda más destacados de la historia de la música española. Estudió con Rainer Schmidt en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid, con Walter Levin en la Musikakademie de Basilea y con Hatto Beyerle en la European Chamber Music Academy. Otras influencias artísticas importantes son Johannes Meissl, György Kurtág, András Keller, Eberhard Feltz y Ferenc Rados. Fuertemente comprometidos con la enseñanza de la música de cámara, son profesores en el Conservatorio Superior de Música de Zaragoza, Universidad Mozarteum de Salzburgo, Musikene de San Sebastián y en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Son invitados regularmente a dar clases magistrales en universidades y conservatorios de música de toda Europa, Estados Unidos y América Latina.

Vitamin String Quartet

El grupo comenzó en 1999 «como un experimento en la transformación de canciones de rock con instrumentos clásicos». Más tarde se expandió para incluir una variedad de música popular. 

Instrumentos de cuerda

Armónicos

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Los armónicos de violín son sonidos que se oyen muy puros y airosos. Podemos definir un sonido armónico como una especie de insinuación. Cuando se emite un sonido, éste puede crear varios tonos en diferentes longitudes de onda, también llamados sobretonos. Las insinuaciones son los tonos que tienen frecuencias más altas que el tono más bajo del sonido emitido. Se denomina armónico cuando la frecuencia de la insinuación es un múltiplo de número entero de la frecuencia fundamental.

Sobretono es un término generalmente aplicado a cualquier onda estacionaria de mayor frecuencia, mientras que el término armónico se reserva para aquellos casos en los que las frecuencias de los sobretonos son múltiplos enteros de la frecuencia de la fundamental. Los sobretonos o armónicos también se denominan resonancias. En el fenómeno de la resonancia, un sistema que vibra a alguna frecuencia natural está sujeto a vibraciones externas de la misma frecuencia; como resultado, el sistema resuena o vibra con una gran amplitud.

Los armónicos se logran tocando suavemente la cuerda del violín con un dedo de la mano izquierda mientras realizas un golpe de arco normal con la mano derecha.

Otra palabra para armónicos de violín es «flageolet». Una flageolet es una flauta de madera que produce un sonido similar al de un silbido. Las notas armónicas de un violín suenan de manera similar a esta flauta. Además de que los armónicos son una de las técnicas básicas, también son algunos de los sonidos más hermosos que puede producir un violín. 

Existen dos tipos de armónicos; los naturales y los artificiales.

Armónicos naturales:

Al colocar tu dedo suavemente sobre la cuerda en uno de los puntos armónicos sin pisar la cuerda con otro dedo, estarás tocando un armónico natural. La cuerda vibra entre la cejilla y la punta de tu dedo y entre la punta de tu dedo y el puente.

Cada cuerda tiene 4 notas armónicas naturales:

1- Una octava por encima de la cuerda al aire
En la cuerda G, esta sería la G una octava más alta, como la que toca con el tercer dedo en la primera posición en la cuerda D.

¿Donde? Este es exactamente el medio de la cuerda. Puedes tocar este armónico colocando el cuarto dedo en la cuarta posición.

Puedes encontrarlo fácilmente, incluso si eres un principiante. Su punto de referencia es la caja de resonancia tal como estás en la tercera posición. Apuntas con el dedo índice hacia arriba, estiras un poco el meñique y el segundo y el tercer dedo estarán fuera de la cuerda. Mientras tu mano descansa contra la caja de resonancia, tu dedo anular se estira como un telescopio y se coloca con la almohadilla de la punta del dedo plana sobre la cuerda.

2- Dos octavas por encima de la cuerda al aire
En la cuerda G, esta es la G dos octavas más alta que la cuerda al aire, como la que tocas con el segundo dedo bajo en la primera posición en la cuerda E.

¿Dónde? Este armónico se encuentra en un cuarto de la cuerda, contado desde el puente. 

¿Cómo tocarlo? Puedes tocarlo con el tercer dedo en la primera posición. Cuando necesites tocar esto y estés en una posición alta, es mejor que elijas la versión a una cuarta parte de la longitud de la cuerda desde el puente con cualquier dedo que se encuentre cerca.

3- Una octava y una quinta por encima de la cuerda al aire
En la cuerda G, esta sería la D, como si tocaras con el tercer dedo en la primera posición en la cuerda A.

¿Dónde? Este armónico se encuentra en un tercio de la longitud de la cuerda: ya sea contada desde el puente. El sonido es el mismo.

¿Cómo tocarlo? Puedes tocarlo con el cuarto dedo en la primera posición y también puedes tocar la versión alta con cualquier dedo que quieras.

4- Dos octavas y una tercera por encima de la cuerda al aire
En la cuerda G, esta sería la B, como si tocaras con el cuarto dedo en la primera posición en la cuerda E.

¿Dónde? Este armónico se encuentra en cuatro puntos: en una quinta y dos quintas desde el puente.

¿Cómo tocarlo? Puedes encontrarlo con el segundo dedo alto en la primera posición o con el tercer dedo en la tercera posición o una de las dos mismas distancias del puente hacia abajo

Armónicos artificiales:

La cuerda se pisa de forma normal y luego se digita (con el dedo meñique) en un punto un cuarto o un quinto por encima de la nota detenida. Se aplican las mismas prácticas de notación para los armónicos artificiales que para los armónicos naturales. A menudo se utiliza una pequeña cabeza de nota entre paréntesis para indicar el resultado del sonido. Es posible agregar vibrato y tocar líneas melódicas en armónicos artificiales, pero ambas técnicas deben usarse con cuidado.

Deben suceder tres cosas: el primer dedo se coloca sólidamente en la cuerda, el cuarto dedo ligeramente y el arco debe engancharse a la cuerda. El dedo meñique deberá estar extendido y ligeramente curvado.

Duetos – Selección de obras para dos violines

Publicado el por Mila Emilova Sivova1 Comentario

Si el sonido de un violín es hermoso, entonces dos violines tocando en conjunto pueden crear algo mágico. Hoy queremos mostrarte varias piezas para dos violines y violas que quizás no conozcas. También podrás descargar las partituras para tocarlas en buena compañía.

5 Piezas para dos violines y piano, de Shostakovich

Partituras: 

shostakovich2violinsDescarga

Sonata para 2 violines de Sergei Prokofiev

Partituras:

prokofiev_-_sonata_for_2_violins_op.56_violin_iDescarga
prokofiev_-_sonata_for_2_violins_op.56_violin_iiDescarga

Louis Spohr – Duo Concertante Op.39 No. 1

Partituras:

duoconcertante-spohr-violin1Descarga

duoconcertante-spohr-violin2Descarga

Ignas Pleyel Duo para Violin y Viola, Op. 69. No. 1

Partrituras:

ignas-pleyel-duo-violinDescarga
ignas-pleyel-duo-violaDescarga

Wilhelm Friedemann Bach – duo para 2 violas

Partituras:

bach-wilhelm-friedemann-viola1Descarga
bach-wilhelm-friedemann-viola2Descarga

Almohadillas para violín y viola – ¿Cómo escoger la más adecuada?

Publicado el por Mila Emilova Sivova1 Comentario

La almohadilla de violín se ha convertido en un accesorio imprescindible para poder tocar manteniendo una posición relajada. Sin ella estaríamos obligados a mantener una postura más rígida, la cual dificultaría los cambios de posición, además de otras técnicas de la mano izquierda. La almohadilla del violín también ayuda a evitar contracturas en el cuello, hombros, brazo, etc.

¿Qué función tiene una almohadilla para violín?

La almohadilla se adhiere a la parte posterior del violín y se apoya en el hombro y la clavícula. Su propósito es doble: hace que el violín sea cómodo de tocar durante largos períodos, facilita una postura adecuada y evita lesiones. También evita que el instrumento se resbale y esto hace que el violinista mantenga una buena entonación y sea capaz de realizar cualquier golpe de arco.

¿Es necesaria la almohadilla?

Técnicamente no es necesario utilizar una almohadilla. Pero realmente hace que tocar sea mucho más cómodo. Si necesitas levantar el hombro izquierdo para sostener el violín, entonces necesitas una almohadilla.

Como es el caso de las barbadas para violín, hay muchos tipos de almohadillas para violín que puedes elegir.

Almohadilla con clip:

Estas almohadillas tienen «pies» a cada lado que se adhieren al borde del instrumento. Suelen ser ajustables tanto en términos de altura como de ángulo en el que se pueden unir a la parte posterior del instrumento. 

Almohadilla de espuma:

Se puede hacer una almohadilla de espuma casera con una esponja de espuma y una banda elástica. (Simplemente conecta la esponja a tu instrumento y listo). También hay soportes acolchados prefabricados que se adaptan al hombro, así como pequeñas almohadillas redondas y esponjas que se adhieren a la parte posterior del violín.

Abrazadera

Hecha de una pieza larga de material con ‘pies’ ajustables, este tipo de apoyo se ajusta a ambos lados del violín y se eleva lejos del cuerpo del violín. Esto brinda más opciones de altura en función de la longitud personal del cuello y la constitución del violinista. Este diseño de almohadilla para violín también viene en una variedad de estilos, con algunos simplemente apoyados contra el arco del hombro y otros bajando alrededor del omóplato y el pecho para proporcionar una opción de manos libres resistente.

Almohadilla con cámara de aire:

Este modelo consiste en un cojín inflable que se sujeta a la parte posterior del violín.

Además, es conveniente tener en cuenta ciertos factores a la hora de escoger una almohadilla para violín:

Tamaño

El tamaño de la almohadilla puede variar en función del violinista y del violín. Una almohadilla para violín debe adaptarse suavemente al hombro del violinista. Dependiendo de la forma de tu cuerpo, una almohadilla que cubra la parte superior de la espalda y sostenga bien el violín en la parte delantera será la mejor opción.

También hay otros aspectos a considerar, como la anchura de los hombros y la altura del cuello. Sin embargo, muchas almohadillas son ajustables y se pueden bajar o subir para obtener la posición correcta.

Material

La madera o el plástico se utilizan principalmente como materiales base. Sus ventajas incluyen durabilidad, peso ligero y no demasiado restrictivo, con un acabado suave y elegante. Sin embargo, como la base dura no se puede doblar para adaptarse a la forma de tu hombro (excepto en modelos muy caros), siempre están acolchados con espuma para mejorar el ajuste y la comodidad.

 

Mientras que la espuma se usa principalmente para acolchar la base para mejorar la comodidad, para los estudiantes principiantes los maestros a menudo aconsejan una esponja o una espuma de goma suave sujetada con bandas de goma.

Algunas almohadillas están hechas casi en su totalidad de caucho endurecido, aunque la mayoría de las veces encontrarás caucho en los apoyos para las patas para que el cuerpo del violín no se marque. Los apoyos de goma también son flexibles y asequibles.

El metal, de alguna manera, se presenta en muchas almohadillas debido a la versatilidad del material y su capacidad para fortalecer otros materiales. Si el cuerpo no está hecho de metal, generalmente existe la posibilidad de que los postes de las patas sí lo estén. Algunos modelos cuentan con bases de metal. Cuando se usa como base, los tipos de metal blandos y flexibles permiten a los violinistas moldear el resto a su gusto.

Elegir un material es lo más importante acerca de la comodidad. Muchos principiantes pueden encontrar pesadas ​​e incómodas las almohadillas de madera o metal. Es por eso que, para los principiantes, también se suele sugerir un plástico a base de espuma, ya que ofrece el ajuste más cómodo para el hombro.

¿Es necesario usar almohadilla?

Técnicamente no es necesario utilizar una almohadilla. Pero realmente hace que tocar sea mucho más cómodo. Si necesitas levantar el hombro izquierdo para sostener el violín, entonces necesitas una almohadilla.

No obstante, hay violinistas que no usan almohadilla para tocar, entre ellos están Anne Sophie Mutter, Jascha Heifetz e Itzhak Perlman.

¿Existen desventajas en el uso de almohadilla?

Si bien las almohadillas para los hombros son más comunes entre los violinistas de hoy, tienen algunos inconvenientes.

El mayor inconveniente es que las almohadillas tienden a amortiguar la resonancia de un violín. Cuanto mayor sea el área de contacto directo entre el violín y la almohadilla, más pronunciada será la insonorización.

La otra desventaja es que una almohadilla, si no está bien dimensionada y colocada, también puede causar una mala postura y lesiones posteriores. Idealmente, se usa una almohadilla para evitar tales cosas, así que asegúrate de elegir un dispositivo que se adapte a la forma y dimensiones únicas de tu cuerpo. 

Barbada y almohadilla 2 en 1

Obras para violín con influencia gitana

Publicado el por Mila Emilova Sivova1 Comentario

Son muchos los compositores que fueron fascinados por la cultura musical romaní y quisieron tomar ejemplo de ella para escribir sus propias obras. Además es muy común asociar el violín a un estilo musical pasional, fogoso y libre, de modo que algunas de estas obras para violín de temática gitana son consideradas las más bellas y virtuosas, además de figurar como parte del programa a interpretar en los concursos de violín más prestigiosos del mundo.

Para conocer un poco más el concepto que tenían compositores como Sarasate sobre la música gitana, debemos tener en cuenta el uso de los diferentes modos y escalas musicales. A diferencia de las escalas Mayores y menores que predominan en la música clásica, la música tradicional folclórica de muchos rincones del mundo hace uso de los modos tonales más antiguos y crea nuevas combinaciones con ellos.

Una de las escalas que más aparece en la música romaní de la región de los Balcanes es la Escala Doble Armónica, también conocida como escala gitana o húngara. Está compuesta por una escala (mayor o menor) con los grados II y VI disminuidos. 

A su vez estas escalas podrían estar influenciadas por el sistema modal Maqam, perteneciente a la música de Grecia y Turquía. Tal sistema ordena los sonidos en microtonos, en lugar de semitonos como en la música occidental. 

En el flamenco también se hace uso de escalas mayores y menores, pero también del modo tonal frigio, que actualmente denominan modo flamenco. 

Partiendo de la idea de que existe tal riqueza de modos tonales que a oídos europeos pueden sonar «exóticos», podemos entender la búsqueda de distintas influencias por parte de los compositores clásicos y posteriores. No obstante, algunos compositores hicieron recopilaciones de música folclórica de diferentes partes de Europa, apropiándose en cierta forma de las canciones anónimas que únicamente podían ser transmitidas de forma oral. Este hecho a veces ha causado disputas entre etnomusicólogos y autores pero, por otra parte, los compositores famosos pudieron documentar parte del folclore para que no quedara en el olvido. 

Y puesto que el folclore suele adoptar una gran variedad de influencias, estilos musicales y modos tonales con el paso de los años, a menudo la música tradicional y folclórica suele mezclarse con la música interpretada por gitanos en grandes eventos sociales y festividades. O quizás la riqueza musical folclórica de las diferentes regiones se deba al intercambio cultural que solamente pudieron traer los nómadas desde algún otro lugar del mundo.

Algunas de las obras más famosas son:

– Pablo de Sarasate: «Aires Gitanos» 

 

– Ravel:»Tzigane» 

– Fritz Kreisler:»Capricho Gitano»

 

– Manuel de Falla: «El Amor Brujo» (Ballet, Cantantes y Orquesta)

– Telemann: Gypsy Sonata (Orquesta Barroca)

– Boleslav Boiko:»Rapsodia Gitana» (para Orquesta)

– Brahms: Zigeungerlieder: «Brauner Bursche» (para Coro)

– Aleksander Peskanov: “Gypsy Concerto” (para Piano y Orquesta)

 

Colocar el puente a un violín

Publicado el por Mila Emilova Sivova3 comentarios

El puente del violín es una pieza de suma importancia tanto para soportar las cuerdas como para transmitir sus vibraciones al cuerpo del instrumento. Hecho de madera de arce, la forma del puente varía de un violín a otro y su ubicación y ajuste tienen un impacto significativo en el tono y la capacidad sonora del instrumento.

En primer lugar, el puente del violín suspende las cuerdas sobre el instrumento en su posición adecuada. Por tanto, la altura y la forma del puente son muy importantes para la configuración del instrumento. En segundo lugar, el puente del violín transmite las vibraciones de las cuerdas al cuerpo del instrumento. Una cuerda que vibra por sí sola no produce mucho volumen, pero «conectada» a la caja de resonancia del violín a través del puente, su sonido se vuelve tan poderoso que se puede escuchar en toda una orquesta.

Colocar el puente a un violín

La forma y la ubicación del puente del violín son fundamentales para maximizar el potencial del instrumento.

  • Las patas del puente deben estar centradas en las muescas del orificio f.
  • La corona (parte superior) del puente debe tener la misma forma que la del diapasón. Esto produce una altura de cuerda constante para las cuatro cuerdas.
  • Las patas deben estar completamente alineadas con la cara del instrumento. Si no es así, entonces no todas las vibraciones de las cuerdas se transmiten al instrumento y la calidad del sonido definitivamente está sufriendo.
  • El lado del puente más cercano al cordal debe estar perpendicular a la cara del instrumento.

Hay algunas situaciones en las que definitivamente necesitarás ayuda profesional:

  • Si el puente está deformado, será necesario reemplazarlo. Un puente deformado no solo inhibe el sonido del instrumento, sino que también corre el riesgo de romperse.
  • Si las cuerdas se han desgastado profundamente en la corona del puente, entonces es necesario reemplazar el puente de violín. Por lo general, alrededor del 75% de la cuerda debe estar por encima del puente en lugar de dentro de la muesca. Si se asienta más en el puente, entonces está amortiguado.
  • Si el puente se ha caído por completo y el alma está rodando dentro del violín, NO intentes arreglarlo tu mismo. El alma debe ser colocada por un profesional. Sin el alma, la tapa del instrumento no es capaz de soportar la presión que las cuerdas ejercen sobre el violín a través del puente.
  • Es muy importante estar continuamente al tanto de la ubicación del puente. Los cambios leves en la humedad, la temperatura o incluso el cambio de cuerdas pueden hacer que el puente se tuerza. La simple observación y el mantenimiento garantizarán que tu puente tenga una vida útil prolongada y que tu instrumento suene de la mejor manera.

Los puentes pueden deformarse después de un largo período de uso. Cuando notes que un puente ya no está recto, es hora de reemplazarlo. Un puente deformado no le dará a tu violín el sonido deseado. Las ranuras del puente también pueden volverse demasiado profundas para las cuerdas. Después de mucho tiempo, las cuerdas cortan la madera de arce. Hay formas de solucionar este problema antes de reemplazar un puente. Las carillas pequeñas, como una tirita, son una buena solución para surcos profundos que deben elevarse ligeramente. De hecho, algunos puentes vienen con revestimientos preestablecidos para garantizar que las cuerdas muy pequeñas, como E, no corten demasiado en el puente.

¿Cómo saber si el puente de tu violín está recto?

Una manera fácil de comprobar si tu puente está recto o no es tomar una regla y apoyarla contra la longitud del puente en el lado del cordal. Si la base y el lado del borde recto descansan contra la placa superior del violín y el lado del puente, entonces tu puente está recto.

Como puedes ver en esta imagen, un trozo de papel funciona muy bien para verificar si tu puente está recto.

Siempre revisa la parte posterior del puente (el lado que mira hacia el cordal); este lado tiene un borde plano. La parte posterior del puente (el lado que mira hacia el diapasón) está inclinada y no debe estar en un ángulo de 90 grados (un ángulo recto).

Si la regla no descansa uniformemente, el puente no está del todo recto.

¿Debería ser simétrico un puente de violín?

No, el puente del violín no es simétrico. La parte superior del puente tiene forma de arco, con un extremo un poco más alto que el otro. El extremo superior va en el lado de la cuerda Sol del instrumento y el extremo inferior va en el lado de la cuerda Mi.

La razón por la que el lado de la cuerda Sol del puente se encuentra más alto es para que la cuerda más gruesa tenga más altura y espacio para vibrar contra el diapasón. Dado que la cuerda Mi es más delgada, no necesita tanto espacio para vibrar. Es por eso que el lado de la cuerda Mi del puente es más bajo.

Además, el nombre del fabricante suele estar escrito en un solo lado del puente, el que mira hacia el cordal.

¿Qué altura debe tener el puente en un violín?

El puente de violín estándar de tamaño completo tiene 33 mm de alto (1,3 pulgadas), lo que corresponde a la altura del diapasón de 18-20 mm (0,71-0,79 pulgadas). La altura perfecta del puente permite que las cuerdas vibren al mejor ritmo para crear un hermoso sonido de violín.

A continuación puedes ver las instrucciones detalladas sobre la colocación de un puente de violín:

 

10 Consejos para mejorar la entonación

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Todo músico de instrumento de cuerda frotada y diapasón se encuentra con la tarea de tener que entrenar los dedos de su mano izquierda para poder «entonar» bien o alcanzar el tono correcto sin que éste se desvíe hacia arriba o hacia abajo y acabe sonando desafinado. Por esta razón, hoy queremos mostrarte varios tips o consejos útiles que tal vez te sirvan para mejorar tu entonación o simplemente para crear hábitos que te sean útiles.

1. Canta todo antes de tocar e intenta analizar el contexto armónico de la música (tono de reposo, funciones armónicas, etc).

2. Grábate a ti mismo
Esto puede ser algo vergonzoso, pero también esclarecedor. Es útil grabarse a sí mismo y así poder ver y oír las partes mas difíciles para poder trabajarlas lentamente y nota por nota.

3. Practica lentamente
Se necesita tiempo para escuchar el tono con precisión, por lo que practicar rápido demasiado temprano mientras se aprende una pieza entrenará los dedos para que caigan de manera imprecisa y opacará la escucha objetiva.

4. Elimina el vibrato
No es necesario que uses el vibrato hasta que tengas una idea clara del tono. Mientras aprendes una pieza, intenta tocarla completamente sin vibrato, y luego con un vibrato muy pequeño y centrado, hasta que las relaciones de tono se endurezcan.

5. Practica escalas y arpegios con un afinador
Aunque la mayoría de los violinistas no quieren depender de un afinador de violín a largo plazo, puede ser muy útil practicar con un afinador para tener una idea de qué tan cerca está tu entonación del tono de destino. Existe un programa sencillo de generación de notas en Internet que puedes utilizar para este propósito.

6. Toca Bach
Además de todas sus otras virtudes, las sonatas y partitas para violín de Bach y sus suites para violonchelo son excelentes estudios de entonación. Cada problema de entonación melódica versus armónica en relación con las cuerdas al aire surge, lo que obliga al intérprete a decidir conscientemente sobre una filosofía de entonación.

7. Toca duetos o música de cámara
La entonación es la relación entre notas, y ¿qué mejor manera de trabajar en esta relación que en duetos?

8. Siempre escucha lo que vas a realizar antes de tocar. Es bueno escuchar la música en tu cabeza antes de tocar; hasta que adquieras el hábito de escuchar, canta la pieza en voz alta.

9. Usa dedos anclados

Los dedos anclados son dedos que mantenemos en la cuerda sin tocarlos. Cuando tocamos el violín, los violinistas a menudo mantenemos los dedos en la cuerda para asegurarnos de que el marco de nuestra mano permanezca en la ubicación correcta. Uno de los dedos más importantes que debes mantener en la cuerda siempre que puedas es el primer dedo.

10. Comprueba la postura de tu mano izquierda
A veces, un problema de entonación es en realidad un problema de postura. Por eso es tan importante comprobar la postura de la mano izquierda antes de intentar corregir la entonación de otras formas. Si mueves constantemente la mano izquierda hacia todos lados, será mucho más difícil tocar con la entonación correcta.

Una vez que tengas dominada la afinación justa, podrás comenzar a utilizar técnicas como la entonación expresiva

Entonación expresiva

La entonación expresiva es una herramienta del violinista de concierto. Es una afinación solista y explota la capacidad del violín para tocar en los espacios entre intervalos templados. Los sostenidos se elevan y los bemoles se bajan para dar el máximo efecto expresivo. Un aspecto positivo de este método es que las notas están más a menudo afinadas con las cuerdas al aire, dando lugar a muchas vibraciones que producen una verdadera riqueza tonal.

¿Cómo escoger un arco de violín?

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A la hora de escoger un arco de violín adecuado debemos tener en cuenta varios factores tales como el material, su peso, sus proporciones, etc. Algunos violinistas profesionales incluso cuentan con varios arcos diferentes que usan según el tipo de obra que estén interpretando. A veces necesitan un arco ligero que les ayude a saltar y rebotar con facilidad en las obras de mayor agilidad técnica, mientras que otras veces optan por un arco más pesado, en adagios y obras que requieran un sonido amplio y sin temblores. Hoy queremos darte algunas ideas que quizás te ayuden a tomar una buena decisión a la hora de comprar un arco de violín.

¿De qué están hechos los arcos?

Arcos de violín de madera de Pernambuco

La madera de Pernambuco se considera tradicionalmente como la madera de mejor calidad del mundo para la fabricación de arcos. Para los mejores arcos de Pernambuco, se utiliza el duramen del árbol de Pernambuco. El duramen es la madera más cercana a la médula de un tallo o rama, de color diferente al de la albura. Esta madera forma la columna vertebral del árbol y es muy fuerte y duradera.

Hay arcos de Pernambuco baratos en el mercado que están hechos de la albura más barata del árbol, que no se parece a la calidad del duramen. También hay árboles de Pernambuco que no se cosechan en la región original de Pernambuco, sino en regiones de China, que se dice que tienen madera de menor calidad. Aunque el sonido de este tipo de arco es muy hermoso, muchos violinistas ya no quieren comprar arcos de Pernambuco por consideraciones éticas, prácticas y económicas.

El árbol de Pernambuco es ahora un árbol en peligro de extinción y está prohibido cortarlo. La mayor parte de la madera de Pernambuco en el mercado hoy en día se cosecha ilegalmente y pone en peligro no solo plantas y árboles, sino también especies animales en la selva tropical. También se considera poco práctico tener un arco de Pernumbuco, especialmente si deseas viajar con tu arco durante las vacaciones. Como la importación de especies en peligro de extinción está restringida, es posible que no puedas llevar tu arco contigo, o peor aún, puede que tengas que dejarlo en otro país en tu vuelo de regreso. Si más violinistas usaran arcos hechos de materiales sintéticos y maderas alternativas, habría menos presión sobre la madera de Pernambuco. Por eso, hoy en día, muchos violinistas apuestan por arcos de calidad hechos de otros materiales.

Otra razón por la que la madera de Pernumbuco se está volviendo cada vez menos popular es la relación calidad-precio. Desde que el árbol de Pernumbuco se puso en peligro, los precios de la madera han subido enormemente. Es por eso que incluso los arcos de baja calidad tienen un precio elevado. Especialmente en el rango de precios más bajo, los de madera de Pernumbuco o incluso otros arcos de madera hechos a mano no se comparan con los arcos de fibra de carbono. Si decides optar por un arco de madera de Pernambuco, asegúrate de que sea un arco original, de segunda mano, creado antes de las restricciones ambientales. La madera de Pernambuco recién cosechada es controvertida y agrava los problemas de deforestación. Normalmente puedes encontrar este tipo de arco en las tiendas de fabricantes de violines que compran, retocan y revenden instrumentos antiguos. También puedes encontrarlos de segunda mano y seminuevos.

Ventajas de los arcos de Pernambuco

Los arcos de Pernambuco de la más alta calidad son considerados los mejores arcos del mundo. Arco único hecho a mano – Puede ser una inversión financiera, especialmente si la calidad es muy alta y / o el fabricante es reconocido.

Contras de los arcos de Pernambuco

Es arriesgado viajar con este arco ya que la importación de materiales en peligro de extinción está restringida; es posible que tengas problemas para viajar de regreso a tu país de origen con un arco de Pernambuco. Frágil en comparación con los arcos de fibra de carbono. La relación calidad-precio no es óptima, ya que el material es escaso. Los precios pueden subir muy alto incluso para arcos de menor calidad. Fácil de comprar: hay muchos arcos de Pernambuco de baja calidad en el mercado. Solo un experto puede distinguir los arcos de Pernambuco de alta calidad de los de baja calidad.

Cosechado de forma insostenible – Al comprar un arco nuevo en el que se utilizan materiales de pernambuco, lo más probable es que contribuya a una mayor deforestación de la selva tropical.

Arcos de madera de Brasil 

Los arcos hechos de palo de Brasil tienen casi tanta resistencia y fuerza como los arcos de Pernambuco, pero son más asequibles. Hay una diferencia de precio porque la madera es muy similar, pero no tan fina, como el Pernambuco. Hay algunos arcos de madera de Brasil de baja calidad en el mercado, pero normalmente se pueden ver fácilmente ya que tienen precios irrazonablemente bajos.

 ¿Qué materiales de arco son mejores? 

Ventajas de la madera de Brasil – Madera sostenible que se puede importar a cualquier país. Puede obtener una excelente calidad hecha a mano, especialmente en rangos de precios más altos.

Contras de la madera de Brasil – Frágil en comparación con los arcos de fibra de carbono. La relación calidad-precio de los arcos por debajo de los 1000 dólares suele ser peor que la de los arcos de fibra de carbono.

Arcos de violín de madera de serpiente

La madera de serpiente real es muy pesada y rígida, la madera es incluso más densa que el pernambuco. Los violinistas barrocos a menudo prefieren la madera de serpiente, ya que el sonido de los arcos en las cuerdas se considera más suave y sutil. Algunos violinistas experimentan que los arcos de madera de serpiente son un poco menos elásticos que los arcos de pernambuco. Sin embargo, un arco hecho de madera de serpiente de alta calidad puede ser de mejor calidad que un arco de pernambuco de baja calidad. Esto solo se puede probar con prueba y error.

Ventajas de la madera de serpiente

Un sonido más suave puede ser excelente para violinistas barrocos. Arco de madera sostenible que se puede importar a cualquier país. Puede obtener una gran calidad hecha a mano, especialmente en un rango de precios más alto.

Contras de la madera de serpiente

Frágil en comparación con los arcos de fibra de carbono. La relación calidad-precio de los arcos por debajo de los 1000 dólares suele ser peor que la de los arcos de fibra de carbono.

Otros tipos de arcos de madera

Desde que el árbol de Pernambuco se convirtió en una especie en peligro de extinción, los fabricantes de violines de todo el mundo experimentaron con muchos tipos de madera. Aunque la madera de serpiente y el palo de Brasil son actualmente algunas de las maderas más comunes utilizadas para arcos de violín, existen arcos de violín hechos de todos los tipos de madera disponibles.

Arcos de violín híbridos

Los arcos híbridos están hechos con un núcleo de fibra de carbono fuerte que se envuelve con una piel de madera. Parece un arco de madera, pero se considera más fuerte debido al núcleo de fibra de carbono. Los arcos de violín híbridos suelen tener un sonido ligeramente más cálido que los arcos de fibra de carbono.

Ventajas de los arcos híbridos

Más fuerte que un arco de madera habitual debido al núcleo de carbono. Puede tener un sonido cálido en comparación con los arcos de fibra de carbono habituales.

Contras de los arcos híbridos

Si el envoltorio está hecho con Pernambuco, se aplican los contras del uso de la madera de Pernambuco, como la deforestación de la selva y problemas para viajar con el violín. Es más difícil de producir que un arco de fibra de carbono normal, lo que en muchos casos hace que la relación calidad-precio baje. Los materiales del arco de violín no son el único factor. Aunque el material del arco es uno de los factores que decide cómo sonará un arco, al final lo más importante es cómo se siente y cómo suena. Es por eso que probar diferentes arcos en tu instrumento es la mejor manera de descubrir qué arco funciona mejor para tí.

La elasticidad

Los arcos flexibles no se agrietan fácilmente. ¿Con qué facilidad rebota el arco para golpes de arco como el spiccato? Cuando se usa un buen arco, no tienes que esforzarte mucho en hacer rebotar el arco.

Pesadez en la punta

La punta no debe sentirse ni muy pesada ni muy ligera. El punto de equilibrio del arco. No debe estar demasiado lejos del talón. A modo de comparación, el punto de equilibrio de mi arco está a 25 cm del extremo del palo. Algunos de estos factores son muy difíciles de sentir como violinista principiante. En esta etapa, la mayoría de los violinistas aún no están seguros de qué tan pesado se siente un arco. Alternativamente, puede valer la pena pedirle a tu local que te ayude a encontrar un buen arco de violín. 

Arcos de fibra de vidrio

Los arcos de fibra de vidrio son arcos sólidos que no se rompen fácilmente. Sin embargo, puede ser difícil conseguir un tono bonito con este tipo de arco. Debido a la división desigual del peso, puede ser muy difícil dibujar golpes de arco completos que suenen suaves o hacer cambios de cuerda. En la mayoría de los arcos de fibra de vidrio, las técnicas más avanzadas en las que el arco rebota naturalmente, como el spiccato, el rebote o el salteado, son muy difíciles o incluso absolutamente imposibles de realizar correctamente. En el último caso, no pagues demasiado por este tipo de arco. Puedes conseguir uno fácilmente por unos 40 USD. Puedes encontrarlos de segunda mano incluso más baratos, ya que muchos violinistas principiantes que pasan a un nivel intermedio venden su antiguo arco de fibra de vidrio.

Ventajas de los arcos de fibra de vidrio

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Contras de los arcos de fibra de vidrio

Falta calidad de tono. Difícil de dibujar un trazo de arco suave y recto. No se puede utilizar para técnicas de arco intermedias y avanzadas.

Arcos de violín de fibra de carbono

La fibra de carbono unida con resina de polímero plástico es extremadamente fuerte, duradera y flexible. Los arcos de fibra de carbono no han existido durante tanto tiempo como los de madera, pero están ganando popularidad rápidamente entre los violinistas aficionados y profesionales. Una de las razones de esto es que puede sacar más provecho de su inversión al elegir un arco de fibra de carbono. En comparación, los arcos de fibra de carbono son menos costosos que los de madera de la misma calidad. Los arcos de fibra de carbono son la mejor opción para ti si vives en un clima extremo y aún quieres usar un arco de calidad. Los arcos de madera son susceptibles a los cambios de humedad y calor, mientras que los arcos de fibra de carbono pueden soportar cualquier clima extremo.

La mejor manera de describir el mejor arco para cualquier violinista es simplemente esta: cuando estás tocando, no tienes que pensar en ello. Un buen arco debe convertirse en una extensión de tu mano derecha. Debería fluir contigo mientras tocas con poco esfuerzo.

Peso y equilibrio

El peso promedio de un arco de violín es de aproximadamente 60 gramos (un arco de viola es de 70 gramos; un arco de violonchelo, 80 gramos). Pero recuerda, esto es solo un promedio. Muchos arcos de los grandes fabricantes del pasado pesan tan solo 54 gramos. Por otro lado, un arco de violín de 66 o 68 gramos sería demasiado pesado para casi cualquier persona. El equilibrio adecuado es mucho más importante que el peso. Si un arco se siente bien en tu mano, probablemente sea correcto. Un arco debe sentirse natural en la mano, bien equilibrado desde la punta hasta el talón con el mismo peso en todas partes.

¿Redondo u octagonal?

Los grandes maestros franceses rara vez hacían arcos octogonales. Incluso hoy en día, la mayoría de los mejores fabricantes producen predominantemente arcos redondos. Con dos arcos hechos de la misma madera, el eje octogonal será más rígido. Algunos arcos octogonales son bastante rígidos, creando un tono duro, unidimensional, sin matices. Algunos de los productores alemanes de arcos comerciales hacen una versión redonda y octogonal del mismo arco, siendo el octogonal un poco más caro. 

Entonces, ¿cómo deberías buscar el mejor arco? El primer paso es establecer un presupuesto, pero espera ver arcos que sean un poco más caros. Si no sabes mucho sobre arcos, sugerimos que pruebes muchos arcos para informarte sobre lo que está disponible. Cuando vayas a una tienda, asegúrate de llevar tu propio violín y arco actual como referencia. Cada arco funcionará de manera diferente en diferentes instrumentos, así que recuerda que estás buscando un arco que complemente a tu violín. Normalmente se muestran seis arcos a la vez. Una vez que hayas elegido uno o dos de ese lote, pide ver algunos más. Toca el mismo pasaje muy breve con cada arco, uno tras otro. Hay muchas posibilidades de que uno o dos se destaquen. Las primeras impresiones son muy importantes. El arco no debe parecer demasiado ligero o pesado en la mano. No debe ser demasiado débil o suave: no debe colapsarse fácilmente sobre las cerdas al tocar, ni flexionarse demasiado lateralmente. Y debe estar recto cuando se mira hacia abajo. Toca una combinación de estilos y golpes de arco, incluidos legato, spiccato, sautillé, etc.

Toca un pasaje cerca del talón, en el centro y cerca de la punta. Deberías poder tocar cómodamente con todas las partes del arco. Tocando lentamente, escucha el sonido que produce cada arco y siente cómo se maneja. Notarás diferencias sutiles en la claridad, la plenitud del sonido, el ruido de la superficie, etc. ¿El arco realza o resta valor a tu instrumento? Una vez que hayas elegido los dos o tres arcos que prefieres, pide probarlos durante una semana. Pruébalos más extensamente en casa o con tu orquesta, y muéstralos a tu maestro para que los comente. 

El violín húngaro

Publicado el por Mila Emilova Sivova1 Comentario

El violín húngaro es conocido en todo el mundo por su pasión, romance y virtuosismo. Existe una relación bastante clara entre la música folclórica húngara, la música romaní y la tradición de la música clásica, que, combinada con el repertorio de verbunkos, formaron el estilo hongrois. Aunque varios compositores se acercaron al estilo hongrois de la tradición clásica, es importante explorar otros estilos musicales relevantes, ya que los compositores a menudo se inspiran en una variedad de fuentes exóticas y modismos. Una conciencia de la interconexión entre estilos musicales, así como una comprensión de sus prácticas de desempeño, ayuda a dar forma a una históricamente auténtica interpretación de las obras de estilo hongrois.

Fueron muchos los compositores (húngaros o no) quienes quisieron hacer un estudio de este folclore que tanto interés despertaba en toda Europa. Béla Bartók o Franz Liszt realizaron varias recopilaciones de obras folclóricas de Hungría. Estas dos figuras tan diferentes revelan no solo nuevas perspectivas, sino también un rico paisaje cultural e ideológico con profundas implicaciones para la forma en que los músicos y críticos de Hungría veían su identidad.

Músicos húngaros romaníes y no romaníes llevaron el «estilo húngaro-gitano» por todo el mundo, en cafés, teatros y salas de conciertos. La potente imagen del gitano «oriental» contrastaba marcadamente con la del músico clásico europeo; el estilo húngaro-gitano fue la primera opción natural como un significante musical del húngaro, sin embargo, era un estilo popular.

Los músicos húngaros pasaron décadas tratando de asimilar el significado de este estilo y tratando de determinar cómo podría usarse en la sala de conciertos. Los escritos de música folclórica de Bartók, Kodály y sus colegas emergen así como una respuesta modernista a lo que vieron no solo como falso sino también como un retroceso romántico. En este contexto, está más claro que nunca cómo encaja su uso de la música folclórica antigua entre los músicos modernistas de su época.

Por otra parte está Johannes Brahms, quien también quiso tomar este folclore para crear sus famosas Danzas Húngaras. La mayor inspiración de Brahms para componer estas piezas llegó años antes en forma de un encuentro casual con el violinista húngaro Ede Reményi. Unos años después de ver tocar a Reményi por primera vez, Brahms, que entonces tenía 20 años, se convirtió en su pianista acompañante, uniéndose a Reményi de gira mientras aprende sobre su herencia musical nativa.

Apoyado por su auténtica experiencia de la música folclórica húngara, Brahms finalmente puso la pluma sobre el papel e intentó componer en este estilo. De los 21 bailes, se dice que solo los números 11, 14 y 16 son composiciones completamente originales de la obra de Brahms, pero el resultado sigue siendo uno de sus trabajos más populares y representados con frecuencia. Dentro de sus Danzas húngaras, Brahms capturó la energía cantarina y jubilosa de las csárdás y verbunkos, danzas folclóricas tradicionales húngaras caracterizadas por tempos dramáticamente variables, ritmos animados y pasajes virtuosos giratorios.

Las Danzas Húngaras

La música folclórica de Hungría es una de las expresiones de identidad nacional más importantes del país. La ubicación geográfica de Hungría, junto con un patrimonio cultural que tiene influencias desde Asia central hasta Europa occidental, ha apoyado durante mucho tiempo tradiciones musicales diversas y vivas. La documentación y el análisis académico de la música folclórica húngara se inició a finales del siglo XIX y obtuvo resultados espectaculares. No solo establecieron métodos científicos para recopilar e interpretar las tradiciones musicales populares de Hungría; también compusieron y difundieron canciones populares. Su objetivo, como escribió Kodály en 1906, era reconocer «la capa básica de nuestra música folclórica, la roca sobre la que se puede construir una cultura».

Hoy en día, el repertorio de canciones populares grabadas asciende a unas 300.000. En las últimas décadas, ha surgido un gran interés por la música folclórica. La proliferación de casas de baile (táncházak) en las zonas urbanas está contribuyendo a garantizar la supervivencia de las melodías tradicionales y a mantener la vitalidad de la danza y la música folclóricas. 

Hay cinco tipos básicos de danza tradicional que se encuentran en toda la Cuenca de los Cárpatos: danzas redondas (karikázó); bailes de salto (ugrós); danzas de hombres (legényes); bailes de parejas lentos y rápidos (csárdás); y bailes de palos (botoló), que son vestigios de bailes de armas.

Cada uno de estos cinco tipos básicos de danza varía, dependiendo de su región geográfica. Por ejemplo, las danzas que se encuentran en las regiones de los ríos Danubio y Tisza tienden a ser más sencillas y alegres que las danzas más complejas de Transilvania (Rumanía). Los bailes en solitario y en pareja son típicamente de forma libre, lo que significa que hay innumerables posibilidades para la improvisación individual. Esta característica distingue la cultura de la danza húngara de la de Europa occidental y los Balcanes, y explica su inmensa riqueza. 

Es bastante curiosa la forma en que la música, más allá de ser un instrumento para definir un sentimiento de pertenencia nacional o étnica, logra unir en vez de separar, a largo plazo. Pues, después de todo, la música es una especie de lenguaje universal que, a través de su legado, puede enriquecernos y darnos una idea más general de cada cultura.

Referencias:

  • Hungarian Elements in Selected Piano Compositions of Liszt, Dohnanyi, Bartok, and Kodaly – Helga Scheibert
  • The Hungarian Rhapsodies and the 15 Hungarian Peasant Songs: Historical and ideological parallels between Liszt and Bartók – David B. Hill

¿Prefería Mozart las tonalidades mayores?

Publicado el por Mila Emilova Sivova5 comentarios

El famoso compositor Wolfgang Amadeus Mozart ha sido objeto de numerosos estudios por diversas razones. No es sencillo determinar qué es exactamente lo que hace que su música sea tan excepcional ya que posiblemente esto debiera a un conjunto de factores. Si consideramos que fue un niño prodigio y estuvo centrado en la música durante la mayor parte de su vida, podríamos llegar a imaginar que Mozart poseía conocimientos musicales que superaron a los de sus contemporáneos.

Ya desde temprana edad y debido a sus numerosos logros, Mozart era conocido en toda Europa por su enorme talento. Gracias a su fama el compositor tuvo muchos encargos y sus obras pudieron ser conservadas e interpretadas hasta la actualidad. Puede que incluso existieran más compositores de similar talento y durante la misma época pero sus obras no han sido tan bien conservadas como las de Mozart. Aún así, expertos afirman que no ha vuelto a nacer un compositor que se pueda comparar con Mozart. Sus obras parecen rozar la perfección musical y a pesar de no presentar gran dificultad a primera vista, no son nada fáciles de interpretar.

A cualquier músico profesional podría resultarle obvio el hecho de que la mayoría de las obras de Mozart estén escritas en tonalidades mayores, quizás algo tan obvio que no merece interés. (En los modos tonales occidentales las escalas mayores evocan un sentimiento de alegría y las menores, de tristeza). De las cerca de mil obras de Mozart que podemos encontrar (tanto completas como sin acabar), tan solo unas setenta de ellas están escritas en tonalidades menores. Los motivos de esta elección no son claros. Podría deberse a las tendencias musicales de la época, encargos específicos o a los propios gustos del autor, muy influenciados por su padre, Leopold Mozart y más tarde por el compositor Joseph Haydn (ambos también usaban mucho las escalas mayores).

El hecho que ha despertado nuestro interés es la relativamente nueva corriente que habla sobre los efectos positivos que puede causar la simple audición de la música de Mozart. El así llamado «Efecto Mozart» es el resultado obtenido al escuchar la música que, al parecer, es beneficioso para la salud. Son muchos los que han hablado acerca de estos efectos durante las últimas décadas pero también son bastantes quienes se oponen a esta teoría.

Nuestra intención hoy no es cuestionar los efectos que pudiera provocar la música de Mozart en nuestra salud o en nuestras habilidades cognitivas. Pero, de existir un Efecto Mozart, ¿acaso podría éste deberse al uso predominante de las tonalidades mayores por parte del compositor? Sin duda el uso de las tonalidades mayores es algo muy característico de Mozart.

Independiéntemente de los resultados que pudieran producirse al escuchar las obras de Mozart, lo cierto es que muchos disfrutamos oyéndolas. Y tal vez al disfrutar de una música en tonalidades mayores (música alegre o positiva) pudiera ayudarnos a lograr un estado de tranquilidad y serenidad que no se podría conseguir al escuchar música death metal, por ejemplo. Por supuesto, tal afirmación es bastante subjetiva puesto que una obra escrita en tonalidad menor no necesariamente debe causarnos tristeza, y viceversa.

En un artículo de la revista Financial Times escrito por Harry Eyres se hace mención de esta concreta tendencia del uso que hizo Mozart de escalas mayores. Según Alfred Brendel, «Hay obras que son pocas en número pero excepcionales en intensidad expresiva: son las obras en tonalidad menor, especialmente las que comienzan y terminan en menor. Es un misterio por qué hay tan pocas obras en tonalidades menores”.

Quizás las escalas mayores representen un mayor desafío para los compositores. Pues hacer brotar emociones con tonalidades mayores parece una tarea compleja. En cambio, hay algo realmente atractivo para el oído humano en las tonalidades menores (y algunos otros modos tonales antiguos).

Para finalizar, te dejamos con un vídeo de la La Sinfonía n.º 40, K. 550 que, aunque esté escrita en en sol menor, da la sensación de efecto alegre.