¿Qué es el Theremín? ¿Y el Ondes Martenot?

Theremín

El theremín fue uno de los primeros instrumentos musicales electrónicos, inventado por Leon Theremin. En realidad su nombre era Lev Sergeyevich Termen y nació en San Petersburgo, Rusia en 1896. Como muchos inventores, era un joven entusiasta tanto de la música (tocaba el violonchelo) como de la física. Después de matricularse en la Universidad de Petrogrado, concentró sus estudios en el incipiente campo de la ingeniería eléctrica. Allí, estaba reparando una radio cuando concibió la idea de un instrumento musical esencialmente electrónico: no solo un instrumento acústico embellecido o amplificado electrónicamente, sino un instrumento que produciría música puramente electrónica.

En 1918, Theremin construyó el prototipo de su «aetherphone». Tenía una forma bastante simple: una caja de madera, montada sobre cuatro patas, con una antena recta que se elevaba desde su parte superior y una antena de bucle en forma de P que se extendía horizontalmente desde su lado izquierdo. Dentro de la caja, las antenas estaban conectadas a osciladores de muy alta frecuencia hechos con tubos de vacío. En el frente de la caja había interruptores de control. La clave del sonido del aetherphone es el principio de heterodino: cuando se mezclan dos señales de frecuencia cercana pero diferente, resulta una nueva señal cuya frecuencia es igual a la diferencia de las dos señales originales.

Por sí solas, las señales producidas por los osciladores del Theremin son demasiado agudas para que el oído humano las escuche; pero cuando esas señales se combinan, la señal resultante se puede escuchar y, lo que es más importante, se puede variar según la posición del “músico” entre las dos antenas. Específicamente, el músico agita sus manos cerca de la antena recta para controlar el tono (el rango es de aproximadamente 2 1/2 octavas a cada lado de C central), y cerca de la antena en bucle para controlar el volumen (llevando la mano a una pulgada de distancia). La antena corta el sonido por completo).

La invención de Theremin sigue siendo el único instrumento musical que se toca sin ningún contacto físico. Para lograr el sonido, deben moverse las manos cerca de las dos antenas de metal del dispositivo. Una de ellas es horizontal y la otra es vertical. Las antenas detectan la posición de las manos del intérprete. ¿Cómo? Están rodeadas de campos electromagnéticos. Cuando las manos se mueven cerca de las antenas, interfieren en estos campos. La distancia entre las manos y las antenas determina el tono y el volumen del sonido. Cuando las antenas detectan las manos del músico, producen señales eléctricas. Estas se envían a un altavoz para producir el sonido único del theremin.

El sonido que puede producir es muy variado, pero parece algo de otro mundo. Por esta razón, aunque el propio Lev Theremin y otros autores han compuesto obras musicales complejas en el estilo clásico para theremin, es mejor reconocido por su prominencia en la banda sonora de varias películas de ciencia ficción de Hollywood, como «El día que la Tierra se detuvo.» Sin embargo, el theremin hace una aparición memorable en la música pop en el fondo de «Good Vibrations» de los Beach Boys.

Theremin demostró por primera vez su instrumento a un grupo de físicos rusos en 1920; en 1922 actuó para Lenin. Cinco años más tarde, realizó una gira por Europa, tocando sinfonías que había compuesto “para éter y orquesta” para audiencias que solo estaban de pie. En diciembre de 1927 llegó a Nueva York, donde tocó para Rachmaninoff y Toscanini, entre otros. Aprovechando su éxito, Theremin estableció un laboratorio y un estudio de música en Nueva York. En 1928, tocó con la Filarmónica de Nueva York y también obtuvo una patente estadounidense (# 1,661,058). Al año siguiente, RCA comenzó a fabricar y comercializar el “thereminvox” bajo licencia.

El instrumento no fue un éxito comercial, en parte porque es muy difícil de tocar con algún grado de sutileza, y en parte porque la Gran Depresión significó que pocos podían permitirse tales lujos. Sin embargo, Theremin encontró un virtuoso en su compañera emigrada rusa Clara Rockmore: nadie ha sido capaz de igualar la «digitación aérea» con la que ella podía sacar sonidos asombrosamente precisos y sutiles del instrumento.

Durante diez años, Theremin trabajó en Nueva York. Con la ayuda de Clara Rockmore, desarrolló lo que hoy se llamaría «performance art», con escenarios que reaccionaban automáticamente a los movimientos de los bailarines con variados patrones de sonido y luz. Luego, en 1938, Theremin fue secuestrado por la KGB y regresó a Rusia. Obligado a abandonar su música, pasó un año en prisión y luego desarrolló dispositivos de escucha para la policía secreta soviética.

A la edad de 95 años, Theremin regresó a los Estados Unidos, donde se reunió con Clara Rockmore y dio varios conciertos. Luego regresó a Rusia y murió en Moscú dos años después, en noviembre de 1993. Pero el Theremin ha gozado de un reciente resurgimiento en popularidad. Son bastantes quienes señalan que la «música de un universo alternativo» de Leon Theremin todavía tiene un gran atractivo.

Ondes Martenot

Ondes Martenot es un instrumento electrónico monofónico inventado en 1928 por el violonchelista Maurice Martenot, que además fue un operador de radio en la Primera Guerra Mundial. Al igual que Lev Theremin, Martenot estaba fascinado por las superposiciones accidentales de tonos de osciladores de radio militares, que encontraba musicales, y se preguntó si podría desarrollar un instrumento que pudiera replicarlos, pero con la misma expresión tonal de su amado violonchelo. El ondes martenot también fue patentado el mismo año que el theremin: 1928.

Ha sido utilizado por compositores como Honegger, Schmitt, Ibert y, quizás el más famoso, Messiaen. Honneger incluso pensó que podría reemplazar el contrafagot en una orquesta.

El Ondes Marteno se compone de dos unidades: la sección principal está formada por un teclado y un cable de tracción operado por un controlador de cinta para el dedo índice. Las teclas pueden moverse ligeramente, lo que tiene el efecto de mover el tono. Deslizar la cinta con el dedo índice crea glissandos y portamentos expresivos. La mano izquierda utiliza la otra unidad del instrumento, que tiene controles a los que se accede desde un cajón extraíble que adapta articulación, dinámica y tono.

Entre los admiradores modernos del instrumento están Jonny Greenwood de Radiohead, que a menudo hace giras con un Ondes Martenot, y Daft Punk, que ha utilizado el instrumento en muchos de sus temas.

Su sonido misterioso se ha comparado con la voz humana, y en algunos casos puede sonar como un cuarteto de cuerdas relajante mientras que en otros es inquietante y siniestro.

Según fuentes, el theremin y el ondes se inventaron de forma totalmente independiente entre sí, y Lev Termen y Maurice Martenot no se conocieron hasta un breve encuentro en 1927 cuando Lev estaba en París presentando su instrumento al público francés. Para ese momento, la primera generación de ondes ya se había construido y se introdujo solo unos meses después en el mismo escenario donde se había demostrado el theremin.

Parece que el descubrimiento del fenómeno heterodino en sí fue fortuito tanto por parte de Martenot como de Termen, y ninguno lo habría descubierto en absoluto si no hubiera sido por la invención de De Forest de 1906. Martenot y Termen se volvieron a encontrar en Estados Unidos en la década de 1930, y se abrieron grandes esperanzas para su colaboración y el futuro de la música, pero de sus encuentros no resultó nada. El hecho es que Martenot no creía que el theremin fuera viable como instrumento musical porque era demasiado limitado en cuanto a lo que podía hacer y demasiado difícil de controlar con exactitud y precisión.

Los ondes de la primera generación eran muy parecidos a los theremin, pero Martenot abandonó el concepto y pasó a idear un instrumento similar al llamado «tannerin» del fallecido Paul Tanner. Después de eso, agregó un teclado flotante al instrumento y una palanca que permitía al músico cambiar fácilmente de «control de cinta» a «control de teclado». Desafortunadamente, el instrumento a día de hoy requiere un gran gasto de fabricación.

El violín húngaro

El violín húngaro es conocido en todo el mundo por su pasión, romance y virtuosismo. Existe una relación bastante clara entre la música folclórica húngara, la música romaní y la tradición de la música clásica, que, combinada con el repertorio de verbunkos, formaron el estilo hongrois. Aunque varios compositores se acercaron al estilo hongrois de la tradición clásica, es importante explorar otros estilos musicales relevantes, ya que los compositores a menudo se inspiran en una variedad de fuentes exóticas y modismos. Una conciencia de la interconexión entre estilos musicales, así como una comprensión de sus prácticas de desempeño, ayuda a dar forma a una históricamente auténtica interpretación de las obras de estilo hongrois.

Fueron muchos los compositores (húngaros o no) quienes quisieron hacer un estudio de este folclore que tanto interés despertaba en toda Europa. Béla Bartók o Franz Liszt realizaron varias recopilaciones de obras folclóricas de Hungría. Estas dos figuras tan diferentes revelan no solo nuevas perspectivas, sino también un rico paisaje cultural e ideológico con profundas implicaciones para la forma en que los músicos y críticos de Hungría veían su identidad.

Músicos húngaros romaníes y no romaníes llevaron el «estilo húngaro-gitano» por todo el mundo, en cafés, teatros y salas de conciertos. La potente imagen del gitano «oriental» contrastaba marcadamente con la del músico clásico europeo; el estilo húngaro-gitano fue la primera opción natural como un significante musical del húngaro, sin embargo, era un estilo popular.

Los músicos húngaros pasaron décadas tratando de asimilar el significado de este estilo y tratando de determinar cómo podría usarse en la sala de conciertos. Los escritos de música folclórica de Bartók, Kodály y sus colegas emergen así como una respuesta modernista a lo que vieron no solo como falso sino también como un retroceso romántico. En este contexto, está más claro que nunca cómo encaja su uso de la música folclórica antigua entre los músicos modernistas de su época.

Por otra parte está Johannes Brahms, quien también quiso tomar este folclore para crear sus famosas Danzas Húngaras. La mayor inspiración de Brahms para componer estas piezas llegó años antes en forma de un encuentro casual con el violinista húngaro Ede Reményi. Unos años después de ver tocar a Reményi por primera vez, Brahms, que entonces tenía 20 años, se convirtió en su pianista acompañante, uniéndose a Reményi de gira mientras aprende sobre su herencia musical nativa.

Apoyado por su auténtica experiencia de la música folclórica húngara, Brahms finalmente puso la pluma sobre el papel e intentó componer en este estilo. De los 21 bailes, se dice que solo los números 11, 14 y 16 son composiciones completamente originales de la obra de Brahms, pero el resultado sigue siendo uno de sus trabajos más populares y representados con frecuencia. Dentro de sus Danzas húngaras, Brahms capturó la energía cantarina y jubilosa de las csárdás y verbunkos, danzas folclóricas tradicionales húngaras caracterizadas por tempos dramáticamente variables, ritmos animados y pasajes virtuosos giratorios.

Las Danzas Húngaras

La música folclórica de Hungría es una de las expresiones de identidad nacional más importantes del país. La ubicación geográfica de Hungría, junto con un patrimonio cultural que tiene influencias desde Asia central hasta Europa occidental, ha apoyado durante mucho tiempo tradiciones musicales diversas y vivas. La documentación y el análisis académico de la música folclórica húngara se inició a finales del siglo XIX y obtuvo resultados espectaculares. No solo establecieron métodos científicos para recopilar e interpretar las tradiciones musicales populares de Hungría; también compusieron y difundieron canciones populares. Su objetivo, como escribió Kodály en 1906, era reconocer «la capa básica de nuestra música folclórica, la roca sobre la que se puede construir una cultura».

Hoy en día, el repertorio de canciones populares grabadas asciende a unas 300.000. En las últimas décadas, ha surgido un gran interés por la música folclórica. La proliferación de casas de baile (táncházak) en las zonas urbanas está contribuyendo a garantizar la supervivencia de las melodías tradicionales y a mantener la vitalidad de la danza y la música folclóricas. 

Hay cinco tipos básicos de danza tradicional que se encuentran en toda la Cuenca de los Cárpatos: danzas redondas (karikázó); bailes de salto (ugrós); danzas de hombres (legényes); bailes de parejas lentos y rápidos (csárdás); y bailes de palos (botoló), que son vestigios de bailes de armas.

Cada uno de estos cinco tipos básicos de danza varía, dependiendo de su región geográfica. Por ejemplo, las danzas que se encuentran en las regiones de los ríos Danubio y Tisza tienden a ser más sencillas y alegres que las danzas más complejas de Transilvania (Rumanía). Los bailes en solitario y en pareja son típicamente de forma libre, lo que significa que hay innumerables posibilidades para la improvisación individual. Esta característica distingue la cultura de la danza húngara de la de Europa occidental y los Balcanes, y explica su inmensa riqueza. 

Es bastante curiosa la forma en que la música, más allá de ser un instrumento para definir un sentimiento de pertenencia nacional o étnica, logra unir en vez de separar, a largo plazo. Pues, después de todo, la música es una especie de lenguaje universal que, a través de su legado, puede enriquecernos y darnos una idea más general de cada cultura.

Referencias:

  • Hungarian Elements in Selected Piano Compositions of Liszt, Dohnanyi, Bartok, and Kodaly – Helga Scheibert
  • The Hungarian Rhapsodies and the 15 Hungarian Peasant Songs: Historical and ideological parallels between Liszt and Bartók – David B. Hill

Lara Sansón – El talento andalúz

La violinista Lara Sansón, de Cádiz, nos deleita con su espectacular actuación en el programa de televisión Tierra de Talento, de Canal Sur. Ella ha sabido mostrar al público y al jurado la gran versatilidad que ofrece el violín interpretando obras musicales de muy diferentes estilos.

Lara comenzó sus estudios musicales a la edad de 9 años y, desde entonces, ha viajado y actuado por todo el mundo. Tanto como solista como en grupos de música de cámara y orquestas, Lara ha participado en festivales musicales en Francia, Italia, España, Eslovaquia y EEUU. 

Actualmente, Lara es Concertino en la Orquesta Bética de Cámara (Sevilla), labor que desempeña en conjunto con su puesto de primer violín en la Orquesta Sinfónica Pop del Soho, de Antonio Banderas (Málaga).

Ya estamos impacientes por ver las siguientes actuaciones de Lara y saber qué nos tiene preparado. El próximo sábado día 17 de julio a las 22:00 h. (CEST) se emitirá la edición final del programa Tierra de Talento.

La música en la pintura

La música y la pintura tienen una estrecha relación. Los factores ambientales como los colores, el brillo u oscuridad, el olor y los sonidos desencadenan diversas emociones y sentimientos dentro de nosotros. Como tal, las experiencias auditivas entran en el proceso creativo y afectan a las obras de arte. La evidencia sugiere que cuando un tipo particular de música y pintura tiene lugar en el mismo entorno, el resultado de la pintura será distinto.

Por otra parte, podemos establecer muchas conexiones directas entre pintores y compositores, no solo en los retratos de compositores, sino también en la representación de músicos, instrumentos y partituras, la visualización de lo invisible, la esencia misma de la música. Muchos pintores, especialmente los de la época romántica, consideraron la música como la más pura de las artes que, por su inmediatez, toca el espíritu y el alma. Durante su tiempo, la música en la pintura se expresó generalmente de manera figurada, mientras que más adelante en el siglo XIX y sobre todo a lo largo del siglo XX, la efusividad y abstracción de la música fue paralela al movimiento hacia la abstracción en la pintura.

Hoy hemos seleccionado algunas imágenes de pinturas que contienen instrumentos musicales, sobre todo de cuerda frotada. Todas estas pinturas nos muestran la música en distintos contextos y épocas, además de la transformación que han sufrido los instrumentos musicales con el paso del tiempo.

El sentido del oído – Jan Brueghel el Viejo y Peter Paul Rubens ,1617 – 1618

El sentido del oído - Jan Brueghel el Viejo y Peter Paul Rubens ,1617 - 1618

Perteneciente a la serie de pinturas «Los cinco sentidos», localizada en el Museo del Prado de Madrid. Aquí, para unos Euterpe (la musa de la música) y para otros Venus toca un laúd, mientras Cupido canta. Un ciervo que está cerca también alude a la audición, ya que el animal era un símbolo común del poder del oído en el siglo XVII. Algo curioso aquí es la presencia de relojes que producen un tic-tac, lo que simboliza que incluso el “tiempo no es silencioso”. El amplio plano de esta sala con la naturaleza de fondo da una impresión de amplificación del sonido, haciendo que la música viaje más allá de los confines de la sala.

Autorretrato con laúd – Artemisia Gentileschi ,1610

Autorretrato con laúd - Artemisia Gentileschi ,1610
La pintura se encuentra en la colección Wadsworth Atheneum en Connecticut, EE. UU. Artemisia tuvo un prodigioso éxito profesional en Florencia. Se convirtió en la primera artista femenina en ser aceptada como miembro de la Accademia del Disegno, en cuya lista figuraba ya en 1616. Fue patrocinada por Miguel Ángel Buonarotti el Joven, quien encargó un cuadro para un techo en la Casa Buonarotti. La agilidad y la tensión de sus dedos sugieren que en realidad está tocando el instrumento y, de hecho, se sabe que Artemisia tocó el laúd desde una edad temprana. Al parecer, conocía bien la música, ya que el célebre compositor y laudista de Módena, Bellerofonte Castaldi (c.1581-1649) estaba entre sus amigos.

Representaciones de Santa Cecilia

Al hablar de música y pintura, es casi obligatorio mencionar a Santa Cecilia y sus numerosas apariciones en obras de arte, a menudo representada tocando algún instrumento musical.

Santa Cecilia, quién algunos comparan con «el Orfeo» de la mitología cristiana, es un personaje también conocido como patrona de los invidentes y los músicos. El relato más célebre de la vida de Santa Cecilia está contenido en los Hechos de su martirio, escritos en el siglo V. Probablemente solo los hechos principales de este documento se hayan recibido de fuentes auténticas. Estos Hechos se han transmitido en numerosos manuscritos y también se han traducido al griego.

Santa Cecilia – Artemisia Gentileschi 

Santa Cecilia -  Artemisia Gentileschi 

El éxtasis de Santa Cecilia – Raffaello Sanzio ,1516 –1517

El éxtasis de Santa Cecilia - Raffaello Sanzio ,1516 –1517
La pintura fue encargada por Elena Duglioli dall’Olio de Bolonia. Probablemente pidió una imagen de Santa Cecilia, la patrona de la música. Rafael se decidió por una pintura al estilo de una Sacra Conversazione, con Santa Cecilia en el centro rodeada de santos. La escena representa la leyenda de Santa Cecilia. Mientras escoltaban a Cecilia a la casa de su prometido, con el acompañamiento de instrumentos musicales, en su corazón clamaba solo a Dios, suplicándole que conservara la castidad de su corazón y de su cuerpo. Cecilia no oye la música profana, sus ojos levantados hacia el cielo la conecta directamente con el coro de ángeles. Todo esto está completamente de acuerdo con la historia del mártir romano.

Santa Cecilia – Pedro Díaz ,1770

Santa Cecilia - Pedro Díaz ,1770

Un ángel tocando el laúd – Melozzo da Forlì, 1480

Un ángel tocando el laúd - Melozzo da Forlì, 1480
Los 14 fragmentos con los apóstoles y ángeles músicos (estos también expuestos en la sala IV) junto con la figura de Cristo, (ahora en el Palacio del Quirinal) formaban parte de la antigua decoración del ábside de la Basílica de lo Santos Apóstoles en Roma ilustrando la Ascensión de Cristo. El fresco, que fue destruido en 1711, fue pintado por Melozzo da Forlì hacia 1480, poco después de las obras de restauración de la iglesia para el cardenal Giuliano della Rovere, el futuro Papa Julio II (pontífice de 1503 a 1513).

Fragmento del Retablo de Isenheimer – Matthias Grünewald 1506–1515

Fragmento del Retablo de Isenheimer - Matthias Grünewald 1506–1515

Descanso en la huida a Egipto – Michelangelo Merisi da Caravaggio 1597

Descanso en la huida a Egipto - Michelangelo Merisi da Caravaggio 1597

Naturaleza muerta con instrumentos musicales – Evaristo Baschenis , hacia 1660

Naturaleza muerta con instrumentos musicales - Evaristo Baschenis , hacia 1660

Una mujer tocando el clavicordio – Gerrit Dou, hacia 1665

Una mujer tocando el clavicordio - Gerrit Dou, hacia 1665

Violín y uvas – Pablo Picasso, 1912

Violín y uvas - Pablo Picasso, 1912

Picasso decidió alejarse de los principios estándar y aburridos de representar varios objetos, dando así al espectador la oportunidad de ver el lienzo a su manera. El violín sobre el lienzo está dividido en muchas pequeñas partículas complejas que se invita al público a ensamblar en un solo objeto. A pesar de los detalles fragmentados, todos están realizados con cierto grado de detalle. No tenía el objetivo de retratar el violín exactamente, quería capturar la melodía que este instrumento musical podía crear. Este bodegón fue creado en la época del cubismo sintético, que se caracteriza por el uso de collages y aplicaciones.

Becas para estudios musicales

Si eres estudiante y deseas completar tu carrera musical, aquí puedes consultar algunas de las becas que se ofrecen:

Beca Escuela Superior Reina Sofía – La beca es otorgada a los aspirantes que superen la audición de acceso a la academia.

Becas AIE – Artistas, Intérpretes o Ejecutantes (AIE) es una entidad que ofrece ayudas para estudios musicales de diversos tipos.

Becas Fundación Alvarogonzález – otorga dos becas para estudiantes españoles con el Certificado de Estudios Superiores de Música por un Conservatorio español que quieran ampliar sus estudios en el extranjero.

Becas de la Fundación Conservatori Liceu – ofrece varios tipos de ayudas para estudios de música.