Autor: Mila Emilova Sivova

Niccolo Paganini

Grandes violinistas – Niccolò Paganini

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Niccoló Paganini fue un violinista virtuoso, guitarrista y compositor, nacido el 27 de octubre de 1782 en Génova, Italia.
Niccolò nació en un hogar asolado por la pobreza con malas condiciones higiénicas y experimentó muchas dolencias infantiles. Su talento fue descubierto por su padre a una edad muy temprana.
A los cuatro años fue declarado muerto por un médico, pero milagrosamente sobrevivió. Su mala salud lo acompañaría durante toda su vida.
Antonio Paganini, el padre de Niccolò, ocupaba una posición humilde en el puerto de Génova. Era músico y tocaba la mandolina para sus compañeros de juego en las tabernas locales y, en ocasiones, tocaba en casa. Antonio enseñó a Niccoló a tocar la mandolina y el violín.
A los 8 años, y con la ayuda de su padre, Niccolò compuso su primera sonata. Progresó tan rápido que su padre no tardó mucho en ver la oportunidad de ganar dinero con su talento.
Niccolò tomaría lecciones de un violinista llamado Giovanni Servetto, de la orquesta del teatro local, pero en poco tiempo el joven Paganini superó las lecciones que estaba recibiendo de él, por lo que comenzó a estudiar con Giocoma Costa, el maestro en la Catedral de San Lorenzo.
En 1793, Niccolò Paganini, a los 11 años fue invitado por los cantantes Luigi Marchesi y Teresa Bertinotti, a actuar junto con ellos en un teatro en Génova. Ofrecieron una generosa tarifa y Antonio los convenció para hacer más conciertos con Niccolò.
El éxito de estos conciertos le trajo a Niccolò su primer mecenas, Marchese di Negro, quien se interesó mucho en Niccolò y su notable talento. Esto le llevó a viajar a Parma para conocer a Allassandro Rolla, quien tenía fama de ser el mejor violinista de toda Italia en ese momento.
En 1797, Niccolò Paganini tenía sólo quince años cuando partió con su padre para ofrecer exitosos conciertos en Parma, Milán, Bolonia, Florencia y Pisa.
A pesar de su éxito, Niccolò soñaba con liberarse de la tiranía de su padre. Se dio cuenta en ese momento que su única salida estaba en su violín y practicó “febrilmente” y sin parar hasta que ya no podía tocar y caía en su cama rendido.

En 1897 se sintió preparado para emprender su propio viaje. Fue entonces cuando Niccolò Paganini comenzó a viajar con su hermano, Luigi, varios años mayor que él. El estrellato de Niccolò Paganini llegó muy temprano en su vida y su fama lo siguió dondequiera que fuera. Comenzó en Italia y luego se convirtió en una sensación mundial. Adquirió verdadera fama y fortuna y alrededor del año 1813 el nombre «Paganini» se convirtió en un apellido popular y la gente quería saber cuándo podían verlo actuar. Cautivaba y paralizaba al público cada vez que actuaba, algunas personas juraban haber visto al mismísimo diablo, y por sus tiernos pasajes hacía llorar a sus oyentes. Se le considera el violinista y compositor virtuoso más grande del mundo que jamás haya existido.
A la edad de 13 años Paganini ya era un músico muy conocido en su ciudad natal de Génova. Había superado todas las capacidades de sus profesores allí y tuvo que ampliar aún más sus conocimientos viajando a Parma y conociendo a Alessandro Rolla, de quien se decía que era el mejor violinista y profesor de la época. Después de pasar dos años en Parma siendo enseñado y guiado por Rollo y otros dos profesores expertos, Niccolò aprendió el arte de la composición y el contrapunto. Después de sus estudios y sus nuevas composiciones, actuó en Parma y Colorno y comenzó su fama con sólo 15 años.
La primera gira oficial de Niccolò Paganini comenzó en Italia en 1797 con conciertos en Milán, Bolonia, Florencia, Pisa y Livorno. Cautivó al público con su música fascinante y su extraordinario talento. 
En 1801 Niccolò partió hacia Lucca con su hermano Luigi y actuó en el Festival de Santa Croce. Tuvo un éxito instantáneo allí y se instaló en Lucca. Fue nombrado primer violín de la República de Lucca.
En 1805, Niccolò también fue nombrado segundo violinista de la corte y tutor de violín del marido de la hermana de Napoleón, la princesa de Lucca. Mientras trabajaba para la Princesa de Lucca, recibió su primera gran oportunidad cuando dio un recital en el Teatro alla Scala de Milán en octubre de 1813. Realizó más de cien conciertos en toda Italia y en ese momento se ganó la atención de los músicos. Así comenzó su fama como el violinista más destacado de Europa.
En 1828, Niccolò inició su primera gira europea que comenzó en Viena y por las principales ciudades de Alemania. Se instaló en Estrasburgo hasta 1831. Su éxito allí condujo a la «formación de un culto» donde todo era «a la Paganini».
En 1832, Niccolò Paganini realizó una gira por Gran Bretaña, Inglaterra y Escocia ganando enormes cantidades de dinero. Se instaló en París durante un año y comenzó a sufrir diversas dolencias. Su estrellato le trajo una gran fortuna, pero en ocasiones fue mal utilizada debido a su estilo de vida poco refinado y no tradicional. Niccolò regresó a su ciudad natal Génova en 1836 para publicar sus composiciones y tuvo conciertos realmente exitosos; el público acudió en masa para verlo actuar.

Niccolò Paganini partió hacia París en 1838 y debido al deterioro de su salud en sus últimos años, intentó fundar un casino propio que no tuvo éxito. Tras esto se mudó a Marsella, y más tarde a Niza, Francia donde falleció.

Logros y reconocimientos

En 1813, Niccolò Paganini realizó “La danza de las brujas” en Turín, de la que se dice que fue una de las “exhibiciones de pirotecnia con violín más impresionantes jamás presentadas” y el éxito de la misma lo llevó a la fama internacional.

En 1827, el Papa León XII confirió a Niccolò Paganini la Orden de la Espuela de Oro.
En 1828, mientras estaba en Viena, Niccolò Paganini recibió el título honorífico de Virtuoso de Cámara por parte del Emperador y recibió la medalla de San Salvador.
Niccolò Paganini es mejor recordado por sus “24 Caprichos para violín solo Op 1”, que escribió en tres grupos. (entre los años 1802 y 1817) Encargada por la ciudad de Génova, la obra se publicó por primera vez en 1982 con motivo de su bicentenario.
En la ciudad de Génova se han marcado 11 sitios que cuentan la historia de Paganini con una placa conmemorativa describiendo la importancia del lugar. 

Curiosidades:

Paganini fue uno de los primeros músicos en actuar sin partituras. Cuando estaba de gira a principios del siglo XIX, todavía era común que los intérpretes llevaran sus partituras consigo en el escenario. Paganini rechazó este enfoque.

Paganini, aficionado a los juegos de azar, perdió su violín Amati en una apuesta. Luego un violinista aficionado le prestó un Guarnieri. Desde entonces Paganini sólo tocaría un Guarnieri, al que llamó «Cannon», que se exhibe ahora en el Museo Palazzo Tursi, en su ciudad natal de Génova, Italia.

Paganini también apoyó a los artistas que no lograron su éxito financiero. Se supo que actuó para instituciones caritativas y en conciertos para apoyar a artistas indigentes hacia el final de su carrera.

Existen rumores de que Paganini pudo haber tenido uno o dos trastornos genéticos. El primero es el síndrome de Marfan, un trastorno que afecta el tejido conectivo del cuerpo y que a menudo se manifiesta a través de extremidades y dedos extremadamente largos. También se especula que Paganini tenía otro trastorno genético llamado Ehlers-Danlos, que se manifiesta como hipermovilidad de las articulaciones. Paganini desarrolló técnicas que nadie más podía realizar y su forma de tocar era extraordinaria. No es de extrañar que comenzaran los rumores que explicarían sus incomparables habilidades.

Debido a su inexplicable destreza y talento, y a su apariencia alta, delgada y demacrada, le dieron el sobrenombre de «Der Hexensohn» o «El hijo de la bruja». También fue llamado el «hijo del Diablo». Estos apodos a menudo se tomaban literalmente. Tanto es así que cuando murió, la iglesia se negó a enterrarlo en tierra sagrada. 

Obras de Paganini para violín solo:

  • 24 Capricci Op.1 M.S. 25 (c. 1805)
  • Sonata a Violín solo M.S. 83 Sin indicación de tempo
  • Adagio non tanto
  • Polonesa con variaciones (I-VII)
  • Caprice d´adieux M.S. 68 (¿1831?)
  • Introducción y variaciones sobre “Nel cor piu non mi sento”, de la ópera La molinara, de Paisiello M.S. 44 (¿1820?)
  • Capriccio ad Lib. –Tema (Variaciones I-VII)
  • God save the king per violino solo M.S. 56
  • Tema Andante sostenuto (Variaciones I-IV)
  • Inno patriotico, tema y seis variaciones M.S. 81
  • Tema Allegro (Variaciones I-VI)
  • Sonata a violin solo M.S. 6
  • Adagio
  • Allegro molto
  • Tema Variato per violino M.S. 82
  • Tema (Variaciones I-VII)

Paganini también compuso numerosas obras para violín y orquesta, música de cámara y también obras para violín y guitarra.

Grandes violinistas – Giovanni Battista Somis

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Giovanni Battista Somis fue un eminente violinista, profesor y compositor italiano, nacido el 25 de diciembre de 1686 en Turín, (Ducado de Saboya). Su hermano era Lorenzo Giovanni Somis. Muy elogiado por su interpretación expresiva y un influyente defensor del violín, Giovanni Battista Somis obviamente también fue un compositor consumado con una voz distintiva. Compuso principalmente obras para violín.

Estudió violín con su padre, Francesco Lorenzo Somis (1663-1736), violinista de la orquesta ducal de Turín.
Hacia 1696 se unió a su padre en la orquesta ducal y luego estudió con Arcangelo Corelli en Roma (1703-06) bajo el patrocinio del duque de Saboya. De todos los alumnos de Corelli, Somis es el que más rápidamente salió de la sombra de su maestro para producir música de genuina individualidad y encanto.

Al regresar a Turín en 1707, se desempeñó como violinista solista y director de la capilla ducal hasta su muerte. Obtuvo un brillante éxito como solista en el Concert Spirituel de París (2 de abril y 14 de mayo de 1733).

Somis además fue mentor de otros violinistas célebres como Pugnani, J.M. Leclair, Guignon y Guillemain. También fue un distinguido compositor de música de cámara, siendo sus sonatas solistas de particular interés histórico. Lamentablemente, tan solo una parte de sus obras han sido conservadas en la actualidad:


Opus 1 – 12 sonatas para violín y bajo continuo.
Opus 2 – 12 sonatas para violín y bajo continuo.
Opus 3 – 12 sonatas para violín y bajo continuo.
Opus 4 – 12 sonatas para violín y bajo continuo.
Opus 5 – 6 sonatas a trío para dos violines y bajo continuo.
Opus 6 – 12 sonatas para violín y bajo continuo.
Opus 7 – Ideali trattimenti da camera para dos violines, dos flautas o violas.
Opus 8 – 6 sonatas a trío.

Grandes violinistas – Corelli

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Arcangelo Corelli fue un violinista talentoso, compositor, un influyente profesor de violín y director musical. Nació el 17 de febrero de 1653 en Fusignano, Italia. Aunque pocas en número, sus obras se publicaron ampliamente durante su vida, extendiendo su fama e influencia por toda Europa. 

Trayectoria musical

No hay detalles documentados sobre sus primeros años de estudio. Se cree que su primer maestro fue el vicario de San Savino, un pueblo en las afueras de Fusignano. Posteriormente pasó a Faenza y Lugo, donde recibió sus primeros elementos de teoría musical. Entre 1666 y 1667 estudió con Giovanni Benvenuti, violinista de la capilla de San Petronio de Bolonia. Benvenuti le enseñó los primeros principios del violín y más tarde otro violinista, Leonardo Brugnoli, amplió su educación. En 1670 Corelli fue admitido en la Academia Filarmónica de Bolonia.

A mediados de la década de 1670 Corelli se había establecido en Roma. Sus actividades en el ámbito de la música religiosa incluyeron la participación en las celebraciones de San Luigi dei Francesi, las devociones de Cuaresma en San Giovanni dei Fiorentini y posteriormente en San Marcello.
Aproximadamente desde 1679 trabajó como músico de cámara de Cristina, la ex reina de Suecia, y más tarde fue nombrado maestro di música del cardenal Benedetto Pamphili. Como director, era conocido por ser el primero en insistir en que sus intérpretes de cuerda utilizaran los mismos arcos al tocar juntos.
En 1687 se instaló en el Palazzo del cardenal, organizando regularmente «academias» dominicales: actuaciones de música de cámara para grupos selectos de invitados aristocráticos. Cuando los deberes de Pamphili le exigieron trasladarse a Bolonia, Corelli decidió quedarse en Roma. Se mudó al Palacio del cardenal Pietro Ottoboni, desempeñando funciones similares para su nuevo empleador y también dirigiendo representaciones de ópera.
En 1702 Corelli viajó a Nápoles, donde probablemente tocó en presencia del rey e interpretó una composición del compositor italiano Alessandro Scarlatti. No existe documentación exacta acerca de este evento; sin embargo, se sabe que conoció a George Frideric Handel, quien estuvo en Roma entre 1707 y 1708. En 1706, junto con el compositor italiano Bernardo Pasquini y Scarlatti, fue recibido en la Academia Arcadia y dirigió un concierto para la ocasión.

Obras

Las composiciones de Corelli alentaron una nueva ola de influencia italiana en toda Europa. Sus esfuerzos por combinar los estilos de la música eclesiástica y de cámara son más evidentes en sus cuatro conjuntos de sonatas publicadas en 1681, 1685, 1689 y 1694. Su Sonate a Violino e Violone o Cimbalo, op.5 (1700) también se basa en ambos géneros, su título sugiere el uso de acompañamiento de violone o teclado. Existen numerosas ediciones de las sonatas op.5. Algunas publicaciones incluyen adornos recomendados para los movimientos lentos.

Después de su muerte, la fama de Corelli se extendió aún más gracias a la publicación póstuma en 1714 de su conjunto de 12 Concerti grossi op.6. Se trata de versiones revisadas de obras que se representaron por primera vez en Roma a principios de la década de 1680. Se difundió ampliamente en el norte de Europa y mantuvo su popularidad durante casi un siglo, especialmente en Inglaterra. La amplia difusión de sus obras es casi totalmente responsable de la reputación de Corelli.

A pesar de su fama como violinista, Corelli nunca realizó giras y casi todas sus aclamadas actuaciones tuvieron lugar en Roma. Un canal importante para su influencia posterior fue su enseñanza.

Entre sus muchos alumnos de violín se encontraban Francesco Geminiani y Giovanni Battista Somis, quienes se convirtieron en respetados compositores. Su estilo musical fue imitado por muchos y su influencia fue reconocida, entre otros, por Tartini, Couperin, Handel y Telemann. Aunque fue ante todo violinista, Corelli se destacó en composición y en cualquier otra actividad musical a la que se dedicó.

Grandes violinistas – Carlo Farina

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Carlo Farina fue un violinista y compositor italiano, nacido en 1604 en Mantua, Lombardía, Italia. Su educación musical se desconoce. Sin embargo, es posible que su padre le hubiera enseñado sus primeras lecciones de música, en el caso de que su padre fuera Luigi Farina de Casalmaggiore, un notable violista de Mantua.

Obras

La música para violín de Farina tuvo una gran influencia en muchos compositores alemanes, en particular en David Cramer, Johan Vierdanck y Johan Schop. Las obras de Farina consisten exclusivamente en música para violín. Estas fueron publicadas en su mayoría durante su estancia en Dresde, Alemania. Las publicaciones incluyen cinco volúmenes impresos, en generalmente piezas de danza, sonatas, canciones y sinfonías. Las piezas de danza reflejan la música de consorte originaria del norte y centro de Alemania a principios del siglo XVII, mientras que sus sonatas, en particular los libros primero, cuarto y quinto, reflejan claramente su herencia italiana. Algunas de sus sonatas son «La Capriole», «La Cingara» o «La Polaca». Sus sonatas para violín le valieron su reputación como virtuoso del violín. Su obra maestra más conocida fue el «Capriccio Stravagante», donde mostró su brillantez y elegancia. Farina trabajó la mayor parte de su vida en Dresde.

Trayectoria violinística

En 1625, fue nombrado concertino de la corte de Sajonia por Johan George I, donde trabajó con Heinrich Schutz.

De 1625 a 1628, desempeñó un papel central en las principales actividades de la corte sajona, incluidas las celebraciones de la boda de la hija de Johan George I en 1627.
En 1628, su trabajo fue interrumpido en la corte de Dresde y fue reemplazado por un violinista de Mantua. Luego regresó a Italia. Allí ocupó varios puestos como violinista hasta 1638, cuando regresó al norte de Europa.
En 1636-1637 fue violinista de la orquesta municipal de Danzig.
En 1638 trabajó para la emperatriz Leonora I de Viena, cargo que ocupó hasta su muerte en julio de 1639.

Legado

Carlo Farina es considerado uno de los primeros virtuosos del violín e hizo muchas contribuciones a la técnica violinística. Por ejemplo, en su obra Capriccio Stravagante (1627) utilizó el violín para imitar sonidos de animales como el ladrido de perros o la pelea de gatos. Según el libro «Orquestación», de Cecil Forsyth, «generalmente se atribuye a Carlo Farina la invención de las dobles cuerdas«.

Sordinas para violín y viola

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Una sordina es un accesorio que sirve para atenuar el volumen de sonido de algunos instrumentos musicales, así como para lograr un timbre específico, buscado a veces por los propios compositores. Las sordinas para violín y viola se colocan sobre el puente del instrumento, de esta forma se reduce la vibración en las cuerdas y en la caja de resonancia.

Tipos de sordinas para violín y viola

Podríamos clasificar las sordinas para violín y viola en tres grupos, las sordinas ligeras, las de peso intermedio y las sordinas de hotel. La elección del tipo de sordina más adecuado puede variar en función del efecto que estés buscando:

Sordinas ligeras

Sordina goma
  • Suelen estar fabricadas de algún material ligero como la goma o el plástico
  • Son de menor tamaño y pueden seguir sujetas a las cuerdas cuando no estén en uso
  • Generalmente suelen ser la opción más económica
  • Son cómodas para tocar en orquestas

Sordinas de peso intermedio

Sordina madera
  • Suelen estar hechas de madera de ébano
  • Tienen forma de peine
  • Es la opción que aporta mejor efecto de sonido

Sordinas de hotel

Sordina de hotel
Sordina hotel
  • Son las más pesadas, están hechas de metal, generalmente de plomo
  • Disminuyen el volumen del sonido hasta en un 80%, son las más adecuadas si lo que buscas es no incordiar a los vecinos
Sordina joya
Sordina joya

Actualmente también se pueden encontrar las sordinas de joya, que además de atenuar el sonido aportan una apariencia estilizada. Pueden estar hechas de distintos materiales.

Sordina casera:

Si estás en un apuro y necesitas una sordina urgentemente, puedes usar una pinza para tender la ropa como último recurso, pero ojo, ésta debe ser de madera. Colócala sujetando el puente como aparece en la imagen y podrás lograr un efecto improvisado de sordina.

Para finalizar te dejamos con algunas obras para violín con recomendaciones de los autores a interpretar con sordina, esperamos que las disfrutes:

Sicilienne, de Maria Theresia von Paradis

Sonata nº2, Malinconia, de Eugene Ysaye

Dobles cuerdas y acordes

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Tocar dobles cuerdas con el violín, así como acordes de tres y cuatro notas es una de las técnicas de dificultad media y avanzada en los instrumentos de cuerda frotada. Se trata de hacer sonar dos o tres de las cuerdas a la vez, bien sean al aire o manteniendo los dedos sobre ellas. 

En este tipo de técnica ambas manos tienen funciones muy concretas; para tocar acordes la mano derecha debe tener agarre desde el talón, mantener el arco perpendicular a las cuerdas y no demasiado cercano al puente. La mano izquierda en cambio debe cuidar la entonación y los cambios de posición bruscos.

Para tener una idea más clara, veamos en profundidad la posición que debe tener cada mano en las dobles cuerdas:

Mano derecha

La mano derecha debe lograr un sonido amplio y uniforme en dos o tres cuerdas a la vez. Para ello, hay que aplicar algo de fuerza desde los dedos y el peso del brazo sobre el violín, pero ojo, esto no quiere decir que haya mayor presión en la mano derecha ni en el hombro derecho. Todo el brazo debe estar relajado y sin tensión. Además, te resultará mas sencillo tocar dobles cuerdas si mantienes todas las cerdas del arco sobre las cuerdas, evitando girar la vara hacia dentro o hacia fuera.

Una buena forma de practicar el sonido de la mano derecha es tocar dobles cuerdas al aire.

Mano izquierda

La mano izquierda es la encargada de la entonación de las dobles cuerdas. Si eres principiante, probablemente estés empezando las dobles cuerdas tocando una cuerda al aire y pisando la otra. Esta es una buena forma de aprender a controlar la entonación. 

Si ya estás tocando cuerdas dobles avanzadas, habrás notado que no hay un gran misterio en la colocación de los dedos de la mano izquierda. Lo que se necesita es mucha práctica. Aún así, existen ejercicios que te ayudarán a estirar los dedos y mejorar la coordinación entre ellos. 

Ejercicios para practicar dobles cuerdas

Escalas de intervalos de terceras

Como parte del calentamiento diario, es aconsejable practicar escalas ascendentes y descendentes de acordes de terceras. Estos ejercicios ayudarán a que la mano izquierda se familiarice con las posiciones de los dedos. Para comenzar, puedes practicar las dos notas por separado muy lentamente y después el acorde, procurando que los dos dedos de la mano izquierda se deslicen sobre las cuerdas a la vez. Es conveniente practicar cuidadosamente la entonación en las escalas de terceras, así como los cambios de posición de la mano izquierda. Los dedos que se usan para tocar terceras suelen ser 1º y 3º (índice y anular) o bien 2º y 4º (corazón y meñique).  

 

Escalas de sextas

Para tocar escalas de dobles cuerdas de intervalos de sextas deberás usar parejas de dedos contiguos de la mano izquierda; es decir, según los tonos que estés tocando usarás 1er y 2º dedo (índice y corazón), 2º y 3º (corazón y anular) ó 3º y 4º (anular y meñique). Al igual que con los intervalos de terceras, es conveniente estudiar los acordes por separado y practicar la entonación. Dependiendo de la escala o tonalidad en la que estés tocando, deberás prestar atención a la posición de los dedos en los semitonos.

 

Escalas de octavas

Las escalas de octavas son también parte del calentamiento recomendable para todo violinista. La manera usual de tocar octavas con el violín es usando los dedos 1º y 4º de la mano izquierda, pero también existen las octavas digitadas, para las cuales debes usar la misma digitación que en los acordes de terceras; es decir, los dedos 1º y 3º ó 2º y 4º de la mano izquierda. 

La digitación de las escalas digitadas es más cómoda para aquellos obras con pasajes de octavas que requieren gran velocidad, ya que la combinación de dedos ayuda a que la mano izquierda pueda desplazarse más fácilmente. La forma correcta de practicar las octavas nuevamente es descomponiendo cada acorde, lento y sin vibrato, cuidando la entonación y prestando atención a los cambios de posición.  

Escalas de décimas

Los acordes de décimas forman parte de las técnicas más avanzadas del violín. Si tus manos son grandes, quizás no te causen gran esfuerzo, pero generalmente este tipo de acordes requieren mucha práctica. Los dedos que se usan para tocar décimas son 1º y 4º, pero éstos deben colocarse muy separados para alcanzar los tonos correctos. Es aconsejable practicar las décimas con cuidado y parar si sientes demasiado dolor en la mano izquierda. Realiza algunos ejercicios de estiramiento y relajación de la mano antes y después de practicar décimas.

 

Estudios de acordes y dobles cuerdas

Dependiendo del tipo de técnica que desees practicar, puedes encontrar estudios y obras que te servirán de ayuda. En el caso de las dobles cuerdas, puedes elegir entre varios tipos de técnicas, como por ejemplo:

Acordes de tres tonos que se tocan en el talón, sin descomponer

Esta técnica requiere que apliques algo de fuerza en el arco con el dedo índice de la mano derecha. Procura tocar cerca del talón y usando todas las cerdas del arco para lograr mayor sonido.

Acordes descompuestos

Este tipo de acordes suele aparecer en la música de estilo barroco, en cadencias o como final de una obra. En estos casos se requiere además de una excelente entonación, un sonido de calidad y cambios de arco y de posición suaves. El vibrato en estos caso suele ser moderado.

Dobles cuerdas en spiccato

Las dobles cuerdas también pueden aparecer en pasajes de mayor velocidad y con golpes de arco como spiccato o staccato.

Dobles cuerdas en legato sin levantar el dedo

Este tipo de dobles cuerdas tiene efecto de trino y ofrece la ventaja de que uno de los dedos de la mano izquierda, generalmente el índice, permanece fijo en una de las cuerdas, mientras que los otros dedos pisan y se levantan de la cuerda.

Estas son solo algunas de las técnicas de violín en las que aparecen las dobles cuerdas, si conoces más técnicas o estilos de dobles cuerdas y deseas compartirlos, no dudes en dejar tu comentario.

El violinofón o violín Stroh

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Hoy queremos hablarte de un instrumento musical que es mitad violín, mitad trompeta, ¿lo habías visto alguna vez? Se trata del violinofón, también llamado violín Stroh o Strohviol.

 

El violín Stroh fue desarrollado en los albores de la era de la grabación por Augustus Stroh (1828-1914). Nacido en Frankfurt, Alemania y establecido en Londres en 1851, Stroh era un ingeniero eléctrico especializado en acústica y telégrafo. Este instrumento de aspecto extraño, que Stroh desarrolló entre 1899 y 1901, fue diseñado específicamente para que el fonógrafo, la tecnología de grabación de la época, pudiera captar el sonido del violín. En un principio, Stroh siguió las instrucciones enviadas por Edison para recrear su fonógrafo, un dispositivo de grabación. Stroh presentó y demostró su violinofón a la Royal Society y se decía que lo había mejorado.

Las primeras grabaciones de sonido fueron posibles gracias al fonógrafo, inventado por Edison. Se pueden grabar voces y música e incluso conjuntos musicales completos. Algunos instrumentos eran más fáciles de grabar que otros. Los instrumentos de viento podían apuntar donde debía estar el sonido, pero los violines eran difíciles de grabar porque el sonido se alejaba del instrumento en todas las direcciones. No podían competir fácilmente con otros instrumentos. El Strohviol hizo posible el sonido direccional. En 1899 y en 1901, Stroh obtuvo patentes que describían el Strohviolin y así comenzó una producción sistemática de Strohviolines.

El violín de Stroh no tiene un cuerpo de madera tradicional. En cambio, el instrumento tiene una membrana de metal redonda y flexible como resonador y una gran bocina de aluminio para proyectar el sonido directamente en la bocina de grabación del fonógrafo. El segundo cuerno, más pequeño, permite al músico escuchar mejor su propia interpretación. Aunque está hecho principalmente de metal, el tono del instrumento sorprendentemente no es metálico, pero es estridente.

Imagina un violín y ahora quítale el trozo de madera que forma el cuerpo. Eso te deja esencialmente con el mástil, el diapasón, el clavijero y las cuerdas. Y aún necesita un puente y algún tipo de apoyo para los hombros.

Donde estaba el cuerpo ahora hay un trozo de madera largo, grueso y redondo. Adjunto a él está el puente que está conectado a un disco de aluminio redondo y hueco que alberga un diafragma. Cuando las cuerdas se tocan con un arco, el movimiento hace que el puente vibre. Esto se transmite a través de un tallo delgado al diafragma. Al final de esto hay una gran bocina cónica de aluminio, que es de donde sale el sonido. El sonido es bastante diferente al de un violín tradicional. Emite un sonido bastante fuerte, con un sonido más parecido a tocar una lata vacía.

Estos instrumentos se adoptaron rápidamente en los estudios de grabación y se desarrolló toda una familia de violines, al igual que mandolinas, guitarras y banjos. Los instrumentos quedaron obsoletos en la segunda mitad de la década de 1920 con la adopción de la grabación con micrófonos eléctricos, pero siguen siendo populares entre los músicos de jazz y folk en la actualidad.

Al violinofón también se le conoce con el nombre de Phonofiddle o Howson, en honor al minorista de música que había encargado la fabricación de esos instrumentos.

Otros instrumentos basados en Stroh:

Hay muchos otros fabricantes que utilizan el sistema Stroh. Pero los Strohviols reales vinieron en varias permutaciones diferentes. Estaba el Strohviol de una sola cuerda, sostenido entre las rodillas como un violonchelo con una sola cuerda y una mano deslizante que buscaba diferentes posiciones para hacer una melodía. Estos vinieron en una versión simple con un diapasón recto y una versión de concierto con un diapasón curvo. Y luego estaba el violonchelo Stroh, mucho más grande y con cuatro cuerdas adecuadas y una trompeta más grande. El contrabajo es enorme y se ve impresionante. Había guitarras Stroh, mandolinas y ukeleles.

Actualmente, este ingenioso instrumento sigue siendo muy conocido en algunas regiones de Europa y los Balcanes. En Transilvania, en la zona de Bihor, en la frontera de Rumanía con Hungría, el violinofón ya se ha convertido en parte esencial de la música folklórica tradicional.

 

Solos de concertino

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A menudo, las sinfonías u obras escritas para orquesta suelen tener partes de solo que son interpretadas por el representante de cada sección o instrumento. Los solos para violín son comúnmente interpretados por el/la concertino, por eso los llaman «solos de concertino«.

¿Quién es el concertino?

El primer violinista de una orquesta, conocido como concertino, es un líder musical con responsabilidades muy diversas, desde afinar la orquesta hasta trabajar en estrecha colaboración con el director. El concertino suele acceder al escenario cuando la orquesta ya está sentada, supervisa entonces la afinación y toma asiento a la izquierda del director de orquesta, si observas desde el público.

¿Qué hace un concertino?

Simultáneamente, es el violinista más hábil y conocedor de la orquesta y, al mismo tiempo, el principal intermediario entre los músicos y el director; el concertino es responsable de dictar las digitaciones y arcos a la sección de primeros violines, tocar los solos de concertino, comprender las ideas del director y comunicarlas en términos técnicos al resto de la orquesta, dirigir la orquesta en la afinación y ayudar con aspectos de la gestión de la orquesta. Además de ser un excelente intérprete con un profundo conocimiento del repertorio de la orquesta y poseer habilidades como solista, los concertinos también deben cultivar excelentes habilidades de liderazgo, enseñanza y comunicación.

Además de sus deberes habituales, un concertino puede ayudar en el proceso de audición y contratación de los principales intérpretes, resolver problemas (artísticos, técnicos o personales) entre los miembros de la orquesta, o incluso trabajar en estrecha colaboración con el director musical de la orquesta, que interviene en todas las decisiones artísticas. Mientras actúan, los músicos de cuerdas generalmente observan al concertino casi tan de cerca como al director.

Ahora que tenemos un concepto más claro de las labores que debe cumplir un concertino, veamos algunos de los solos de concertino más hermosos escritos como parte de obras orquestales:

Scheherazade, de Rimsky-Korsakov

También deletreado Sheherazade, suite orquestal del compositor ruso Nicolay Rimsky-Korsakov que se inspiró en la colección de cuentos en gran parte de Oriente Medio e India conocida como Las mil y una noches (o Las noches árabes). En la obra se representa a Scherezade con un solo de violín recurrente y un tema profundo y pesado que corresponde al sultán. La composición se completó en 1888, y se estrenó el 3 de noviembre de ese año, en San Petersburgo, bajo la dirección del propio compositor.

La vida de un héroe, de Richard Strauss

En esta obra, el solo de violín se encuentra codificado en la parte en la que el autor que hace referencia al “El compañero del héroe”, que no es otro que su esposa Pauline de Ahna, representada por una larga cadencia para el concertino. Strauss ofrece una representación musical realista pero tierna de su amada. La parte del solo de violín imita exquisitamente esta variedad de estados de ánimo, que van desde «hipócritamente lánguido, alegre, frívolo, sentimental, animado, agudo, juguetón, amable, enojado y persistente». Finalmente, la música se convierte apasionadamente en una «escena de amor».

Opera Thais (La meditación de Thais) de Jules Massenet

Podemos encontrar este famoso solo de violín en el segundo acto. «La Meditación» es una melodía magníficamente hermosa elaborada con extrema delicadeza. No es de extrañar que haya encontrado un lugar en el repertorio independiente de la ópera y, aunque originalmente para violín solista y orquesta, ha sido arreglado para casi todos los instrumentos imaginables.

Ballet El lago de los cisnes de Tchaikowski

El cuarto movimiento de esta obra representa la danza del cisne. Una caprichosa cadencia de arpa canta mientras un solo de violín se prepara para una canción de cuna a dúo con el arpa. El movimiento lento y la dinámica tranquila se suman al lado emocional del dúo. Los instrumentos crecen y retroceden juntos, creando un diálogo especial entre ellos. El tempo aumenta en un estilo de vals y el concertino es acompañado por pizzicatos.

Sinfonía n. 1 , II movimiento de Brahms

Shostakovich – Symphony No. 5, 2nd Movement

Daphnis et Chloé, de Ravel

Danzas sinfónicas, de Rachmaninoff

Sinfonía n. 9 «Del nuevo mundo» de Dvorak, II movimiento.

Sinfonía n. 4 de Mahler, II movimiento.

Aprender a tocar la viola

Publicado el por Mila Emilova Sivova

¿Qué es una viola?

El término viola se atribuye a numerosos instrumentos musicales de cuerda frotada antiguos a lo largo de la historia, que tuvieron gran auge durante el período Barroco musical. Por ejemplo, está la viola da gamba, la viola da braccio o la viola d’amore, entre muchas otras.

Con la aparición del violín en el s. XVI (que, como su nombre indica, es una viola de menor tamaño) había que hacer una nueva clasificación de los instrumentos de cuerda frotada más populares, de modo que representaran a las voces humanas en una orquesta, tanto agudas como graves. Así el violín, al ser el más pequeño, equivaldría a la voz soprano, la viola moderna equivale a la voz contralto, el violoncello a la voz tenor y el contrabajo al barítono.

Diferencias entre violín y viola

Tamaño
El violín es un poco más pequeño que la viola. Un violín típico de tamaño completo mide unos 36 cm (14 pulgadas), mientras que una viola de tamaño completo mide unos 40 cm (unas 16 pulgadas). Aunque este tamaño puede variar, no es inferior a 38 cm. Por lo tanto, sigue siendo más grande que el violín. Además, el cuerpo de la viola es más ancho y profundo. El tamaño hace una gran diferencia en el tono del sonido. Por lo tanto, para que la viola pueda tocar las frecuencias más bajas, necesita este tamaño adicional.

Arco
El violín y la viola utilizan arcos diferentes. El arco de violín es más largo y delgado y pesa unos 10 gramos menos que el arco de viola. Esto se debe a que las cuerdas de la viola son más pesadas. Por lo tanto, necesita un arco más pesado para producir un sonido claro en las frecuencias más bajas.

Un poco difícil de ver es la diferencia en el talón del arco, que es más grueso y a menudo más curvado en comparación con el borde recto de un arco de violín. Esto tiene que ver con cómo se sostiene el arco en cada instrumento para crear el sonido que se necesita. Estas pueden parecer ligeras diferencias, pero para un músico experimentado, marcan una gran diferencia.

Cuerdas

Las cuerdas la viola son C – G – D – A, mientras que las del violín son G – D – A – E, empezando por la más grave. La viola está afinada en quintas al igual que el violín, pero en lugar de tener el Mi alto (E), tiene un Do bajo (C), que está una octava por debajo del Do medio. Además, las cuerdas de la viola son un poco más gruesas que las del violín.

Sonido y Tono
La viola produce notas más graves o bajas que el violín, pero no tan bajas como el violonchelo.
El tono de la viola es más suave. Eso hace que sea fundamental en la familia de instrumentos de cuerda.

Escoger tamaño de la viola

Por lo general, el tamaño de una viola para un niño principiante sería de 11” durante dos años, luego con 12” durante otros dos años, con 13” durante dos, con 14” durante dos años; el tamaño final podría ser 15”, 15,5” o 16”. Existen violas de 16,5” y 17”, pero por lo general están reservadas para instrumentistas muy altos con manos grandes.

La mayoría de los adultos tocan violas de 15”, 15,5” o 16”, a menos que sus dedos, manos y brazos sean mucho más largos y requieran tamaños más grandes para mayor comodidad.

Los violistas leen las partituras en clave de DO

En función de la altura del tono que se pretenda alcanzar en la música, podemos usar distintas claves musicales. Es decir, un instrumento o una voz soprano que alcance los tonos más altos, generalmente usará partituras escritas en clave de SOL.

Las violas en cambio, usarán partituras en clave de DO. Podemos distinguir el uso de la clave de DO en las partituras según la altura de las voces humanas:

  • clave de DO en segunda línea del pentagrama – voz de mezzosoprano
  • clave de DO en tercera línea – voz de contralto
  • clave de DO en cuarta línea – voz de tenor

En el caso de la viola, que representa a la voz contralto y tenor, se suele usar la clave de DO en tercera y cuarta línea, por lo general.

¿Es necesario aprender a tocar el violín antes que la viola?

No necesitas habilidades básicas con el violín, si lo que realmente quieres es tocar la viola. Así como no necesitas tocar otros instrumentos antes de empezar con el violín, tampoco necesitas tocar el violín u otros instrumentos antes de empezar con la viola. Por supuesto, cuando ya tienes algunas habilidades básicas con el violín, son realmente útiles. Es fácil cambiar de violín a viola o al revés.

Hace décadas se pensaba que era más adecuado aprender a tocar el violín para un niño de manos y brazos pequeños, debido al menor tamaño del violín. Más adelante, cuando el niño crece, podía seguir con el violín o pasar a viola. Hoy en día se fabrican violas de distintos tamaños, de modo que un niño podría comenzar sus estudios de viola sin necesidad del violín.

El proceso de aprendizaje sí es bastante parecido al del violín. Es necesario asimilar la correcta postura de los brazos, practicar el sonido del arco con cuerdas al aire y la entonación con escalas.

Para finalizar, te dejamos con una obra muy interesante para viola:

Las escalas cromáticas

Publicado el por Mila Emilova Sivova

Una escala musical cromática, también llamada escala dodecafónica, es aquella que consta de los doce semitonos que contiene una octava. Es decir, entre cada nota hay un semitono, en vez de un tono como en las escalas mayores y menores.

¿Qué significa cromático?

La palabra cromático proviene de la palabra griega “chroma” que significa color. Es decir, los semitonos permiten agregar color a las escalas mayores y menores.

Durante la década de 1600, la música generalmente se escribía en escalas mayores y menores. Los compositores usaban notas fuera de estas claves, llamadas alteraciones, (#, b) para embellecer la melodía y agregar color a la música. Llamaban a esas alteraciones «cromáticos» ya que aportan color y emoción a la música sin cambiar el centro de la tonalidad.

Desde el siglo XIX en adelante, los compositores querían alejarse de escribir música en una clave determinada. Esto llevó a que el cromatismo se usara cada vez más y dio lugar a la música atonal, que no tiene ningún sentido de tonalidad. Se puede comenzar una escala cromática desde cualquier tono, simplemente agregando semitonos hasta llegar a la nota inicial una octava más arriba (o más abajo, si la escala es descendente)

Es tan beneficioso practicar escalas cromáticas como escalas tonales comunes. Ayudan a mejorar la entonación y también para practicar la técnica del glissando.

Digitaciones en las escalas cromáticas

Para tocar con agilidad estas escalas, necesitamos ordenar los dedos de la mano izquierda de modo que nos resulte cómodo realizar los cambios de posición. Existen varias digitaciones muy comunes para las escalas cromáticas.

¿Cuál es la digitación más útil para tocar la escala cromática?

Generalmente hay dos formas de tocar la escala cromática en el violín, cada una tiene sus beneficios. No existe una forma correcta y es posible que te encuentres usando ambas, dependiendo de la situación.
Los números a continuación representan los dedos que tendrás que usar:

A. Desplazamiento o arrastre de dedos: 1 – 1 – 2 – 2 – 3 – 3 – 4
Este patrón es mucho más fácil de aprender para un principiante, especialmente si no estás familiarizado con las posiciones, ya que cada dedo se mueve en el área que normalmente toca en la primera posición.

Incluso hay una versión un poco más fácil de este patrón: 1 – 1 – 2 – 2 – 3 – 4. En este caso, la nota en la siguiente cuerda sería al aire. Cuando utilices esta digitación en escalas cromáticas, lo más probable es que escuches algunos sonidos deslizantes, lo que a veces puede ser deseable y otras no. Durante pasajes rápidos, es posible eliminar el sonido de deslizamiento haciendo movimientos más ágiles con la mano izquierda.

B. Desplazando toda la mano: 1 – 2 – 1 – 2 – 3 – 4

Una variación de este patrón puede ser: 1 – 2 – 3 – 1 – 2 – 3 pero la idea general es cambiar los dedos para cada medio paso. Este patrón a veces se llama «Digitación de Carl Flesch», llamado así por el violinista y maestro húngaro.

Esta digitación es útil en las siguientes situaciones:

  • Al tocar pasajes rápidos
  • Cuando te esfuerzas por lograr un sonido legato suave
  • Cuando quieras evitar escuchar glissando

Si tienes que tocar un pasaje con escalas cromáticas, es posible que tengas que escoger tú mismo la digitación que te resulte más cómoda. La elección final depende de una variedad de razones. Por ejemplo, elegir el primer método puede parecer más fácil, pero si estás tocando en conjunto con más instrumentos, el glissando puede afectar el sonido general.

¿Cómo practicar la escala cromática en el violín?

Elige la digitación que usarás y una octava, sugerimos comenzar en la cuerda al aire A o D.
Toca todos los semitonos dentro de una o dos octavas en orden ascendente y descendente.
Verifica tu entonación con un afinador para asegurarte de que colocas el dedo en los lugares correctos.

Cuando estés familiarizado con las notas, intenta incorporar metrónomo en tu práctica de escalas cromáticas. Comienza con un tempo lento y aumenta gradualmente la velocidad. También puedes probar diferentes patrones rítmicos para hacer la práctica más divertida.

Las escalas cromáticas en posiciones altas

 

Algunas obras para violín de gran virtuosismo incluyen escalas cromáticas ascendentes o descendentes que se tocan en posiciones altas de la mano izquierda. En estos casos, debido a la velocidad que requiere la pieza, es común tocar varios tonos con tres, dos o incluso un solo dedo. La razón es que en la segunda mitad de la cuerda E, los semitonos están demasiado juntos para usar los dedos adyacentes afinados, por lo que usa el mismo dedo tanto como sea posible. A veces se puede hacer una escala cromática descendente desde una nota muy alta con la digitación: 1-1-1-1-1-1, 2-2-2-2-2- ó 3-3-3-3-3-

A gran velocidad, sonaría como un amplio glissando