Mila Emilova Sivova

Digitación y primera posición en el violín

Publicado el 16 junio, 202111 diciembre, 2025 por Mila Emilova Sivova1 Comentario

A la hora de leer las partituras, un violinista debe saber cuál es la combinación más cómoda para colocar los dedos de la mano izquierda. Para esto se suele numerar cada dedo a excepción del dedo pulgar, de modo que:

Dedo índice corresponde al número 1
Dedo corazón corresponde al número 2
Dedo anular corresponde al número 3
Dedo meñique corresponde al número 4
*(0 Cuerda al aire)

Así podrás numerar las notas y de esta forma sabrás qué dedos colocar para lograr mayor agilidad al tocar. Cuando practiques la pieza varias veces utilizando la misma digitación, tus dedos comenzarán a memorizar las posiciones y se sentirán más cómodos.

¿Cómo colocar los dedos en cada cuerda?

Para tocar notas afinadas de manera confiable, los violinistas usan una serie de posiciones de las manos para asegurarse de que sus dedos estén alineados con los lugares correctos en el diapasón.

Las posiciones en el violín pueden llegar a catorce pero normalmente se usan siete de ellas y se representan en las partituras con números romanos:

I Posición
II Posición
III Posición
IV Posición, …

Si eres principiante, sugerimos que comiences a estudiar solamente la primera posición hasta que puedas tocar escalas y arpegios con fluidez.

Primera posición

¿Qué es la primera posición en el violín? La primera posición es la posición fundamental de la mano en el violín y la más sencilla para tocar afinado. Como tal, es la primera posición de la mano que se enseña a los violinistas.

¿Por qué se llama primera posición? La respuesta es que esta posición alinea el primer dedo de un violinista (es decir, el dedo índice) sobre la primera parada en el diapasón.

Las cuerdas al aire de un violín están afinadas en los siguientes tonos, de grave a agudo: G (Sol), D (Re), A (La), E (Mi). Cada cuerda suena una quinta justa por encima de la que está debajo.

La primera parada del dedo en el diapasón producirá una nota que es un tono entero más alta que la cuerda al aire. Estas notas son A (la), E (mi), B (si)y F# (fa sostenido). Por lo tanto, para estar en la primera posición, el dedo índice debe estar sobre el lugar del diapasón que producirá estos tonos en sus respectivas cuerdas.

Continuando hacia adelante, los dedos segundo, tercero y anular se alinean de manera que se ciernen sobre cada nota sucesiva en una escala mayor. Entonces, en la cuerda E (mi), las notas producidas dentro de la primera posición son:

Cuerda al aire 0- E (mi)
Primer dedo 1- F# (fa sostenido)
Segundo dedo 2- G# (sol sostenido)
Tercer dedo 3 – A (la)
Cuarto dedo 4- B (si)

Estas son las primeras cinco notas de una escala de mi mayor. Del mismo modo, la primera posición también puede producir las primeras cinco notas de una escala de sol mayor, una escala de re mayor y una escala de la mayor, según la cuerda que estés tocando.

Pero, ¿qué pasa con las notas que no forman parte de una escala mayor? Por ejemplo, hay notas entre las cuerdas al aire y los tonos de la primera posición. ¿Cómo suenan?

Los semitonos

Para tocar estas notas, que están un semitono por encima de la cuerda al aire y un semitono por debajo de la primera posición (específicamente, las notas son G#, D#, A# y F), coloca tu dedo índice en la “posición baja” o ligeramente por debajo de donde lo detendrías en la primera posición. También puedes colocar el segundo dedo en la posición baja, lo que, si estás tocando una escala a partir de la cuerda al aire, producirá una tercera menor en lugar de una tercera mayor. Todas las notas están disponibles; solo requieren un ligero ajuste con los dedos.

Escalas y arpegios

Publicado el 15 junio, 202111 diciembre, 2025 por Mila Emilova Sivova6 comentarios

Para realizar el calentamiento con el violín, es bueno practicar escalas y arpegios todos los días. Las escalas son una excelente manera de incorporar conceptos más avanzados como cambios de posición, acentos, dinámicas y ritmos complicados. Comprender los componentes básicos de las escalas puede hacer que tocarlas te resulte mucho más fácil.

Las escalas son patrones básicos de notas, ordenados por tono, con mayor frecuencia en orden ascendente y luego descendente. Cada escala mayor o menor cubre todas las notas de la clave en la que se toca; una escala cromática contiene cada semitono dentro de un intervalo de octava. Hay escalas de doble parada en tercios, sextas y octavas, arpegios, escalas pentatónicas, escalas en armónicos, escalas de tres, incluso cuatro octavas.

Cada pieza musical compuesta entre los períodos barroco y romántico; eso es un repertorio de trescientos años; se compone de patrones de escala y arpegio. Pero las escalas no son música. A menos que estés haciendo un examen, nunca se esperará que las toques en público. ¿Quién quiere ir a un recital de escalas, después de todo?

El famoso virtuoso del violín y maestro Yehudi Menuhin, quien hizo su primera aparición pública con solo 7 años, explica en su autobiografía, Unfinished Journey, que de niño consideraba que aprender un método impuesto de escalas, arpegios y teoría era una pérdida de tiempo. Menuhin describe el viaje que emprendió cuando, a medida que crecía, decidido a mantener su alto nivel de rendimiento y también a convertirse en un gran maestro, comenzó a darse cuenta de que se había saltado lo básico. No tenía idea de cómo hizo lo que hizo.

Para comprender completamente la forma en que se movían sus dedos, Menuhin decidió retroceder, incluso a riesgo de perder la habilidad que había adquirido, y aprendió todas las escalas a todas las velocidades. Aprendió la anatomía de los músculos de su espalda; estudió yoga; buscó el consejo de profesores de violín, bailarines e incluso gimnastas para comprender cómo funcionaba su cuerpo cuando tocaba el violín. La práctica de la escala es crucial para la técnica del violín y, como muestran las exploraciones detalladas de Menuhin, no tiene por qué ser algo aburrido.

La práctica de la escala es repetitiva por naturaleza

Los neurólogos han descubierto que cuando se crea una nueva vía neural, lo que sucede cada vez que haces algo nuevo, por ejemplo, cuando tocas la escala D mayor por primera vez, las fibras aislantes crecen alrededor de esa vía neural. Cuando la vía se usa repetidamente, la capa aislante aumenta, incrustando la acción en su memoria a largo plazo. Se necesitan entre 30 y 50 repeticiones perfectas de una acción para incrustarla en su sistema nervioso, donde se convierte en un hábito o habilidad. Cuando estamos comprometidos emocionalmente con el aprendizaje, este proceso es mucho más efectivo.

La práctica de escalas te da la oportunidad de adquirir una técnica de mano izquierda realmente firme. Desarrolla fuerza, independencia y destreza en los dedos de la mano izquierda. Mejora la coordinación de la mano izquierda y la mano del arco. El control táctil y la sensibilidad de los dedos de la mano izquierda se pueden desarrollar dentro de un patrón de práctica familiar para evitar presionar en exceso, al igual que puedes asegurar el conocimiento del diapasón y la entonación perfecta, una mano izquierda rítmica, cambios prolijos y cambios con toda la mano.

El dominio de las escalas permite que los dedos aprendan el espaciado correcto en cada posición del violín. La práctica de la escala también se puede utilizar para trabajar en la facilidad de ejecución, con especial atención a un brazo derecho relajado, diferentes estilos de arco y pureza de tono. La facilidad para tocar escalas reduce el riesgo de lesiones y estrés, y una comprensión genuina de cómo funciona su técnica conduce a una interpretación consistente y segura.

A continuación se muestran las principales escalas y arpegios para el violín en primera posición.

Afinar un violín

Publicado el 14 junio, 202111 diciembre, 2025 por Mila Emilova Sivova2 comentarios

La correcta afinación de un insturumento es imprescindible para poder tocar cualquier obra, y más aún si debes tocar en conjunto con otros instrumentos. Hoy vamos a darte algunos consejos para que puedas afinar tu violín en varios sencillos pasos.

Afinación de un violín

Primero, algunos conceptos básicos. Un violín tiene cuatro cuerdas de grosor variado. Para la afinación estándar, las cuerdas se afinan con un intervalo de una quinta justa entre cada una y se organizan en orden ascendente, desde la nota más baja hasta la más alta: G (Sol), D (Re), A (La) y E (Mi).

Paso 1. Comencemos por la cuerda la (A). Puedes usar un diapasón o un afinador en línea para esta tarea. Si golpeas el diapasón éste te dará un tono la en 440 hz que te servirá de referencia para afinar la cuerda la de tu violín. Debes procurar que tu cuerda de exactamente el mismo tono La que el del diapasón. Si usas un afinador digital podrás ajustar el tono hasta que te marque luz verde o hasta que la flecha te indique que has alcanzado el tono correcto. Puedes usarlo para afinar las demás cuerdas también.

Paso 2. Si los tonos no coinciden deberás afinar la cuerda la de tu violín. Gira la ruedecilla del afinador metálico de la cuerda La para tensar (derecha) o aflojar (izquierda) la cuerda hasta lograr el tono correcto. Si no dispones de afinador metálico, deberás usar las clavijas.

Paso 3. A veces, afinar mediante las clavijas puede resultar complicado si sostienes tu violín en postura de tocar. Puedes colocar el violín en tu regazo mirando hacia ti, o sosteniéndolo con las piernas. Afloja un poco las clavijas y vuelve a tensarlas mientras haces pizzicato para lograr el tono correcto. Deberás hacer un poco de presión para que la clavija quede en su lugar.

Paso 4. Es posible que no estés usando un afinador digital, en línea, aplicación, etc., y solamente puedas afinar la cuerda la usando una referencia. En este caso, deberás usar tu oído para afinar las demás cuerdas de manera que formen quintas justas.

El truco de la tiza

A veces las clavijas no agarran bien y al intentar afinar tu violín se destensan solas. Para evitar que esto ocurra, puedes probar a untar un poco de tiza en las clavijas destensadas para que hagan fricción. O bien, puedes usar el grafito de un lápiz para lograr el mismo efecto.

¿Por qué las orquestas afinan en la?

Las orquestas siempre sintonizan el tono del concierto (generalmente A = 440 Hertz, 440 vibraciones por segundo). Convenientemente, cada instrumento de cuerda tiene una cuerda la. Así que tiene sentido que las orquestas de cuerdas afinen la cuerda La al aire de los violines. Y como otras familias de instrumentos se han unido a la orquesta a lo largo de los años, siguieron su ejemplo.

¿Cuándo empezaron las orquestas a afinar con el oboe?

Cuando surgieron las primeras orquestas a finales del siglo XVII, estaban formadas principalmente por músicos de cuerda. Si bien la atención se centró en los instrumentos de cuerda, a veces se usaban oboístas para fortalecer el sonido de la primera y segunda sección de violín. Pero entonces, los compositores empezaron a darse cuenta de que el tono brillante y de canto del oboe podía aprovecharse mejor. Comenzaron a escribir partes separadas para el instrumento e incluso a crear conciertos para el instrumento (por ejemplo, el Concierto para oboe en re menor de Albinoni).

Violín Mariachi

Publicado el 1 junio, 202111 diciembre, 2025 por Mila Emilova SivovaDeja un comentario

El origen de la música mariachi está muy ligado a la aparición del violín (por aquel entonces Rebec) en México, allá por el s. XVI. Al parecer, el género de música denominado mariachi es producto de la combinación entre las tradiciones locales indígenas y las doctrinas traidas por los españoles. El violín aparece ya en las primeras formaciones musicales mariachi y es impulsor de la creación de la vihuela mexicana, instrumento de cuerda inventado por Justo Rodríguez Nixen.

A finales de 1700 había comenzado a evolucionar una forma de canción que usaba coplas de rima tópica o satírica, con el violín generalmente a la cabeza de la melodía. Esto tomó gradualmente el manto de un idioma musical nacional, incorporando elementos de las diferentes culturas, y durante la guerra por la independencia en 1810-21 se convirtió en un símbolo de lucha, libertad y orgullo nacional.

El propio término mariachi, según fuentes, tiene varios posibles orígenes etimológicos. Por una parte está su similitud con la palabra francesa «mariage» que significa matrimonio. En este sentido el género mariachi haría referencia a la música que se interpretaba durante los festejos nupciales. Por otra parte, mariachi podría provenir de la lengua nativa de Cocula, haciendo referencia a la Virgen María del Río y a su canción, convirtiéndose así de «Maria ce son» a «mariachi».

Violín mariachi

Las bandas de mariachis incluyen desde dos hasta un extenso grupo de violinistas, a menudo con formación clásica y armados con un repertorio enorme y una técnica impresionante. Tocando normalmente al aire libre y compitiendo con una sección de trompetas desenfrenada, los violinistas necesitan un tono potente y un vibrato fuerte. Suelen tocar en armonía unos con otros, con las trompetas haciendo contramelodías. Las notas de gracia se utilizan ampliamente y el pizzicato es muy común.

Mariachi Vargas

Los primeros grupos organizados comenzaron a mediados del siglo XIX; en 1850 Amado Vargas fundó una banda con dos violines, arpa y guitarra de golpe (una pequeña guitarra de 5 cuerdas). Su hijo Gaspar se hizo cargo en 1898, llamando al grupo Mariachi Vargas de Tecalitlan, y esto fue para probar el modelo e inspiración para todos los grupos de mariachi posteriores. Hacia el cambio de siglo, los mariachis llegaron a la Ciudad de México y prosperaron con la introducción de la radio en la década de 1920. La vihuela (una guitarra de 5 cuerdas) se agregó a la formación estándar, junto con las trompetas que ahora son fundamentales para el sonido del mariachi. Se agregaron más violines para equilibrar las trompetas. La verdadera edad de oro del mariachi llegó en los años 40 y 50 con la llegada del cine. Solo el conjunto Mariachi Vargas apareció en más de 200 películas.

La banda de mariachis moderna normalmente consta de al menos 8 integrantes; 2 trompetas, 3 violines, vihuela, guitarrón (un tipo de bajo acústico con un cuerpo enorme y cuello corto) y posiblemente un arpa o guitarra de golpe. Las bandas tienen un repertorio amplio y variado, que refleja la diversidad de situaciones sociales en las que están llamadas a actuar.

Laura Garciacano Sobrino fue apodada por primera vez la «Reina del Mariachi» en 1995 por Los Angeles Times. Laura Sobrino también fue directora y violinista principal del Mariachi Reyna de Los Ángeles, y originalmente fue la responsable de buscar el talento femenino en el mariachi. La Sra. Sobrino también fue la directora musical y violinista del grupo de mariachis «Mariachi Mujer 2000».

A pesar de su importancia, el mariachi no es de ninguna manera el único estilo de tocar el violín que se encuentra en México. Juan Reynoso es un violinista virtuoso que, a finales de los 80, dirige su propia banda al estilo tradicional de Tierra Caliente en el suroeste del país.

Directoras de orquesta – Conócelas

Publicado el 20 mayo, 202111 diciembre, 2025 por Mila Emilova Sivova1 Comentario

No parece haber una razón lógica por la que existan más hombres que mujeres en el puesto dirección de orquesta actualmente. Argumentos tales como «la orquesta funciona mejor con un hombre como director» o «una chica bonita podría desconcentrar a los músicos» son ofensivos, erróneos y bastante obsoletos para que puedan tenerse en cuenta, no obstante, en la profesión de dirección de orquesta continúan predominando los hombres. Si el motivo no es la discriminación, ¿acaso no hay tantas mujeres que querrían ser directoras?

Obviamente, las directoras de orquesta existieron desde el origen de la orquesta en sí, pese a que no muchas orquestas accedieron a ser dirigidas por mujeres durante los siglos pasados. Este hecho se podría explicar con la necesidad de una figura de autoridad orquestal que solía asociarse más a la masculinidad.

Para conocer un poco más acerca de la dirección orquestal, veamos algunos datos sobre su origen. Las primeras actividades asociadas con la dirección musical datan allá por el 2800 a. C. Los relieves egipcios y sumerios representan personas que hacen señales con las manos a los arpistas y flautistas, un acción llamada quironomía. La quironomía continuó en la antigua Grecia con movimientos de manos y pies, y floreció en el canto gregoriano. A mediados del siglo XV, el líder podría moverse hacia arriba y hacia abajo para mostrar un ritmo, manteniendo a todos juntos. En el siglo XVII, el teclista, el organista o el clavecinista, usó su mano, una hoja de papel, o un palo de madera para controlar el conjunto. A finales del siglo XVII, el primer violinista o concertino comenzó a funcionar como líder. En la época de Haydn, había dos directores: el concertino con su arco de violín y el propio Haydn en el teclado. Hasta el s. XIX prácticamente todos los compositores dirigían sus obras. La figura de director orquestal que conocemos hoy en día aparece entonces, y es también entonces cuando aparecen las primeras directoras de orquesta.

Elfrida Andrée (19 de febrero de 1841-11 de enero de 1929) fue una organista, compositora y directora sueca.

Andrée fue una de las primeras mujeres organistas nombradas oficialmente en Escandinavia. Comenzó a trabajar en Estocolmo en 1861 y se convirtió en organista de la catedral de Gotemburgo en 1867. Por sus servicios, fue elegida miembro de la Real Academia Sueca de Música. Andrée compuso dos sinfonías para órgano, la ópera Saga Fritiofs (1899), entre otros.

Francisca Edwiges Neves Gonzaga, más conocida como Chiquinha Gonzaga, 17 de octubre de 1847 – 28 de febrero de 1935) fue una compositora, pianista brasileña y la primera mujer directora en Brasil.

Chiquinha Gonzaga fue la primera pianista de «choro» y autora de la primera marcha carnavalera, «Ó Abre Alas» (1899). Sus obras de teatro y operetas, como Forrobodó y Jurití, fueron un gran éxito de público porque utilizaron elementos de la cultura popular brasileña de la época.

Caroline B. Nichols (1864-1939) fue una violinista, directora y fundadora de la Fadette Ladies Orchestra (conocida como Fadettes of Boston).

Nichols fue miembro fundador de la Ladies Orchestra de Marion Osgood, sin embargo, unos cuatro años más tarde fue miembro fundador de Fadettes of Boston en 1888, un sexteto. Rápidamente ascendió de primer violín a directora cuando el pequeño grupo se convirtió en una orquesta de cámara, asumiendo el liderazgo en 1890. Dirigió a las Fadette durante más de treinta años.

Elisabeth Johanna Lamina Kuyper (13 de septiembre de 1877 – 26 de febrero de 1953) fue una compositora y directora romántica holandesa.

En 1901, se convirtió en la primera mujer en ser admitida para estudiar composición en la Meisterschule für Komposition de Berlín, entonces dirigida por el renombrado compositor Max Bruch. En 1905, Elisabeth Kuyper se convirtió en la primera mujer compositora en recibir el Premio Mendelssohn, y luego, en 1908, en la primera mujer en ser nombrada profesora de Composición y Teoría en la Hochschule für Musik de Berlín.

Lina Coen (Caroline Marie Cohen; 21 de septiembre de 1878-13 de abril de 1952) fue una músico franco-estadounidense de ascendencia holandesa. Fue la primera mujer en los Estados Unidos en dirigir una ópera.

Según los informes, Coen fue la primera mujer en los Estados Unidos conocida en dirigir una ópera, según la New York Review (10 de febrero de 1917) en un artículo titulado “Mujer dirige la actuación de Carmen en el Garden Theatre»

Juliette Nadia Boulanger 16 de septiembre de 1887 – 22 de octubre de 1979) fue una compositora, directora y profesora francesa.

Directora y compositora, Nadia estudió música en el Conservatorio de París entre 1897 y 1904, tomó lecciones de composición con Gabriel Fauré y aprendió órgano con Charles-Marie Widor. Su hermana fue la compositora Lili Boulanger, quien fue la primera mujer en ganar el codiciado premio Prix de Rome de composición.

En la actualidad existen muchas directoras de orquesta reconocidas:

Anu Tali – Directora musical de la Sarasota Orchestra en Florida entre 2013 y 2019, su temporada 2020/21 incluye apariciones con la BBC Scottish Symphony Orchestra, Russian National Philharmonic en el nuevo Zaryadye Hall de Moscú, Orquesta Sinfónica de RTVE, Korean Symphony Orchestra, Orchestre Philharmonique de Estrasburgo, y una corrida de Carmen en el Teatro de la Maestranza de Sevilla.

Marin Alsop – hizo historia cuando se convirtió en la primera mujer en dirigir una importante orquesta sinfónica de Estados Unidos cuando fue nombrada para la Orquesta Sinfónica de Baltimore en 2007.

Gisèle Ben – Dor Actualmente directora laureada de la Sinfónica de Santa Bárbara, la directora uruguaya ha sido especialmente alabada por sus interpretaciones de obras sudamericanas.

Odaline de la Martinez es la directora que ostenta el récord histórico de ser la primera mujer en dirigir en los BBC Proms. La músico cubana es fundadora de la Lontano Chamber Orchestra y la European Women’s Orchestra.

Sian Edwards saltó a la fama como directora musical en la English National Opera entre 1993 y 95. Dirigió un programa de Britten, Holst, Berkeley y Tippett con Britten Sinfonia en los Proms de 2013.

JoAnn Falletta – Directora musical de la Filarmónica de Buffalo y las orquestas Sinfónicas de Virginia.

Jane Glover Ex directora musical de London Mozart Players y Glyndebourne Touring Opera. Actualmente directora musical de la Música del Barroco de Chicago, Glover también es directora de ópera en la Royal Academy of Music.

Emmanuelle Haïm – es una brillante especialista en barroco francés que ha encendido el mundo de la ópera con su propio conjunto Le Concert d’Astrée.

Susanna Mälkki – La directora finlandesa y directora musical del Ensemble intercontemporain, Susanna Mälkki debutó con la Filarmónica de Berlín en 2009.

Andrea Quinn – La directora británica, ex directora musical del Royal Ballet y del New York City Ballet, ha dirigido la mayoría de las compañías de ballet más importantes del mundo.

Simone Young – Los puestos de la directora australiana han incluido la directora principal de Opera Australia y, actualmente, la Filarmónica de Hamburgo.

Xian Zhang – Directora de la Orquesta Sinfonica di Milano Giuseppe Verdi desde 2009. En 2016 se convirtió en directora invitada principal de la BBC National Orchestra of Wales.

Barbara Hannigan – Ya famosa como soprano, interpretando papeles como Lulu de Berg, oratorios de Handel o nueva música contemporánea de vanguardia, Barbara Hannigan también se ha hecho un nombre como directora, comenzando en 2011 con Mysteries of the Macabre de Ligeti .

Alice Farnham – directora británica que se formó en el Conservatorio de San Petersburgo, tiene una reputación internacional al trabajar con el Teatro Mariinsky y en la Royal Opera House.

Ariane Matiakh – La única directora femenina en formar parte de la lista para el escenario principal en 2019-20 en The Royal Opera House, Londres.

Mirga Gražinytė-Tyla – La maestra lituana de 32 es la Directora Musical de la Orquesta de Classic FM en Midlands, la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Birmingham, Gražinytė-Tyla también es Directora Asociada de la Filarmónica de Los Ángeles.

Laurence Equilbey – La directora francesa es ampliamente respetada por su trabajo en la música coral, ya que fundó y dirigió el coro principal a capella, Accentus.

Alondra de la Parra – La conductora mexicana y directora musical de la Orquesta Sinfónica de Queensland está al frente de una nueva generación de directores.

Ligia Amadio – ingeniera industrial y actual directora principal de la Orquesta Filarmónica de Bogotá (OFB)

Inma Shara – Ha dirigido las orquestas sinfónicas españolas más importantes y algunos de sus compromisos más recientes incluyen colaboraciones con algunas de las mejores orquestas del mundo como; la London Philharmonic Orchestra, Filarmónica de Israel además de otras como las Orquestas; Sinfónica Nacional Checa, Sinfónica Nacional Rusa, London Royal Philharmonic, Sinfónica de Roma, entre otras.

Barbara Hannigan – Cantante y director de orquesta. Hannigan ha colaborado extensamente con compositores como Boulez, Zorn, Dutilleux, Ligeti, Stockhausen, Sciarrino, Barry, Dusapin, Dean, Benjamin y Abrahamsen.

Beatrice Venezi – Director Invitado Principal de la Orquesta della Toscana, Director Principal de la Orquesta Milano Classica y de la Orquesta Nuova Scarlatti Young

Isabel Costes – Desde 2006 es directora musical y artística de la Orquesta Sinfónica del Atlántico. Estudió con el maestro Manuel Galduf en el Conservatorio Superior de Música de Valencia.

Isabel Rubio – Directora de Orquesta murciana, actualmente Directora Asociada de la Orquestra Vigo 430 y la Joven Orquesta Sinfónica de Granada. Fue Directora Asistente de la Orquesta de Valencia en la temporada 2018/19 y asistente de Lucas Macías en la Joven Orquesta Nacional de España (JONDE) 2021.

Además, actualmente puedes encontrar muchas escuelas de dirección orquestral. Hasta el año pasado, muchas sociedades musicales incluso ofrecían cursos orientados a las directoras de orquesta:

RPS Women Conductors es un programa para mujeres directoras dirigido por Alice Farnham y perteneciente a la Royal Philharmonic Society
Curso de dirección de la Royal Opera House
Young Women’s Conducting Workshop en la Universidad de Cambridge
Curso de Formación a las TECNICAS DE LA DIRECCIÓN DE ORQUESTA 8 al 17 de julio de 2021 Lyon (Francia) >5 al 11 de enero de 2021 Medellin (Colombia) – de Orchestre Symphonique Confluences
XII Curso de Dirección de Banda y Orquesta – Federación Tinerfeña de Bandas de Música

Referencias:

Women Conductors: Has the Train Left the Station? by Marietta Nien-hwa Cheng

El método de Kato Havas – eliminar la tensión y disfrutar de la música

Publicado el 13 mayo, 202111 diciembre, 2025 por Mila Emilova SivovaDeja un comentario

El «Nuevo Enfoque para tocar el violín»

Kató Havas, nacida en la pequeña ciudad de Keszdivasarhely (Rumanía) el 5 de noviembre de 1920, fue una niña prodigio del violín en Hungría. Introducida al instrumento a la edad de 5 años, dio su primer recital profesional cuando tenía 7. Su compatriota, Emil Telmanyi, quedó tan impresionado con su forma de tocar que hizo que fuera a Budapest a la edad de 8 años para estudiar con Imre Waldbauer en la Academia Franz Liszt.

A la edad de 18 años, Kató realizó una corta gira de conciertos por Estados Unidos y el 10 de octubre de 1939 debutó en el Carnegie Hall con gran éxito de crítica. Luego conoció y se casó con el autor William Woods, y no pudo regresar a Hungría durante más de treinta años debido a la guerra y la posterior ocupación rusa.

Con tres hijas pequeñas que cuidar, dejó de lado la actuación pública, y fue durante este período cuando lo que se convertiría en el «Nuevo Enfoque» estaba germinando en su mente. Buscó al violinista David Mendoza, quien entendió la verdadera función de la mano izquierda en relación con el brazo derecho, que era forjar el último eslabón de la cadena para su enfoque holístico de tocar cuerdas.

Una faceta de su enseñanza era que aceptaba a cualquiera como alumno, ya fuera un principiante o un concertista solista, y podía dar a cada uno lo que necesitaba. Ya sea en una situación individual o en un taller con 20 o 30 personas, su comunicación fue omnipresente y su carisma lo abarcó todo. Se dijo que en los primeros minutos después de haber entrado en la sala de un taller, pudo evaluar los problemas violinísticos de la mayoría de las personas allí.

Si bien el reconocimiento pudo haber sido inicialmente lento en su propio país, en poco tiempo fue invitada a dar conferencias extensas en todo el mundo donde sus ideas fueron aceptadas con entusiasmo en países como Australia, Nueva Zelanda, Canadá y muchos países europeos. Daba conferencias regularmente en los Estados Unidos, regresando anualmente a California y Nueva Inglaterra para talleres muy populares. En su estudio de Oxford en Inglaterra, donde tenía su sede, se acercó a ella y trabajó con jugadores de todo el mundo.

En 1985, los alumnos de Kató en todo el mundo se constituyeron en «La Asociación Kató Havas para el Nuevo Enfoque (KHANA)». En 1991 hizo un video de enseñanza en el que pudo demostrar los principios del Nuevo Enfoque en menos de una hora, ¡a la edad de 71 años, una de sus mejores actuaciones en solitario! En septiembre de 2002, cuando la rueda había cerrado el círculo, fue invitada a regresar a Hungría para dar una conferencia en un salón abarrotado de músicos y profesores de la Academia donde había estudiado de niña.

El método de Kató y su «Nuevo Enfoque»

Kato Havas explora los problemas inherentes al tocar y se enfatiza una sensación de bienestar, tanto en el equilibrio físico como en la actitud mental. Los violinistas experimentan la libertad que se hace posible a través del pulso rítmico activo y la sensación de no tener un violín o arco «sujetado». Dos movimientos o columpios del brazo derecho abarcan todos los «golpes de arco» y movimientos equilibrados y danzantes de la mano izquierda responsables de la calidad del tono, la entonación, el vibrato, liberan a los intérpretes de cuerdas de la ansiedad por los cambios, las paradas dobles y los cruces de cuerdas.

El Nuevo Enfoque no es un método en el sentido ordinario de la palabra. Es un sistema altamente organizado que previene y elimina tensiones y ansiedades. Destaca los aspectos físicos, mentales y sociales de la interpretación con especial referencia a tocar el violín (aunque el Los principios se aplican igualmente a otros instrumentos.) Unifica mente, cuerpo y espíritu, y coordina los equilibrios naturales del cuerpo en un todo poderoso y sin esfuerzo.

El uso de equilibrios naturales elimina el «agarre del violín» y el «agarre del arco», como tales, que a menudo son las principales causas de dolores de cabeza, dolores de espalda y tendinitis.

Un control interno estructurado con el uso de pulso rítmico; El uso del «oído interno» y del «ojo interno» asegura una transmisión fluida de energía. Estos, junto con la liberación de presión y contrapresión del instrumento, permiten el juego completo de las vibraciones simpáticas y aseguran un vibrato natural. Cantar e imitar, el poder de las palabras y el poder de la imaginación, juegan un papel importante en la realización del máximo potencial del violinista.

Puedes encontrar la entrevista concedida por Kató Havas para Charlotte Tomlinson en el siguiente enlace

Clases de violín para adultos principiantes

Publicado el 30 abril, 202111 diciembre, 2025 por Mila Emilova Sivova4 comentarios

Aprender a tocar un instrumento musical puede ser complicado y requiere años de práctica. Es por esto que se recomienda comenzar a edad temprana, pero no es obligatorio. Un adulto también puede aprender a tocar el violín. Los resultados dependerán sobre todo de su constancia y muchas horas de estudio.

Una de las ventajas de aprender a tocar un instrumento a edad adulta es que el estudiante suele estar más concienciado y el tiempo de estudio que dedique al violín será de calidad. Si eres violinista principiante y ansías poner en práctica tus dotes musicales cuanto antes, quizás te interesen las clases de violín particulares con un violinista experto.

Deberás encontrar profesores de violín profesionales que tengan experiencia con estudiantes adultos, pues el método de enseñanza puede ser más intensivo que el usual para niños.

Puedes consultar algunos de estos directorios de profesores de violín, o bien buscarlos por tu cuenta en tu ciudad:

Independientemente de tu nivel, puedes echar un vistazo a los siguientes consejos que te ayudarán a crear un hábito sano a la hora de tocar el violín:

Rutina

Una vez que hayas comprado un violín, necesitarás tener algún tipo de estructura para practicar. Esto a menudo se conoce como una «rutina de práctica». Puede ser tan difícil o flexible como quieras, pero algún tipo de guía puede ser útil. No pases meses practicando habilidades al azar, solo para descubrir que todavía no tienes idea de lo que estás haciendo.

Cada nivel tiene una estructura de aprendizaje, que consiste en:

Escalas y Arpegios
Ejercicios y Estudios
Repertorio

Una vez que hayas completado un nivel, puedes pasar al siguiente y añadir ejercicios más difíciles. Este es un buen sistema de estudio, porque te permite practicar todas las áreas de la interpretación del violín y hacer un progreso constante. Además, al aumentar gradualmente la dificultad de cada área, te asegurarás de aprender siempre nuevas habilidades con el violín.

Ya sea que elijas aprender con un profesor de violín o practicar por tu cuenta, necesitas tener una estructura en tu práctica para obtener los mejores resultados.

Práctica, práctica y más práctica

Ahora que tienes una rutina de práctica, ¡necesitas practicar! Cuando se trata de aprender a tocar el violín, lo más importante que puedes hacer es practicar. Obviamente, seguir tu rutina de práctica debe ser tu prioridad. Sin embargo, eso no significa que no puedas tocar algunas canciones u obras divertidas de vez en cuando.

Para ver resultados, algunos violinistas optan por utilizar técnicas de práctica específicas. Si bien esto no es necesario, puede ayudarte a mantenerte más concentrado durante una sesión de práctica.

Decide en qué trabajarás

Pon el temporizador en 25 minutos. Concéntrate solo en tu(s) tarea(s) durante esos 25 minutos. Cuando suene el temporizador, configúralo de nuevo durante cinco minutos y tómate un descanso.
Después de tu descanso de cinco minutos, configura el temporizador para otros 25 minutos y vuelve al trabajo. Puedes seguir así todo el tiempo que quieras y mantenerte increíblemente concentrado.

Para aquellos que tienen menos tiempo, pueden crear una versión más corta del sistema anterior. Concéntrate durante un cierto tiempo en cada parte de la interpretación que te gustaría practicar.
Por ejemplo:

5 minutos de escalas
3 minutos de arpegios
10 minutos de estudios
15 minutos de repertorio

Obten retroalimentación de un profesor de violín

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Clases de violín en línea

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La música en la pintura

Publicado el 23 abril, 202111 diciembre, 2025 por Mila Emilova SivovaDeja un comentario

La música y la pintura tienen una estrecha relación. Los factores ambientales como los colores, el brillo u oscuridad, el olor y los sonidos desencadenan diversas emociones y sentimientos dentro de nosotros. Como tal, las experiencias auditivas entran en el proceso creativo y afectan a las obras de arte. La evidencia sugiere que cuando un tipo particular de música y pintura tiene lugar en el mismo entorno, el resultado de la pintura será distinto.

Por otra parte, podemos establecer muchas conexiones directas entre pintores y compositores, no solo en los retratos de compositores, sino también en la representación de músicos, instrumentos y partituras, la visualización de lo invisible, la esencia misma de la música. Muchos pintores, especialmente los de la época romántica, consideraron la música como la más pura de las artes que, por su inmediatez, toca el espíritu y el alma. Durante su tiempo, la música en la pintura se expresó generalmente de manera figurada, mientras que más adelante en el siglo XIX y sobre todo a lo largo del siglo XX, la efusividad y abstracción de la música fue paralela al movimiento hacia la abstracción en la pintura.

Hoy hemos seleccionado algunas imágenes de pinturas que contienen instrumentos musicales, sobre todo de cuerda frotada. Todas estas pinturas nos muestran la música en distintos contextos y épocas, además de la transformación que han sufrido los instrumentos musicales con el paso del tiempo.

El sentido del oído – Jan Brueghel el Viejo y Peter Paul Rubens ,1617 – 1618

Perteneciente a la serie de pinturas «Los cinco sentidos», localizada en el Museo del Prado de Madrid. Aquí, para unos Euterpe (la musa de la música) y para otros Venus toca un laúd, mientras Cupido canta. Un ciervo que está cerca también alude a la audición, ya que el animal era un símbolo común del poder del oído en el siglo XVII. Algo curioso aquí es la presencia de relojes que producen un tic-tac, lo que simboliza que incluso el “tiempo no es silencioso”. El amplio plano de esta sala con la naturaleza de fondo da una impresión de amplificación del sonido, haciendo que la música viaje más allá de los confines de la sala.

Autorretrato con laúd – Artemisia Gentileschi ,1610

Representaciones de Santa Cecilia

Al hablar de música y pintura, es casi obligatorio mencionar a Santa Cecilia y sus numerosas apariciones en obras de arte, a menudo representada tocando algún instrumento musical.

Santa Cecilia, quién algunos comparan con «el Orfeo» de la mitología cristiana, es un personaje también conocido como patrona de los invidentes y los músicos. El relato más célebre de la vida de Santa Cecilia está contenido en los Hechos de su martirio, escritos en el siglo V. Probablemente solo los hechos principales de este documento se hayan recibido de fuentes auténticas. Estos Hechos se han transmitido en numerosos manuscritos y también se han traducido al griego.

Santa Cecilia – Artemisia Gentileschi

El éxtasis de Santa Cecilia – Raffaello Sanzio ,1516 –1517

Santa Cecilia – Pedro Díaz ,1770

Un ángel tocando el laúd – Melozzo da Forlì, 1480

Fragmento del Retablo de Isenheimer – Matthias Grünewald 1506–1515

Descanso en la huida a Egipto – Michelangelo Merisi da Caravaggio 1597

Naturaleza muerta con instrumentos musicales – Evaristo Baschenis , hacia 1660

Una mujer tocando el clavicordio – Gerrit Dou, hacia 1665

Violín y uvas – Pablo Picasso, 1912

Picasso decidió alejarse de los principios estándar y aburridos de representar varios objetos, dando así al espectador la oportunidad de ver el lienzo a su manera. El violín sobre el lienzo está dividido en muchas pequeñas partículas complejas que se invita al público a ensamblar en un solo objeto. A pesar de los detalles fragmentados, todos están realizados con cierto grado de detalle. No tenía el objetivo de retratar el violín exactamente, quería capturar la melodía que este instrumento musical podía crear. Este bodegón fue creado en la época del cubismo sintético, que se caracteriza por el uso de collages y aplicaciones.

¿Cuántos caprichos para violín conoces?

Publicado el 13 abril, 202111 diciembre, 2025 por Mila Emilova SivovaDeja un comentario

Un capricho musical es una obra (generalmente instrumental) que permite libertad interpretativa pero a la vez pretende mostrar un amplio abanico de técnicas. Su aparición tiene lugar ya durante el Barroco, aunque no es hasta el siglo XVIII, con la era del Romanticismo, cuando este tipo de obra musical adquiere más fuerza.

Las formas musicales que habían sido estandarizadas durante el clasicismo, pierden rigidez y adquieren nuevas cualidades expresivas llenas de dinamismo, virtuosismo y fuerza. La simetría de los fraseos musicales se transforman en un sonido rebelde y flexible, apasionado y ambicioso. En lugar de la melodía cantábile y alegre, predominan las composiciones sensibles que evocan las irregularidades de la propia naturaleza humana.

A juzgar por la definición de un capricho, podemos esperar que este tipo de obra musical muestre toda la brillantez del violín. En este contexto, no cabe duda en que los 24 caprichos de Paganini encajan a la perfección con la descripción. Hay quienes afirman que el mismísimo Paganini no podía tocar con facilidad sus propias partituras al escribirlas, por lo que debía ensayar bastante para poder interpretar sus obras.

Además, el propio término «capriccio» es italiano, por lo que resulta lógico que las obras de arte que lleven tal nombre pudieran provenir de Italia y más tarde se hicieran tendencia en otros lugares.

Pero, ¿cuántos caprichos más conoces? Algunos de los autores más reconocidos (como Rode, Sarasate…) también compusieron caprichos y algunos de ellos son interpretados a menudo en la actualidad, pero lo cierto es que existen muchos otros caprichos para violín que no llegaron a adquirir gran fama, probablemente por el hecho de que sus compositores nunca fueron tan reconocidos a nivel mundial.

Hemos seleccionado algunos caprichos para violín que quizás no conozcas, esperamos que los disfrutes:

Capricho n. 8 – Baile, de Peter Hristoskov

Peter Hristoskov, compositor búlgaro del s. XX, escribió más de 40 obras en el típico estilo de interpretación virtuoso para él, basado en el folclore búlgaro. La mayoría son para violín – piezas, conciertos, suites …, para violonchelo – conciertos y piezas, conciertos para piano, orquesta, sinfonía, álbum infantil para violín, etc. Sus obras forman parte del repertorio de todos los músicos búlgaros destacados y algunos de ellos están incluidos en el repertorio de artistas extranjeros.

12 Caprichos para violín, de Earl Kim

Earl Kim fue una importante compositora estadounidense del siglo XX cuyas sonoridades típicamente suaves, escasa instrumentación y sentido del misterio le dieron a su música, a menudo ecléctica, un carácter único. Escribió tanto en estilos tonales como atonales, a menudo mezclándolos, y tenía una especial afición por los textos ambientadores de Samuel Beckett, especialmente en obras más grandes, como su ópera Footfalls en un acto.

Andantino, op. 31 nr 1, Capriccio, op. 18 , de Cécile Chaminade

Andantino, op. 31 nr 1, Capriccio, op. 18 para violín y piano compuesto por Cécile Chaminade, una compositora prolífica con más de cuatrocientas piezas publicadas que abarcan una amplia gama de formas. Fue alumna de Camille Saint-Saëns.

Capricho n.6 de Pietro Rovelli

Pietro Rovelli nació en Bérgamo en una familia de músicos y fue autor de varios caprichos para violín, publicados en Viena.

Referencias:

LA DIALÉCTICA DEL CAPRICHO
El compositor, el capricho y el viaje sonoro: Una triple aproximación al Capriccio Nº 5 de Niccolò Paganini
Eréndira Damariz Hernández Espinoza

Sacar la música a la calle

Publicado el 29 marzo, 202110 mayo, 2021 por Mila Emilova Sivova1 Comentario

Casos en los que músicos virtuosos son encontrados en las calles por cazatalentos quizás no sean tan excepcionales. Hace años el uso de Internet no estaba tan generalizado, por lo que debías tener la mejor de las suertes para que la persona adecuada te viera tocar en el momento exacto y que eventualmente esto suponga que alguien más pudiera conocer tu talento. Hoy en día si un músico busca el éxito puede contactar y enviar sus grabaciones a cualquier parte del mundo y difícilmente quedaría desapercibido.

Pero lo que trataremos hoy concretamente serán los músicos callejeros, abordaremos los tópicos más frecuentes y veremos algunos casos bastante inspiradores.

¿Tocar en la calle es señal de pobreza o fracaso?

¿O más bien toda la calle es su escenario? A menudo olvidamos que en la calle también hay público. Este público es más pretencioso y difícil de impresionar, pues no ha pedido oir música, la oye sin querer y sigue caminando. De los caminantes, algunos desearán quedarse a escuchar pero continuarán con sus quehaceres, otros lanzarán una moneda al estuche del músico acelerando el paso y un porcentaje bastante menor se parará a escuchar. Lo cierto es que ya no basta con interpretar una obra, el músico callejero debe destacar y sorprender aún más.

Pero, ¿es la creatividad interpretativa algo que solamente se encuentra en las calles? Instrumentos como el violín no permiten demasiadas opciones interpretativas. Para que alguien sea considerado violinista profesional, generalmente deberá atenerse a las normas y contenidos establecidos por las escuelas clásicas o de jazz. Este hecho deja muy pocas alternativas a los artistas jóvenes que desean explorar nuevos horizontes con el violín. Aún así, muchos de ellos optan por sacar su música al exterior y presentar su toque más personal.

¿Tocar en la calle es algo vergonzoso?

Todo lo contrario, pues esto podría ser un estupendo ejercicio para superar el miedo escénico. Es habitual sentir algún tipo de reparo al principio, pero quizás te ayude a superar la ansiedad el pensar que estás alegrando el día a los transeuntes con tu música.

Normativa referente a los músicos callejeros

Otro dato curioso es que los artistas callejeros también deben pasar pruebas y adquirir licencias para poder tocar en la calle o en el metro. Ciudades como Barcelona, Berlín, Dublín, Roma, Nueva York, Motreal, Londres y París requieren licencias específicas a los músicos.

En Madrid los artistas callejeros que pretendan llevar a cabo actuaciones musicales en el distrito Centro, tienen que solicitar autorización individual. Estas autorizaciones serán personales e intransferibles y no podrán ser objeto de cesión o transmisión y deberán ser exhibidas durante las actuaciones. Las autorizaciones se otorgan por semestres naturales del 1 de enero al 30 de junio y del 1 de julio al 31 de diciembre, surtiendo efecto desde el inicio de cada uno de ellos hasta su finalización. Se establecen dos periodos de solicitudes para cada uno de los semestres y un periodo excepcional para los meses de julio y agosto.

En Barcelona hay dos tipos de permiso, uno para la calle y otro para las instalaciones de metro. En el primero, los músicos reciben los permisos mediante la petición y posterior sorteo de las plazas que existen para tocar en la zona de Ciutat Vella. Este sorteo es aleatorio y da el mayor número de oportunidades a los músicos para evitar favoritismos en cuanto a los mejores puntos de interpretación en la calle. En el segundo, los músicos realizan una prueba para verificar que realmente son músicos.

En Roma, los artistas han de registrarse por la Oficina del Departamento de Cultura para obtener un permiso de una duración máxima de cinco días consecutivos. También existen dos clases de ocupación: una a largo plazo durante varios años sin renovación, y otra anual que se renueva cada año.

En el Metro de Nueva York, los interesados han de enviar una solicitud con su actuación grabada. Las solicitudes son examinadas y, finalmente, los 60 artistas escogidos presentan su trabajo en 5 minutos ante un tribunal.

En el Metro de Londres, los músicos pasan unas audiciones para obtener la licencia con una solicitud previa para valorar sus actuaciones y garantizar la calidad de los mismos.

En el Metro de París se seleccionan a los músicos mediante un jurado que está compuesto por los propios empleados del metro y sólo se otorgan 350 permisos. Se evalúa la calidad musical, la presentación y la motivación del artista en audiciones cada seis meses. Para ello, es necesario haberse presentado a una de las dos audiciones anuales —primavera u otoño—, pasar el examen de admisión y pagar 16 euros por el expediente para tener una credencial que autoriza a amenizar a los viajeros.

Obra de arte callejera de la Asociación TRANSFORMATORI en Sofía, Bulgaria

Para finalizar, algunos ejemplos de artistas callejeros o «buskers» que asombran por su creatividad, no te los pierdas

Javier Meneses

Djinn Maury

Stefan Dymiter

Referencias:

Sede electrónica del Ayuntamiento de Madrid

Análisis de normativas para artistas callejeros: el caso de los buskers. – Alicia Martínez Gil

¿Cómo colocar los dedos en cada cuerda?

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Violín mariachi

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Elfrida Andrée (19 de febrero de 1841-11 de enero de 1929) fue una organista, compositora y directora sueca.

Francisca Edwiges Neves Gonzaga, más conocida como Chiquinha Gonzaga, 17 de octubre de 1847 – 28 de febrero de 1935) fue una compositora, pianista brasileña y la primera mujer directora en Brasil.

Caroline B. Nichols (1864-1939) fue una violinista, directora y fundadora de la Fadette Ladies Orchestra (conocida como Fadettes of Boston).

Elisabeth Johanna Lamina Kuyper (13 de septiembre de 1877 – 26 de febrero de 1953) fue una compositora y directora romántica holandesa.

Lina Coen (Caroline Marie Cohen; 21 de septiembre de 1878-13 de abril de 1952) fue una músico franco-estadounidense de ascendencia holandesa. Fue la primera mujer en los Estados Unidos en dirigir una ópera.

Juliette Nadia Boulanger 16 de septiembre de 1887 – 22 de octubre de 1979) fue una compositora, directora y profesora francesa.

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El «Nuevo Enfoque para tocar el violín»

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