¿Cuántos violines Stradivarius existen?

A pesar de su fama, el número exacto de violines Stradivarius auténticos que existen hoy en día sigue siendo un misterio. Los expertos han documentado y catalogado tantos instrumentos Stradivari como ha sido posible, desde los que se encuentran en museos hasta los que tocan los profesionales y los que poseen coleccionistas privados.

Como podrás comprobar, estos preciados instrumentos pueden tener una historia turbulenta. Muchos se han extraviado, algunos han sido robados y otros han sucumbido al paso del tiempo.

¿Qué es un violín Stradivarius?

Un instrumento Stradivarius es un violín, viola, violonchelo u otro instrumento de cuerda fabricado por Antonio Stradivari o algún otro miembro de su familia. Stradivari fue un reconocido lutier de los siglos XVII y XVIII.

¿Por qué los instrumentos Stradivarius son tan famosos ?

Se cree que Antonio Stradivari produjo entre 1100 y 2000 instrumentos a lo largo de su vida. De estos, 960 fueron violines. Se estima que actualmente entre 450 y 500 de sus violines aún sobreviven. A continuación te mostramos la información sobre algunos de ellos:

Nombre de violín y año de fabricaciónActual dueño
Ex-Back 1666Real Academia de Música. Actualmente expuesto como parte de la Colección York Gate de la Real Academia.
Dubois 1667Fundación Canimex. En préstamo a Alexandre da Costa.
Aranyi 1667Francis Aranyi (coleccionista). Vendido en Sotheby’s Londres el 12 de noviembre de 1986.
Ex-Capitán Saville 1667Jean-Baptiste Vuillaume/Capitán Saville (1901-1907)
Amatese 1668Aunque aparece en muchos libros de referencia como uno de los primeros instrumentos de Stradivarius, el consenso actual es que en realidad no es un violín Stradivarius. Fue vendido en Sotheby’s Nueva York el 3 de febrero de 1982 como «un violín interesante».
Oistrakh 1671David Oistrakh. Robado del Museo de Cultura Musical de Rusia en mayo de 1996, pero recuperado en 2001.
Sellière 1672Carlos IV de España.
Spanish 1677Fundación Cultural Finlandesa. En préstamo a Elina Vähälä.
Hellier 1679Smithsonian Institution
Paganini-Desaint
1680
Fundación Musical Nippon. Este violín, junto con el violín Paganini-Comte Cozio di Salabue de 1727, la viola Paganini-Mendelssohn de 1731 y el violonchelo Paganini-Ladenburg de 1736, componen un grupo de instrumentos conocido como el Cuarteto Paganini. En préstamo a Kikuei Ikeda del Cuarteto de Cuerdas de Tokio
1680Colección del Sr. y la Sra. Rin Kei Mei
1681 Reynier o Conde de Chesnais.Propiedad de Lyon & Healey en 1949. Anteriormente propiedad de Napoleón III, Leon Reynier y el Conde de Chesnais.
Fleming 1681Stradivari Society, prestado habitualmente a Cecily Ward
Bucher 1683Su ubicación actual se desconoce
Cipriani Potter 1683Ashmolean Museum, Oxford
Cobbett; ex-Holloway 1683.En préstamo a Sejong, gestionado por la Stradivari Society
ex-Croall 1684WestLB
ex-Elphinstone 1684Colección privada
ex-Arma Senkrah 1685Stradivari Society
ex-Castelbarco 1685Sala de Música de la Real Biblioteca del Palacio, en Madrid
Goddard 1686Srta. Goddard; Antonio Fortunato
Ole Bull 1687Ole Bull (1844); Donado a la Institución Smithsonian en 1997 por Herbert R. Axelrod. Actualmente forma parte del cuarteto Axelrod
Mercur-Avery 1687Cedido en préstamo a Jonathan Carney, concertino de la Orquesta Sinfónica de Baltimore desde 2002
1688Colección del Sr. y la Sra. Rin Kei Mei
Auer 1689 Cedido en préstamo a Vadim Gluzman, gestionado por la Sociedad Stradivari.
Arditi 1689Dextra musica AS, Noruega. Cedido en préstamo a Elise Båtnes, concertino de la Filarmónica de Oslo.
Baumgartner 1689Consejo Canadiense para las Artes. Cedido en préstamo a Judy Kang.
Español I 1689Patrimonio Nacional, Palacio Real, Madrid, España. Fechas comprendidas entre 1687 y 1689. Integrante de un par de violines (Españoles I y II) conocido como los Decorados y los Palatinos; también denominado colectivamente como el Cuarteto Real cuando se incluía con la viola (1696) y el violonchelo (1694) de la Corte Española.
Español II, 1689Patrimonio Nacional, Palacio Real, Madrid, España (fecha aproximada: 1687-1689); integrante de un par de violines (Españoles I y II) conocido como los Decorados y los Palatinos; también denominado colectivamente como el Cuarteto Real cuando se incluía con la viola (1696) y el violonchelo (1694) de la Corte Española
Bingham 1690Propietario desconocido
Bennett 1692Winterthur-Versicherungen En préstamo a Hanna Weinmeister
Falmouth 1692En préstamo a Leonidas Kavakos
Gould 1693Museo Metropolitano de Arte Legado de George Gould al Museo Metropolitano en 1955
Harrison 1693Richard Harrison; Henry Hottinger; Kyung-wha Chung en la colección del Museo Nacional de Música
Baillot-Pommerau 1694Anteriormente propiedad de Arthur Catterall, luego de Alfredo Campoli
Rutson 1694Royal Academy of Music, cedido en préstamo a Clio Gould
Fetzer 1694Propietario desconocido desde 1965
1697Edvin Marton Dima Bilan, junto con Evgeni Plushenko y Edvin Marton tocando su Stradivarius, ganó el Festival de la Canción de Eurovisión 2008
Cabriac 1698Dueño desconocido
Baron Knoop 1698Uno de los once violines Stradivarius asociados al barón Johann Knoop
Joachim 1698Royal Academy of Music
Duc de Camposelice 1699Ubicación actual desconocida
Lady Tennant; Lafont 1699Charles Phillipe Lafont/Marguerite Agaranthe Tennant; En préstamo a Xiang Gao, intermediado por la Stradivari Society; vendido en subasta en Christie’s por US$2.032 millones, abril de 2005
Longuet 1699Museo Victoria and Albert (V&A) en Londres
Condesa Polignac 1699En préstamo a Gil Shaham
Castelbarco 1699Biblioteca del Congreso. Donado por Gertrude Clarke Whittall
Kustendyke 1699Royal Academy of Music
Crespi 1699Royal Academy of Music
The Penny 1700Barbara Penny
Dragonetti 1700Fundación Musical Nippon. Anteriormente propiedad de Alfredo Campoli
Jupiter 1700Giovanni Battista Viotti
Markees 1701En 2003 adquirido por la Music Chamber of Hong Kong y cedido en préstamo al concertino de la Filarmónica de Hong Kong, Leung Kin-fung.
En 2008, fue vendido de forma privada por Sotheby’s a un coleccionista americano, y posteriormente fue vendido de nuevo por la casa de subastas Ingles & Hayday en 2019, actual dueño desconocido.
Irish 1702Pohjola Bank Art Foundation, Finlandia, cedido a Antti Tikkanen
Conde de Fontana; ex-Oistrach 1702David Oistrakh (1953-1963); Ricardo Brengola; El primer violín de la Fundación Pro Canale Oistrakh; cedido a Mariana Sirbu
Lukens; Edler Voicu 1702A.W. Lukens; Jon Voicu; Ministerio de Cultura de Rumanía, en préstamo a Alexandru Tomescu hasta 2012
Rey Maximiliano José, 1702Perteneciente a grupo anónimo de inversores en Chicago
Lyall, 1702Colección privada
Antonio Stradivari, 1703República Federal de Alemania, en exhibición en el Museo de Instrumentos Musicales de Berlín
La Rouse Boughton, 1703Banco Nacional de Austria, en préstamo a Boris Kuschnir del Cuarteto Kopelman
Lord Newlands, 1702Fundación Musical Nippon, en préstamo a Toru Yasunaga
Allegretti, 1703Perteneciente a colección privada
Alsager, 1703Parte de la colección del Museo Nacional de Historia Americana del Smithsonian y parte de la colección del Cuarteto Axelrod.
Lady Harmsworth, 1703Paul Bartel, en préstamo a Kristof Barati, gestionado por la Sociedad Stradivari
Emiliani, 1703Anne-Sophie Mutter
ex-Foulis, 1703en préstamo a Karen Gomyo
Betts 1704Biblioteca del Congreso de EE. UU. Donado por Gertrude Clarke Whittall
La ​​Bella Durmiente 1704L-Bank Baden-Wurtemberg, cedido en préstamo a Isabelle Faust. Uno de los pocos violines Stradivarius que conserva el mástil original.
Ex-Marsick; ex-Oistrach 1705David Oistrach adquirido en trueque por Oistrach por el Conde de Fontana de 1702
«Ex-Tadolini» 1706Colección del Sr. y la Sra. Rin Kei Mei
Ex-Brüstlein 1707Banco Nacional de Austria
La Catedral 1707Actual dueño desconocido, anteriormente prestado a Nigel Kennedy en la década de 1980 y a Tamaki Kawakubo
Hammer 1707Christian Hammer (coleccionista) vendido en Christie’s Nueva York el 16 de mayo de 2006 por la cifra récord de 3.544.000 dólares estadounidenses (2.765.080 euros) tras cinco minutos de puja
Burstein; Bagshawe, 1708Propiedad de la familia Jacobs, cedido en préstamo a Jeff Thayer, concertino de la Orquesta Sinfónica de San Diego.
Huggins, 1708Fundación Musical Nippon, cedido en préstamo a Sergey Khachatryan.
Ruby, 1708Cedido en préstamo a Chen Xi por la Sociedad Stradivari.
Strauss, 1708Cedido en préstamo a Chee-Yun por la Sociedad Stradivari.
Greffuhle, 1709Donado a la Institución Smithsonian en 1997 por Herbert R. Axelrod. Actualmente forma parte del Cuarteto Axelrod.
Hochschule de Berlín, 1709Su actual ubicación se desconoce. Fue robado durante la época nazi
Hammerle; ex-Adler 1709Banco Nacional de Austria cedido a Werner Hink
Ernst 1709Cedido a Zsigmondy Dénes hasta 2003
Engleman 1709Fundación Musical Nippon cedido a Lisa Batiashvili
Rey Maximiliano; Unico 1709Fundación Axel Springer cedido a Michel Schwalbé, concertino de la Filarmónica de Berlín (1966-1986); denunciado como robado en 1999
Viotti; ex-Bruce 1709Royal Academy of Music adquirido en 2005 por 3,5 millones de libras esterlinas
Marie Hall 1709Giovanni Battista Viotti / Colección Chi-Mei; Nombrada en honor a la violinista Marie Hall
Ex-Kempner 1709Cedido en préstamo a Soovin Kim
Camposelice 1710Fundación Musical Nippon, cedido en préstamo a Kyoko Takezawa
Lord Dunn-Raven 1710Anne-Sophie Mutter
Ex-Roederer 1710Cedido en préstamo a David Grimal
Ex-Vieuxtemps 1710Cedido en préstamo a Samuel Magad, concertino de la Orquesta Sinfónica de Chicago
La Lady Inchiquin 1711Anteriormente propiedad de Fritz Kreisler, utilizado por Frank Peter Zimmermann. La compañía bancaria alemana WestLB AG la adquirió para su uso.
Conde de Plymouth; Kreisler 1711Filarmónica de Los Ángeles, encontrada en un almacén de la finca del Conde de Plymouth junto con los violines El Mesías y Alard en 1925; Adquirido por Fritz Kreisler en 1928 y posteriormente vendido por él en 1946
Liegnitz 1711anteriormente propiedad de Szymon Goldberg
Le Brun 1712Niccolò Paganini; Charles Le Brun; Otto Senn; vendido en subasta de Sotheby’s el 13 de noviembre de 2001
Karpilowsky 1712Harry Solloway, desaparecido: robado en 1953 de la residencia de Solloway en Los Ángeles
Schreiber
1713
Subastado por la casa de subastas Tarisio, propietario actual desconocido
Antonio Stradivari 1713
Boissier 1713Conservatorio Superior de Música de Madrid
Daniel 1713Cedido a Jhon Paul Reynols
Gibson; ex-Huberman 1713Bronisøw Huberman; Robado dos veces a Huberman, Joshua Bell
Lady Ley 1713 StradivariusAdquirida ahora por Jue Yao
Wirt 1713Colección privada
Delfino 1714Jascha Heifetz; Fundación Musical Nippon , cedido a Akiko Suwanai
Soil 1714 Amédée SoilYehudi Menuhin; Itzhak Perlman. Protagonista de la misión «La canción de Agatha» en el videojuego Fallout 3.
Ex-Berou; Ex-Thibaud 1714Se desconoce su actual ubicación
Le Maurien 1714Desaparecido: robado en 2002
Leonora Jackson 1714Propiedad de Bill y Judy Sloan de Los Ángeles, prestado a varios violinistas, incluyendo a Philip Setzer del Emerson String Quartet y Jan Talich del Talich String Quartet.
Sinsheimer; General Kyd; Perlman 1714Itzhak Perlman / David L. Fulton
Smith-Quersin 1714Österreichische Nationalbank, cedido a Rainer Honeck
Alard-Baron Knoop 1715Su ubicación actual se desconoce
Barón Knoop; ex-Bevan 1715Su ubicación actual se desconoce
Ex-Bazzini 1715Fue exhibido en el Palacio del Gran Maestre en La Valeta, Malta, en una ocasión
Cremonese; ex-Harold, Joseph Joachim 1715Municipio de Cremona
Duque de Cambridge; Ex-Pierre Rode 1715ONG «Yellow Angel», cedido a Ryu Goto
Joachim 1715Fundación Musical Japonesa, cedido a Sayaka Shoji
Lipinski 1715Cedido al concertino de la Orquesta Sinfónica de Milwaukee, Frank Almond
Ex-Marsick 1715Cedido a James Ehnes
Titian 1715Jacob Lynam
Cessole 1716Museo Ashmolean, Oxford
Berthier 1716Barón Vecsey de Vecse; Franco Gulli
Booth 1716Fundación Musical Japonesa, cedido a Shunsuke Sato; anteriormente cedido a Arabella Steinbacher; anteriormente prestado a Julia Fischer
Colossus 1716Robado y desaparecido en 1998
Duranti 1716Mariko Senju
Monasterio 1716Cyrus Forough
Provigny 1716Se desconoce su actual ubicación
Mesías-Salabue 1716Museo Ashmolean de Oxford, en exhibición
Ex-Windsor-Weinstein; Fite 1716Consejo de las Artes de Canadá en préstamo a Caroline Chéhadé
Baron Wittgenstein 1716Estado búlgaro en préstamo a Mintcho Mintchev desde 1979
Gabriel 1717No tiene ubicación fija
Ex-Wieniawski 1717Donado a Ontario Heritage Foundation
Kochanski 1717Pierre Amoyal Robado en 1987, recuperado en 1991
Sasserno 1717Fundación Musical Nippon en préstamo a Viviane Hagner
Viotti; Ex-Rosé 1718Giovanni Battista Viotti / Banco Nacional de Austria, en préstamo a Volkhard Steude
Chanot-Chardon 1718Timothy Baker / Joshua Bell; con forma de guitarra; actualmente en préstamo a Simone Lamsma
Pájaro de fuego; Ex-Saint Exupéry 1718Salvatore Accardo
Marquis de Riviere 1718Daniel Majeske: tocado mientras era concertino de la Orquesta de Cleveland de 1969 a 1993.
San Lorenzo 1718Georg Talbot, cedido a David Garrett mientras se reparaba su Guadagnini.
Ex-Conde Vieri, 1718Colección del Sr. y la Sra. Rin Kei Mei.
Lauterbach, 1719Johann Christoph Lauterbach; J.B. Vuillaume; Charles Philippe Lafont
Madrileño, «el ángel» 1720Stradivarius Art & Sound company
Von Beckerath, 1720Michael Antonello.
Sinsheimer; Iselin, 1721Denunciado como robado cerca de Hannover, Alemania, en 2008; recuperado en 2009.
Lady Blunt, 1721Paolo Stradivarius, llamado así en honor a Lady Anne Blunt, hija de Ada Lovelace y nieta de Lord Byron.
Jean-Marie Leclair, 1721Jean-Marie Leclair; cedido en préstamo a Guido Rimonda.
Mendelssohn rojo, 1721Familia Mendelssohn / Elizabeth Pitcairn; fuente de inspiración para la película de 1998, El violín rojo.
El Macmillan 1721En préstamo a Ray Chen a través de Young Concert Artists
Artot 1722Adquirido en subasta privada
Jules Falk 1723Viktoria Mullova
Jupiter; ex-Goding 1722Fundación Musical Japonesa, en préstamo a Daishin Kashimoto; anteriormente Midori Goto
Laub-Petschnikoff 1722Fundación Musical Japonesa
Elman 1722Museo Chi Mei
Cádiz 1722Joseph Fuchs en préstamo a Jennifer Frautschi
Kiesewetter; «Ex Keisewetter» 1723Clement y Karen Arrison, en préstamo a Philippe Quint, gestionado por la Stradivari Society. Quint lo dejó olvidado en un taxi el 21 de abril de 2008 y lo recuperó al día siguiente.
Earl Spencer 1723en préstamo a Nicola Benedetti
Le Sarasate 1724Museo de la Música, París Legado al Conservatorio por Pablo de Sarasate
Brancaccio 1725Propiedad de Carl Flesch hasta 1928, cuando fue vendido a Franz von Mendelssohn, banquero y violinista aficionado. Destruido en un bombardeo aliado sobre Berlín.
Chacona 1725Banco Nacional de Austria En préstamo a Rainer Küchel
Leonardo da Vinci 1725Familia Da Vinci
Wilhelmj 1725Fundación Musical Japonesa, en préstamo a Baiba Skride
Greville; Kreisler; Adams 1726Fritz Kreisler
Barón Deurbroucq 1727Barón Deurbroucq (La Haya) (1870); Robert Crawford (Edimburgo);
W.E. Hill & Sons (1902);
Hans Wessely (1903-1926);
David D. Walton (Boston) (1926);
Emil Herrmann (19??-1945);
Fredell Lack (1945-presente)
Barrere 1727Cedido a Janine Jansen por la Stradivari Society
Davidoff-Morini 1727Robado en 1995, desaparecido desde entonces
Ex-General Dupont 1727Arthur Grumiaux, cedido a Jennifer Koh
Holroyd 1727Propiedad de Suntory Limited en Osaka, Japón. Usado por Elmar Oliveira, Andrea Cappelletti, Mayuko Kamio y Gabriel Kameda Koh.
Kreutzer 1727Maxim Vengerov, uno de los cuatro violines Stradivarius con el sobrenombre Kreutzer (1701, 1720, 1731)
«Ex Reynier» o «Le Reynier»; Hart; ex-Francescatti 1727Société LVMH (Moët & Chandon Hennessey Louis Vuitton) desde 1993 o 1994 / Salvatore Accardo. Nombrado en honor a Leon Reynier, ganador del Conservatorio de París en 1847. Ha sido prestado a Maxim Vengerov.
Paganini-Conde Cozio di Salabue 1727Fundación Musical Nippon. Este violín, junto con el violín Paganini-Desaint de 1680, la viola Paganini-Mendelssohn de 1731 y el violonchelo Paganini-Ladenburg de 1736, componen un conjunto de instrumentos conocido como el Cuarteto Paganini; prestado a Martin Beaver del Cuarteto de Cuerdas de Tokio.
Halphen 1727Fundación Privada Angelika Prokopp. Prestado a Eckhard Seifert.
Vesuvius 1727Antonio Brosa / Remo Lauricella / Ciudad de Cremona
A. J. Fletcher; Caballero de la Cruz Roja 1728A. J. Fundación Fletcher lo cedió en préstamo a Nicholas Kitchen del Cuarteto de Cuerdas Borromeo; el instrumento fue fabricado por Omobono Stradivarius
Artot-Alard 1728Endre Balogh. Una réplica de este instrumento fue producida en 1996 por Gregg Alf y Joseph Curtin, utilizando materiales y métodos modernos; Balogh toca tanto el original de 1728 como la réplica
Dragonetti; Milanollo 1728Giovanni Battista Viotti, cedido en préstamo a Corey Cerovsek
Perkins 1728Filarmónica de Los Ángeles, nombrada en honor a Frederick Perkins, anteriormente propiedad de Luigi Boccherini
Benny 1729Jack Benny; legado a la Filarmónica de Los Ángeles por Jack Benny
Solomon, ex-Lambert 1729Murray Lambert / Seymour Solomon; vendido en Christie’s, Nueva York por US$2.728.000 (€2.040.000)
Innes 1729Cedido en préstamo a Eugen Sarbu; anteriormente cedido a Wieniawski
Guarneri 1729Cedido en préstamo por el Consejo Canadiense de las Artes a Nikki Chooi
Real Español 1730Anne Akiko Meyers, que perteneció al Rey de España
Lady Jeanne 1731Fundación Donald Kahn, en préstamo a Benjamin Schmid
Garcin 1731Jules Garcin; Sidney Harth
Heifetz-Piel 1731Rudolph Piel / Jascha Heifetz
Baillot 1732Fondazione Casa di Risparmio, prestado a Giuliano Carmignola para la grabación de DG de Vivaldi: Conciertos para dos violines
Duque de Alcántara 1732Un oscuro noble español descrito como ayudante de campo del Rey Don Carlos; Genevieve Vedder, de la UCLA, donó el instrumento al departamento de música de la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA) en la década de 1960. En 1967, el instrumento fue prestado a David Margetts. Se desconoce si fue olvidado en el techo de su coche o robado, pero durante 27 años el violín se consideró desaparecido hasta que fue recuperado por un violinista aficionado que afirmó haberlo encontrado en una autopista. Se llegó a un acuerdo y el Stradivarius fue devuelto a la UCLA en 1995
Hércules 1732Eugène Ysaÿe desaparecido: robado en Rusia en 1908
Diamante Rojo 1732Louis Von Spencer IV
Tom Taylor 1732Previamente prestado a Joshua Bell
Des Rosiers 1733Angèle Dubeau
Huberman; Kreisler 1733Bronisław Huberman / Fritz Kreisler
Khevenhüller 1733Yehudi Menuhin
Montó 1733Fritz Kreisler / Bronislaw Hubermann
Ames 1734Desaparecido: robado en 1981
Barón Feilitzsch; Heermann 1734Barón Feilitzsch / Hugo Heerman / Gidon Kremer
Habeneck 1734Royal Music Academy
Hércules; Ysayé; ex-Szeryng; Rey David 1734Eugène Ysaÿe / Charles Münch / Henryk Szeryng / Estado de Israel
Señor Amherst de Hackney 1734Fritz Kreisler
Lamoureux; Ex Zimbalist 1735Robado y desaparecido
Muntz 1736Fundación Musical Japonesa, cedido en préstamo a Arabella Steinbacher
Ex Roussy 1736Chisako Takashima
Conde d’Amaille 1737Charles Libove
Lord Norton 1737Perteneció a la colección de Henry Hottinger desde 1957 / Actual dueño desconocido
Chant du Cygne; Swan Song 1737Ivry Gitlis

Grandes violinistas – Joseph Joachim

El violinista Joseph Joachim, el menor de siete hijos, nació el 28 de junio de 1831 en Kittsee, un pequeño pueblo cerca de Pressburg, actual Eslovaquia. Su padre era comerciante. A la edad de un año, su familia decidió establecerse en Pest.

La educación musical de Joseph Joachim comenzó con la guitarra, que solía servir de acompañamiento en las prácticas vocales de su hermana mayor, hasta que un día su padre le trajo de la feria un violín infantil. Este se convirtió en su compañero inseparable y pronto comenzó a adquirir buen sonido. Todo lo que oía, lo reproducía después en su instrumento. Así continuó hasta los seis años, cuando comenzó a recibir clases. Tuvo la buena fortuna de encontrar a un maestro experimentado y concienzudo, Servaczinski, a quien le debía la adquisición de esa temprana y segura «técnica» que constituye la base indispensable de toda vocación artística.

Antes de cumplir siete años, Joseph Joachim ya había ganado sus primeros premios musicales. Dos tíos suyos vivían en Viena, quienes prometieron cuidar del futuro de su sobrino. Más tarde estuvo bajo la tutela de George Hellmesberger. Este artista, tras instruir a Joseph durante casi un año, declaró inesperadamente que la mano derecha de su alumno estaba demasiado débil para manejar el arco con la energía necesaria. Justo en ese momento, el famoso violinista Ernst celebraba brillantes triunfos en la capital austriaca. El joven Joseph acudió apresuradamente a él y le contó su difícil situación, encontrando una cálida recepción y recibiendo ayuda real. Gracias a la mediación del virtuoso, el excelente maestro de Ernst, Bohn, recibió al niño en su propia casa. Transcurridos tres años, no había nada que pudiera enseñarle a su alumno. La formación del violinista estaba completa; la del artista aún estaba por comenzar.

En los años treinta y cuarenta del siglo XIX, Leipzig era el centro indiscutible de la vida musical alemana. La riqueza musical que poseía la época actual cobró forma creativa en las personas de Mendelssohn y Schumann. Para ambos, Leipzig se había convertido en su segundo hogar. Allí, en el recién erigido Conservatorio de Música y en las antiguas y renombradas interpretaciones de la Gewandhaus, se podía encontrar la fuente de toda enseñanza y estímulo artístico. Una prima de Joachim, con quien en sus inicios había practicado diligentemente las sonatas de Beethoven, se había casado y establecido en Leipzig. A pesar de la oposición de sus tíos, Joseph Joachim se mudó a Alemania.

Sabemos que Mendelssohn se hizo cargo de Joseph Joachim, cuyo auténtico prestigio artístico su agudo ojo experimentado reconoció a primera vista. Lo ayudó incansablemente, brindándole consejos y ayuda material. En el invierno de 1844, Joachim ya tocaba en público en Leipzig y al año siguiente siguió a Mendelssohn a Londres. Con su interpretación de Beethoven, Joachim sentó las bases de su extraordinaria popularidad en Inglaterra. Desde entonces, numerosas temporadas en Londres lo han recibido como invitado de honor.

Tras regresar a Leipzig, se convirtió en miembro de la orquesta de la Gewandhaus, que también era la del teatro cuando se representaba ópera. Allí tuvo la gran oportunidad de conocer la orquesta en su conjunto, así como la naturaleza de cada instrumento individual. En el otoño de 1849, con el título de concertino, se trasladó a Weimar, donde Liszt era muy popular y reunía a su alrededor a toda la juventud musical de Alemania. Esta nueva esfera de actividad no atrapó por mucho tiempo a nuestro joven artista; pues en 1851, recibió una llamada a Hannover como director principal de los Conciertos Sinfónicos que se establecieron allí durante ese invierno.

En 1863 se casó con Amalie Weiss, por aquel entonces prima donna del Teatro de la Corte, y tras la guerra prusiano-austriaca, se estableció en Berlín.

Entre todos los virtuosos de aquel momento, Joseph Joachim ocupaba sin duda el primer lugar. Además, Joachim tenía un especial interés en la música de cámara. También es conocido como compositor, especialmente por su Concierto Húngaro; mientras que como director de la Hochschule für Musik de Berlín, Joseph Joachim cosechó un éxito notable.

Joseph Joachim fue obsequiado con un violín Stradivarius en 1899 con motivo de la celebración del Jubileo por el 50.º aniversario de su recital de debut en Londres. Este excepcional violín había sido fabricado en 1715 por Antonio Stradivari y se llamaba «Il Cremonese». Este tipo de celebraciones y regalos no es infrecuente en la carrera de Joachim, lo que refleja su inmensa popularidad y la admiración que despertaba. El 4 de mayo de 1904, se organizó un «Jubileo de Diamante» en su honor para celebrar el 60.º aniversario de su primera aparición en Londres, demostrando una vez más sus estrechos vínculos con Inglaterra. Joachim recibió un discurso y un retrato suyo realizado por John Singer Sargent. El propio Primer Ministro asistió al evento.

La fuerte reacción que provocó la muerte de Joachim el 15 de agosto de 1907 se puede apreciar en numerosos obituarios, panegíricos, artículos periodísticos y cartas de amigos que lamentaban la pérdida de un gran hombre. Joachim fue reconocido no solo por su talento musical, sino también por su gran calidad humana.

Grabación Joseph Joachim

Grandes violinistas – Anna Maria della Pietà

Anna Maria della Pietà, que en un principio recibía el nombre de «Chiara», fue acogida por el orfanato Ospedale della Pietà de Venecia, cuando tenía solamente dos meses de vida. La fecha exacta de su nacimiento se desconoce, pero se cree que fue en el año 1696. Durante su infancia pasó a ser conocida como Anna Maria dal Violin y durante su vida adulta como Anna Maria della Pietà. El sacerdote y compositor Antonio Vivaldi fue su maestro, y ella fue, evidentemente, una de sus alumnas favoritas, pues le dedicó 28 conciertos para violín.

Anna Maria llegó a gozar de una magnífica reputación durante su vida como una de las mejores virtuosas del violín de Europa; varios viajeros y críticos contemporáneos la elogiaron. A pesar de su estatus de clausura en «la Piedad», se convirtió en el equivalente a una celebridad en el siglo XVIII.

La devoción, la modestia, la buena conducta, el silencio, la obediencia y el evitar la ociosidad eran los requisitos básicos para sobrevivir en la Piedad. Aunque sus ascensos fueron tardíos en comparación con los de sus compañeras, Anna Maria ascendió en el coro hasta alcanzar la cima de la música, dominando seis instrumentos además del violín, y llegando a ser concertina y directora de la orquesta de la Piedad. Vivió hasta la asombrosamente avanzada edad de 86 años, para la época.

Desafortunadamente aún se desconocen bastantes datos sobre la vida de Anna Maria della Pietà puesto que, a pesar de ser toda una celebridad en el mundo de la música, existen muy pocos documentos escritos y publicados sobre ella. No obstante, puedes conocer más detalles sobre la vida y carrera de Anna Maria della Pietà en el libro «La violinista» de Harriet Constable y también en el libro «Las vírgenes de Vivaldi«, de Barbara Quick.

A continuación podrás oír algunos de los conciertos compuestos por A. Vivaldi y dedicados a su alumna Anna Maria della Pietá:

Violin Concerto en D menor (RV 248)

Violin Concerto en B-bemol (RV 363)

Concierto para mandolina en C (RV 425)

Grandes violinistas – Wilma Neruda

Cuando Wilhelmine (Wilma) Maria Franziska Neruda nació en Brünn (actual Brno), República Checa, en 1838, el mundo de la música era muy diferente al actual. Las mujeres intérpretes eran reconocidas como cantantes y toleradas como pianistas, pero una carrera solista como violinista o violonchelista estaba descartada. Por otro lado, el público adoraba a los Wunderkinder (niños prodigio), que eran bien recibidos en todas partes, independientemente de su género o instrumento.

El padre de Wilma, Josef Neruda, estaba decidido a invertir en las carreras musicales de sus hijos. Josef dejó su trabajo de organista en 1845 para dedicarse a sus hijos. La hermana mayor de Wilma, Amalie, aprendió a tocar el piano, mientras que su hermano Viktor debería haberse convertido en violinista y Wilma en pianista.

Pero Wilma se sintió atraída por el violín de su hermano, el cual tocaba en secreto. Un día, su padre oyó música procedente de la habitación de Viktor y, «lleno de alegría por el progreso que creía que había hecho su hijo, subió corriendo las escaleras y descubrió su error». Inmediatamente reconoció el talento de Wilma. No solo le permitieron pasarse al violín, sino que se convirtió en el centro del plan de su padre. Viktor recibió un violonchelo y la familia se mudó a Viena en busca de fortuna. Una vez allí, el eminente Leopold Jansa escuchó tocar a Wilma y quedó tan impresionado que la aceptó como alumna con la condición de ser su único maestro.

Este fue el comienzo de la extraordinaria carrera de Wilma Neruda. En mayo de 1845, Wilma y Amalie actuaron juntas en público por primera vez en Brno. Se dice que Wilhelmine poseía un gran talento precoz y de rápido desarrollo, y su interpretación del instrumento, anteriormente solo interpretado por hombres, se caracteriza por un arco potente, tranquilo y seguro, un tono pleno y conciso, y la fácil y hábil superación de las dificultades técnicas.

La explotación de los niños prodigio fue objeto de un acalorado debate en su época, pero, aunque los Neruda recibieron sus críticas, algunos comentaristas argumentaron que Wilma era un caso especial: «A pesar de nuestra postura general contra los niños prodigio, debemos, sin embargo, hacer una excepción cuando el genio del arte despliega sus alas y existe una clara predisposición para la profesión musical, y debemos sintonizar con el fuerte aplauso que premió a la talentosa Wilhelmine Neruda por sus logros», escribió un crítico vienés tras un concierto. en 1846.

Los Neruda continuaron actuando en Alemania, Bélgica y Francia antes de llegar al Reino Unido, donde su primer concierto tuvo lugar en el Princess Theatre de Londres en abril de 1849. El público respondió con entusiasmo y, en lugar de dos conciertos, como se había planeado originalmente, los hermanos ofrecieron 18 conciertos. En junio del año siguiente, Wilma (ahora de 11 años) fue invitada a sustituir a Joseph Joachim, quien había cancelado una actuación en la Sociedad Filarmónica

«Cuando llegué a Londres por primera vez, me sorprendió descubrir que se consideraba casi inapropiado, ciertamente impropio de una dama, que una mujer tocara el violín». – Wilma Neruda

La propia Wilma reflexionó posteriormente sobre la evolución de la actitud hacia las violinistas: «Cuando llegué a Londres por primera vez […] me sorprendió descubrir que se consideraba casi inapropiado, ciertamente impropio de una dama, que una mujer tocara el violín. En Alemania, la cosa era bastante común y no suscitaba comentarios. No podía entender —me parecía tan absurdo— por qué aquí la gente pensaba de forma tan distinta. […] Pero, por supuesto, todo es diferente ahora, y me atrevo a decir que ahora tocan el violín más mujeres en Inglaterra que en Alemania.

A finales de 1849, Josef Neruda decidió traer a sus hijos a Rusia. Su otra hija, Marie, se había unido a sus hermanos como segunda violinista. Su gira por Rusia fue un éxito, pero la vida en la carretera pasó factura: Viktor Neruda falleció a los 15 años en 1852, probablemente como resultado del estrés constante de las presentaciones y los viajes. Más tarde, los Neruda regresaron a Brno y pronto los jóvenes músicos estaban de nuevo de gira por Polonia, Alemania y, en la década de 1860, Suecia y Dinamarca.

Los ingresos de la gira por Escandinavia fueron tan cuantiosos que los hijos de Neruda pudieron comprar una casa para sus padres en Brno. Después de esto, Wilma comenzó una nueva vida en Estocolmo, donde conoció a Ludvig Norman, compositor y director de la Real Academia de Música. Se casaron el 27 de enero de 1864, pero Wilma no abandonó su carrera artística. Al contrario, actuó con su esposo y fundó «una compañía de conciertos en Estocolmo para promover obras de música de cámara en Suecia». Tuvo dos hijos; Ludvig y Waldemar, nacidos en 1864 y 1866 respectivamente.

Pero pronto los Norman se distanciaron. Es evidente que, a pesar de sus hijos y su puesto como profesora de violín en la Real Academia de Estocolmo, Wilma deseaba abandonar Suecia. Para 1869 se separaron y Wilma regresó a sus giras por Europa. Se encontraba entonces en la cima de su carrera.

En el Reino Unido, donde se estableció, Wilma era muy solicitada. Tocó en la Sociedad Filarmónica de Londres, con el Cuarteto Joachim de Inglaterra, y en los Conciertos Populares del St. James’s Hall, donde fue la primera mujer en dirigir música de cámara. También se la escuchaba frecuentemente con la Orquesta de Charles Hallé en Manchester y ofreció conciertos conjuntos con músicos como Joachim, Piatti, Ries, Clara Schumann y Vieuxtemps.

Wilma incluso fue mencionada por Sherlock Holmes: «Su ataque y su arco son espléndidos. ¿Qué es esa pequeña pieza de Chopin que interpreta tan magníficamente? Tra-la-la-lira-lira-lay», parloteó el famoso detective en su primera aventura.

Ludvig Norman falleció en marzo de 1885. Tres años después, Wilma se comprometió con Charles Hallé, con quien había sido un amigo íntimo durante décadas. Hallé fue nombrado caballero por la reina Victoria en junio de 1888 y, tras su matrimonio al mes siguiente, Wilma se convirtió en Lady Hallé. A pesar de la considerable diferencia de edad (Charles tenía 69 años y Wilma 50), la unión fue un éxito tanto en el escenario como en la vida privada. Continuaron actuando juntos y saliendo de gira, aunque Wilma también actuó en solitario. Se encontraba en Dinamarca cuando Hallé falleció repentinamente el 25 de octubre de 1895. Aproximadamente un mes después, el Príncipe de Gales inició una suscripción pública para celebrar el 50.º aniversario de la primera aparición pública de Wilma y el 25.º aniversario de su debut en el Reino Unido. Recibió un castillo en Asolo, cerca de Venecia, donde residió durante algunos años con su hijo Ludvig. Tras la muerte de Ludvig en 1898, se trasladó a Berlín para impartir clases en el conservatorio.

Inglaterra no olvidó a Wilma, y ​​su buena amiga, la reina Alejandra, la nombró «Violinista de la Reina» en 1901. A los 73 años, Wilma seguía deleitando a su público en conciertos con Hugo Becker y Pablo Casals en marzo de 1911. Un mes después, el 15 de abril de 1911, falleció en Berlín. Será recordada como «la primera violinista considerada lo suficientemente buena como para estar a la altura de los más grandes intérpretes masculinos».

Wilma obtuvo el violín Stradivari «Ernst» de 1709. Wilma inicialmente se mostró escéptica sobre probar este violín, cuyo tono había sido criticado, pero se enamoró de él. Tres nobles mecenas, el duque de Sajonia-Coburgo-Gotha y los condes de Hardwicke y Dudley, le regalaron el violín en 1875. Aunque Wilma poseía varios instrumentos, este se convirtió en su único instrumento de concierto. Años más tarde, recordó: «Adoro mi Stradivarius, y para mí no existe ningún violín que lo supere en la exquisita delicadeza de su entonación». El violín, ahora conocido como «Ernst, Lady Hallé», fue tocado durante más de 30 años por el solista húngaro Dénes Zsigmondy, fallecido en 2014.

Obras dedicadas a Wilma Neruda:

Durante el s. XX era algo usual que compositores dedicaran sus obras a los intérpretes más virtuosos de su momento. Por esta razón, Wilma recibió numerosas dedicatorias, siendo algunas de ellas:

  • Balada, Op.43 (Neruda, Franz)
  • Danzas españolas (Romanza andaluza y Jota navarra), Op. 22 (Sarasate, Pablo)
  • Fantasía sobre 'Fausto' (Vieuxtemps, Henri)
  • Herbstblätter (Hojas de otoño), Op.109 (Heller, Stephen)
  • 6 Fantasís Irlandesas, Op.54 (Stanford, Charles Villiers)
  • Leyenda, Op.8 (Lauterbach, Johann)
  • Piano Sonata No.3, Op.19 (Neruda, Franz)
  • Violin School (Haddock, Edgar Augustus)
  • Violin Sonata No.2, Op.21 (Zimmermann, Agnes)
  • Violin Sonata No.3, Op.59 (Gade, Niels)
  • Violin Sonata, Op.5 (Winding, August)
  • Wspomnienie Warszawy (Recuerdos de Varsovia), Op.46 (Lubomirski, Kazimierz)

Violines curiosos

El violín que conocemos en la actualidad ha conservado prácticamente la misma forma y tamaño que los primeros violines fabricados en Cremona allá por el s. XVI. No obstante, a lo largo de la historia también aparecieron otros instrumentos musicales con gran similitud al violín y que, por diversas razones, no llegaron a alcanzar la popularidad.

Anteriormente ya pudimos conocer el Stroh violin o el «violinofón», por eso hoy queremos mostrarte una colección de violines raros que llamarán tu atención por su curioso aspecto. Todos ellos son piezas pertenecientes al museo «Springer Sisters Museum» en el Reino Unido.

El banjo-violín

Este extraño instrumento, mitad banjo mitad violín fue fabricado en Francia a principios del siglo pasado. Su diseño es parecido al mandolín-banjo, pero su estructura es más parecida a la de un violín.

El violín-zueco

Se trata de un violín de los Países Bajos elaborado con un zueco a finales del siglo XVIII o principios del XIX. Estos instrumentos fueron fabricados comúnmente para turistas. Éste es un violín original hecho a partir de un zueco muy desgastado.

Violín con dos esquinas

A primera vista quizás pudiera parecer un violín normal pero, si te fijas bien podrás notar que le faltan dos esquinas en las tapas de la caja de resonancia. Fabricado en Alemania alrededor del año 1850. Se trata de uno de los muchos instrumentos diseñados por la marca Stainer.

Violín ondulado

Éste es un violín alemán que data del siglo XIX pero que fue hecho para emular instrumentos del siglo XVII, con bordes ondulados y un clavijero tallado.

Violín «bota de vino»

Por lo visto, se trata de un ejemplar verdaderamente extraño y de origen desconocido, probablemente proveniente de algún lugar de Europa del este.

Violín angular

Un violín bastante curioso con esquinas angulares. No es un ejemplar único, por lo visto fue fabricado comercialmente a finales del siglo XIX.

Cítara Streich

Una cítara Streich es un instrumento excéntrico procedente de Alemania alrededor de la década de 1860. El encordado está diseñado de forma que su afinación es inversa a la de un violín. Debe estar inclinarse hacia arriba al tocar.

Violín de regazo o violín cítara

Un violín/cítara trasteada del año 1890. El  violín de regazo (una especie de cítara frotada) es un instrumento en gran parte olvidado que fue bastante influyente en la música popular de los Alpes durante más de 100 años. Inventado en el año 1823 en Viena por Johann Petzmayer, citarista y violinista de Munich.

Violín de tres cuerdas

Esta especie de violín de tres cuerdas es una versión de finales del siglo XIX de un rabel. Es de origen alemán y está fabricado con madera de arce.

Violín fonográfico

Un violín fonográfico experimental de principios del siglo XX. El cuerpo es una caja de resonancia curvada. El puente está encajado en un diafragma. Hay una clavija lateral para tensar el brazo de transmisión de sonido del diafragma. El sonido se emite a través de perforaciones en los hombros del violín. Posiblemente fue fabricado en EE.UU.

Viola de Rivinus

La viola Rivinus comenzó a desarrollarse hace unos 20 años y ahora hay aproximadamente unas 75 en circulación, incluidas varias que son utilizadas por los principales intérpretes de orquestas sinfónicas en todo el mundo.

Violín-mandolina con doble mástil

Éste es un interesante violín/mandolina de doble mástil del siglo XIX. A diferencia de muchos instrumentos novedosos o experimentales, hay quienes afirman que suena muy bien. Probablemente sea de origen alemán.

Para finalizar, te dejamos con varios vídeos para que también puedas conocer cómo suenan algunos de los instrumentos que hemos visto:

Grandes violinistas – Regina Strinasacchi

Regina Strinasacchi fué una importante violinista, guitarrista y compositora, nacida en Ostiglia, cerca de Mantua, quizás en 1761, o en 1764 (lamentablemente la fecha es incierta). Estudió en el Hospital «della Pietà» de Venecia: una institución que era al mismo tiempo convento, orfanato y conservatorio, donde las niñas recibían una rigurosa y amplia educación musical. De hecho, entre los profesores de la escuela de música se encontraban nombres como Antonio Vivaldi y Francesco Gasparini. Allí Regina aprendió a tocar el violín y la guitarra y también a componer música, demostrando inmediatamente un excelente gusto musical. De algunas cartas de contemporáneos se entiende que Regina comenzó a actuar en público a muy temprana edad, por ello era admirada no sólo por su virtuosismo con el violín, sino también por la habilidad que demostraba con el paso de los años.

Después de su paso por el Ospedale della Pietà, probablemente tuvo la oportunidad de viajar a algunos países europeos para actuar. Alrededor del 1784 llegó a Viena, donde conoció a Wolfgang Amadeus Mozart. El compositor austríaco asistió a una actuación de la famosa violinista de Mantua y quedó tan impresionado que decidió componer una sonata (la Sonata K 379 en sol mayor para violín y piano) para tocar junto con Regina.

La pareja actuó junta en un teatro vienés (el Theater am Kärntnertor) el 29 de abril de 1784, tocando también la Sonata K454 en si bemol mayor para violín y piano, en presencia del emperador del Sacro Imperio Romano Germánico José II. La Sonata K454 requiere una interpretación difícil que da testimonio de la altísima opinión que Mozart tenía de Strinasacchi y de su talento musical.

En ese momento Regina tenía aproximadamente 23 años; Leopold Mozart, el padre de Wolfgang, en una carta dirigida a su hija en la que le contaba sus impresiones del concierto, aplaudió su talento y describió cómo la niña era capaz de infundir una fuerte pasión y emoción en cada nota. El acontecimiento también es recordado por la famosa anécdota según la cual Mozart, en aquella ocasión, tocó el piano de memoria y sin partitura (algunos dicen que el compositor no había terminado de escribir la parte de piano, y por tanto tuvo que improvisar sobre la marcha)

Probablemente fue durante sus giras europeas cuando Regina conoció a Johann Conrad Schlick, un compositor, violonchelista y director de orquesta alemán, originario de Mansbach. Los dos se casaron en 1785 y comenzaron a actuar juntos como un dúo de violín y violonchelo. En 1801 tuvieron un hijo, Johann Friedrich William, que también estaba destinado a convertirse en músico y fabricante de violines. Hacia finales del siglo, Regina Strinasacchi fue admitida en la Orquesta de Gotha; un acontecimiento absolutamente extraordinario para una mujer. Además de tocar y componer, se dice que Regina también dirigió la orquesta en alguna ocasión.

Se conoce que tras la muerte de su marido se trasladó a Dresde con su hijo. Murió allí (aunque algunos afirman que murió en Gotha), en el año 1839.

A continuación puedes escuchar la Sonata K454 en si bemol mayor para violín y piano, compuesta por W. A. Mozart para Regina Strinasacchi.

Instrumentos de cuerda frotada africanos: zeze, goje y orutu

Si te has preguntado cuál es el origen de los instrumentos de cuerda frotada y el uso del arco de caza en la música, la respuesta proviene del continente africano. Hoy queremos presentarte tres instrumentos de cuerda frotada africanos; zeze, goje y orutu.

Zeze

Zeze es una especie de violín de una sola cuerda proveniente de Zaire, Kenia y Tanzania, también llamado endingini en Uganda, ekegogo en Kenia, izeze o chizeze en Tanzania. La caja de resonancia está hecha de madera, bambú, calabaza, una cáscara de coco o una olla de barro. Está cubierto con la piel de un duiker (un tipo de antílope) tal y como se fabricaba anteriormente en el pueblo de los Wagogo.

En algunas zonas, el extremo del mástil puede estar bellamente tallado en diferentes formas. En concursos de música como Shinyanga y Ukerewe, se tiene en cuenta la belleza del instrumento, ya que los oyentes se sienten atraídos no solo por la buena interpretación, sino también por la forma inusual de los instrumentos, así como por la vestimenta especial de los músicos.

En otros lugares de origen del Cercano Oriente, el instrumento se toca golpeándolo con un arco corto. Suelen tocarlo músicos profesionales itinerantes que van de aldea en aldea para actuar en ceremonias. Estos instrumentos se encuentran principalmente entre las personas que viven cerca de la costa, como los Doë y los Kwere, pero los Zaramo, Kaguru y Luguru también tienen algunos instrumentos similares.

En Tanzania se han encontrado algunos de los vestigios más antiguos de la cultura humana. Se cree que allí fabricaron instrumentos musicales hace dos millones de años con herramientas de piedra simples. Después de eso, los pueblos que vivían allí eran cazadores-recolectores que probablemente produjeron al menos algunos tipos de señales vocales. El arco utilizado para cazar inspiró un instrumento de cuerda: el arco musical. Tradicionalmente, la música siempre ha tenido una función y nunca se presenta sin un propósito. Por ejemplo, cierta música e instrumentos se presentan solo durante un día o ceremonia determinados.

A partir del año 2000 a. C. aproximadamente, el norte de África comenzó a secarse y comenzó a formarse el desierto del Sahara. Muchos pueblos se desplazaron hacia el sur, a Tanzania. Probablemente trajeron consigo tambores e instrumentos de cuerda, como tipos de liras y arpas. Se ha estimado que la polifonía se formó en esa época en África, más de 1000 años antes de que comenzara a usarse en la música artística europea.
Desde el comienzo de nuestra era, Tanzania se convirtió en parte de un gran sistema comercial que se extendió hasta China, Indonesia y los países árabes. Se supone que el xilófono llegó a África Oriental en esa época desde Indonesia. Entre los años 1000 y 1500 d. C., en grandes centros comerciales como Kilwa, Bagamoyo y Zanzíbar existían grandes casas comerciales hindúes y árabes con una rica vida musical. El Islam comenzó a extenderse a África Oriental y comenzó a formarse una cultura mixta árabe-africana.

Goje

El goje es un tipo de violín de una sola cuerda originario de Ghana y Nigeria. También llamado gonjey o ggonje en Ghana, njarka en Malí y n’ko en las regiones del Sahel. Está hecho un cuenco de calabaza cubierto con piel de serpiente o de lagarto, creando así una membrana similar a la de un banjo. Las cuerdas son de crin de caballo y están suspendidas de un puente. El goje también se toca con arco. También es llamado “violín hausa” y tiene numerosos variantes. Está vinculado tradicionalmente a los rituales preislámicos del Sahel y Sudán. Este instrumento puede imitar las voces humanas y su lenguaje, por ejemplo entre los nómadas tamashek de Níger y los yoruba de Nigeria, asumiendo un papel casi humano en la banda musical.

En Etiopía y Eritrea también se encuentran instrumentos tradicionales similares que se tocan exactamente como el goje y que producen sonidos similares. Estos violines tradicionales provienen de África, de la Edad de Piedra. Antes de que naciera la primera Europa moderna, mucho antes de que se concibieran los famosos fabricantes de violines italianos.

Orutu

El Orutu, un notable instrumento musical del este de África, en particular de la comunidad Luo en el oeste de Kenia, es un símbolo de un rico patrimonio cultural y expresión artística. Este violín de una sola cuerda tiene un sonido y una historia únicos que reflejan las tradiciones y la evolución de la música en la región. Recibe diferentes nombres según cada región.

Se caracteriza por su diseño vertical y su cuerda única. Se toca con un arco similar al de un violín. El instrumento consta de un resonador cilíndrico hecho de madera ahuecada, tradicionalmente cubierto con piel de lagarto monitor en un lado. El otro lado permanece abierto, lo que permite la proyección del sonido. La cuerda se fabricaba originalmente con tendones de animales o fibras de sisal, pero ha evolucionado con el tiempo para utilizar materiales como cables de freno de bicicleta para mejorar la durabilidad y la calidad del sonido. Los músicos tocan el Orutu pasando un arco por la cuerda mientras presionan simultáneamente la cuerda con los dedos para crear diferentes notas. Esta técnica permite una variedad de sonidos que pueden imitar las vocalizaciones humanas, lo que lo convierte en una poderosa herramienta para la narración de historias y la expresión emocional en la música.

Los orígenes del Orutu se remontan a las sociedades precoloniales del este de África, particularmente entre el pueblo Luo de Kenia. Los relatos históricos sugieren que este instrumento se ha utilizado durante siglos, con raíces profundamente arraigadas en las prácticas culturales de la comunidad Luo. Músicos y entusiastas de la cultura están trabajando incansablemente para preservar este instrumento único y sus tradiciones asociadas. Hoy en día, se lo celebra no solo por su importancia histórica sino también por su relevancia contemporánea en la música africana.

El mecanismo de funcionamiento del orutu es relativamente sencillo, pero requiere habilidad y precisión por parte del músico. La estructura del instrumento incluye:

Resonador: El cuerpo hueco de madera sirve como una cámara de sonido que amplifica las vibraciones producidas por la cuerda. Cuerda: una sola cuerda se une a un extremo del resonador y se extiende sobre un puente antes de anclarse en el otro extremo.
Arco: el arco generalmente se fabrica a partir de madera flexible o bambú y se encorda con fibras de sisal u otros materiales que permiten una fricción efectiva contra la cuerda.
Mecanismo de afinación: la tensión de la cuerda se puede ajustar utilizando varios métodos según las técnicas de construcción. Los músicos suelen utilizar sus dedos para modificar el tono mientras tocan.
Al tocar, los músicos pasan el arco por la cuerda mientras aplican presión con los dedos de la mano izquierda para crear diferentes notas. Este método permite estilos de interpretación expresivos que pueden transmitir emociones profundas a través de la música.

Tipos de Orutu

Orutu moderno: Las variaciones contemporáneas pueden incorporar materiales sintéticos o elementos reutilizados como cables de bicicleta para cuerdas, lo que refleja innovaciones modernas al tiempo que conserva la estética tradicional.

Cada tipo cumple funciones similares dentro de los contextos musicales, pero puede diferir en la calidad del sonido o las técnicas de interpretación debido a la elección de materiales o alteraciones del diseño.

Los músicos suelen colaborar con vocalistas y percusionistas para crear paisajes sonoros ricos que resaltan tanto el arte individual como la celebración colectiva.

La importancia del orutu se extiende más allá de su musicalidad; encarna el patrimonio cultural y la identidad dentro de las comunidades del este de África. Como instrumento tradicionalmente asociado con la musicalidad masculina, los esfuerzos recientes de las intérpretes femeninas desafían las normas de género dentro de este panorama musical. Mujeres como Lorna Ochieng han surgido como figuras prominentes que abogan por un renovado interés en los instrumentos tradicionales al tiempo que rompen las barreras relacionadas con los roles de género en la música. Además, a medida que la globalización continúa influyendo en las culturas africanas, existe un creciente reconocimiento de los instrumentos tradicionales como el orutu como componentes vitales de la identidad nacional.

A continuación, varias interpretaciones musicales con los instrumentos de cuerda africanos:

Fuentes: Zeze – A Tanzanian Fiddle – An Empirical Research of the History, Structure,
and Playing of Wagogo’s and Waha’s Zeze
, de Ella Isotalo

Grandes violinistas – Pablo Sarasate

Pablo Sarasate, originalmente llamado Martín Melitón de Sarasate y Navascuéz, fue un violinista virtuoso y compositor. Nació el 10 de marzo de 1844 en Pamplona, provincia de Navarra,​​ España. Era hijo de Javiera Navascuéz y Miguel Sarasate, violinista militar. Sarasate inició su formación musical con su padre, adquiriendo así habilidades musicales desde muy temprana edad. Posteriormente continuó sus estudios en Galicia, donde comenzó a actuar como un joven virtuoso, habiendo dado su primer recital a los siete años. Cuando cumplió nueve años, Sarasate marchó a Madrid para continuar sus estudios de violín con el maestro Manuel Rodríguez, concertino del Teatro La Zarzuela. Durante estos años, la fama de Sarasate llegó hasta la Reina Isabel II de España, quien, en señal de admiración, le obsequió un violín Stradivarius y le ofreció una beca para continuar sus estudios en Francia.

En 1856 Sarasate fue a Bayona, Francia, pero rápidamente ganó popularidad en París, donde tenían lugar los eventos musicales más importantes de la época. Allí comenzó a estudiar en un conservatorio y también asistió a lecciones del famoso compositor y violinista Delphin Alard. A la edad de 12 años, Sarasate ganó el premio al estudiante más exitoso del Conservatorio de París.

Desde 1859 y en los años siguientes comenzaron las giras internacionales de Sarasate. Viajó a Gran Bretaña, Alemania, Portugal, Cuba y Rusia como solista. Su fama se extendió rápidamente por todo el mundo y pronto los más grandes compositores del momento comenzaron a crear obras dedicadas a este nuevo talentoso violinista español, apellidado Sarasate. Algunas de estas obras famosas son, por ejemplo: “Introducción y Rondo Capriccioso” y Concierto para violín n.º 1, op. 20 de Camille Saint-Saëns, “Sinfonía española” op. 21 de Edouard Lalo, Concierto para violín n.º 2 op. 22 de Henrik Wieniawski, Concierto para violín n.º 2 op. 44 de Max Bruch y otros.

En 1878 Sarasate cambió su nombre de Martín Melitón a Pablo. Le encantaba pasar las vacaciones de verano en su Pamplona natal y celebrar San Fermín con sus seres queridos. Fue invitado a menudo a celebraciones oficiales como principal solista y representante musical. Estas vacaciones de verano rodeado de la cultura española local inspiraron al autor a escribir su colección «Danzas españolas». En 1879 Pablo Sarasate creó en Navarra el primer grupo sinfónico español que lleva su nombre y que aún hoy sigue activo.

Sarasate murió el 20 de septiembre de 1908 en la ciudad de Biarritz, Francia, luego de una grave enfermedad pulmonar. Dejó numerosas contribuciones al arte. Fundó un conservatorio y una orquesta en Navarra que llevan su nombre. Además, Pablo Sarasate donó su violín Stradivarius al Conservatorio de Madrid. Asimismo, donó una suma de dinero que fue invertida y destinada a premios del concurso de violín. En 1910 se llevó a cabo el primer Concurso Nacional de Violín Pablo Sarasate, que continúa hasta el día de hoy.

Obras


Pablo Sarasate compuso más de 50 obras. Algunas de las más famosas son: “Aires Gitanos” opus 20, “Capricho Vasco” opus 24, “Fantasía sobre Temas de la Ópera Carmen” opus 25, “Serenata Andaluza” opus 28, “Bolero” opus 30, “Navarra” opus 33, «Introducción y Tarantella» opus 43 y otros.

Influencias del folclore español en las obras de Sarasate

A finales de 1877, Sarasate fue contratado por el publicista alemán Fritz Simrock para componer su colección de «Danzas Españolas». Para ello, Sarasate realizó una selección de canciones del folclore popular de España. Por esta razón los nombres de las obras corresponden a bailes populares de distintas zonas de España y Cuba. Esta recopilación de canciones populares también se realizó en otros países a finales del siglo XIX, siguiendo el ejemplo ruso con Rimsky-Korsakov, Hungría con Brahms, Finlandia con Sibelius, República Checa con Dvořák, Francia con Saint-Saëns o Noruega con Grieg. Muchos países han participado en la corriente llamada «nacionalismo musical», que presenta la música popular de todos los rincones del mundo a través de espectaculares obras solistas y sinfónicas. Este movimiento forma parte del periodo del Romanticismo y surgió a raíz del concepto de nación aparecido en el siglo XIX. Este estilo se expresa en la búsqueda y presentación de la identidad nacional. Pablo Sarasate, como muchos otros compositores de la época, participó activamente en la selección de música folclórica, así como en la composición de obras con temas folclóricos destacados.

Se dice que el folclore español de finales del siglo XIX estaba directamente relacionado con el género musical flamenco. Por este motivo, la combinación de escalas mayores y menores junto con escalas de estilo andaluz se puede encontrar a menudo en las obras de Pablo Sarasate. Para comprender esta elección melódica del autor es necesario analizar la estructura y armonía utilizadas en el flamenco.


La música flamenca es una selección de diversos cantos populares característicos de la etnia gitana del sur de España en el siglo XVII, consistente en interpretación vocal y palmas, sin acompañamiento instrumental. Las propias canciones tuvieron su origen en las diferentes culturas presentes hasta entonces en la Península Ibérica.

Desde 1860 En 1910, el flamenco se desarrolló añadiendo instrumentos a la interpretación vocal. Se convirtió así en el principal género representativo de la música española en todo el mundo. Esta época coincide con la vida de Pablo Sarasate, por lo que se puede establecer una asociación directa entre la obra de Sarasate y la música flamenca.

Cada canción del género Flamenco se puede clasificar según la escala o tono en el que se interpreta. Así se sabe que canciones del tipo Seguidilla, Marinette, Polo o Bambera fueron escritas al modo andaluz; Los romances están escritos en modo frigio o tono mayor; y las canciones denominadas Malagueñas, Tarantas, Granainas o Fandangos suelen escribirse en modo andaluz o tono mayor.


Pero además del flamenco, Sarasate ha realizado una selección de canciones populares originarias de otras zonas de España. Algunas de las obras de Sarasate, como la Jota Navarra, son características de las zonas del norte y no están tan directamente relacionadas con el flamenco. Suelen escribirse en tonalidades mayores o menores, a diferencia del modo andaluz (también llamado frigio), que suele estar presente en el flamenco.


El grupo de obras «Danzas Españolas» incluye dos piezas denominadas «Habanera», que representan el estilo musical cubano imperante en La Habana en ese momento.
Otro conocido ejemplo de Habanera es la famosa aria de soprano de la ópera Carmen, que también se encuentra en la Fantasía de Carmen de Sarasate. (* Un hecho destacable es que esta aria en particular fue compuesta en 1850 bajo el nombre «El Arreglito» por el compositor español Sebastián Iradier y más tarde la melodía fue agregada a la ópera Carmen en 1875, con modificaciones en el libreto.)

Para finalizar, te dejamos con la pieza «Zapateado» perteneciente a la colección de obras «Danzas Españolas» , interpretada por Midori Gotō, esperamos que la disfrutes

Grandes violinistas – Jean-Marie Leclair


Jean-Marie Leclair fue un violinista, bailarín y compositor, nacido en Lyon, Francia, el 10 de mayo de 1697, uno de seis hermanos, cinco de los cuales también se convertirían en músicos. A menudo se le llama «el mayor» para distinguirlo de un hermano menor también llamado Jean-Marie, que disfrutó de una carrera musical en su ciudad natal. No se sabe nada de sus primeros maestros, aunque sí sabemos que durante una década Leclair actuó tanto como bailarín como violinista. Su debut en el escenario seguramente tuvo lugar a temprana edad. A los diecinueve años se casó con una bailarina de la Ópera de Lyon, Marie-Rose Casthanie. En 1722 se incorporó al Teatro Regio de Turín como primer bailarín y maestro de ballet. A pesar de todas sus responsabilidades, encontró tiempo para componer tres intermedios para Semiramide, una ópera de Giuseppe Maria Orlandini.

Leclair llegó a París en el otoño de 1723. Allí publicó su primer libro de sonatas para violín con bajo continuo. Al año siguiente regresó a Turín, donde ocupó un puesto de “primer bailarín” en el Teatro Regio. Fue allí donde conoció a Joachim Quantz y estudió técnica de violín con Giovanni Battista Somis, alumno de Corelli, un encuentro que lanzaría su carrera como violinista. Leclair pronto regresó a París. En 1728, publicó su Segundo libro de sonatas para violín y/o flauta travesera. Leclair siguió una carrera virtuosa tanto en su país como en el extranjero. Se convirtió en un intérprete habitual del “Concert Spirituel”, la primera sala de conciertos públicos de Francia, donde la precisión y el refinamiento de su interpretación le brindaron un gran seguimiento.

En Francia, el violín no alcanzó la prominencia que disfrutó en Italia a mano de grandes compositores y virtuosos. Aunque se había establecido bien en las orquestas ya a mediados del siglo anterior, el instrumento prácticamente no tenía seguidores en el repertorio de cámara. Bajo el impulso del estilo italiano, la técnica del violín había comenzado recientemente a desarrollarse gracias a los esfuerzos de Louis Francoeur y Jean-Baptiste Senaille. Pero los dos primeros libros de Leclair destacaron tanto por su originalidad como por su dificultad de ejecución, como el público musical reconoció rápidamente. En 1734 fue nombrado Primer Sinfonista del Rey; en agradecimiento a Luis XV dedicó su Tercer Libro.

En 1737, Leclair viajó a Holanda, donde fue recibido calurosamente por la Princesa de Orange en Leeuwarden. Fue a ella, que había estudiado clavecín con Händel, a quien dedicó su Cuarto (y último) Libro de Sonatas. En Ámsterdam, volvió a encontrarse con Locatelli, con quien estableció una cordial relación profesional y a quien finalmente convenció para que publicara en París los conciertos y caprichos de su «Arte del Violino». En 1740 estuvo en La Haya dirigiendo la orquesta privada del rico aventurero François du Liz. Tres años más tarde, tras la quiebra de su benefactor, Leclair regresó a París. Allí se dedicó a la composición de su única ópera, Escila y Glauco, representada en la Academia Real de Música el 4 de octubre de 1746.

En 1758 dejó a su segunda esposa para instalarse en una vivienda destartalada en la rue Careme-Prenant, en un distrito remoto y abandonado, habiendo rechazado una oferta de hospitalidad del duque de Gramont.

Fue allí, el 22 de octubre de 1764, donde fue apuñalado hasta la muerte en circunstancias que, a pesar de una investigación exhaustiva, nunca se esclarecieron. Jaques Paysant, el jardinero que descubrió el cadáver a la mañana siguiente, se convirtió en el primer sospechoso; había estado encarcelado dos veces y su testimonio contenía varias contradicciones aparentes. Pero el asesino era casi con certeza Guillaume-François Vial, el sobrino de Leclair que, sin éxito, «persiguió a su tío para que pudiera hacerlo entrar al servicio del duque de Gramont». La muerte de Leclair tuvo un fuerte impacto; un comentarista escribiría que el asesino o los asesinos eran «monstruos que no pertenecían ni a su país ni al siglo».

Obras

Leclair publicó trece opus de sonatas y conciertos para violín, así como sonatas para dúo y trío. Su producción, relativamente modesta para la época, y el alto nivel técnico y musical de sus composiciones le valieron el reconocimiento como el «Corelly de la France». Sin embargo, desde el punto de vista estilístico y formal, sus doce conciertos siguieron más de cerca los pasos de Vivaldi.

El legado musical de Leclair se basa principalmente en un pequeño pero atractivo número de composiciones para violín. En sus mejores momentos, sus obras encarnaban la sencillez combinada la mayoría de las veces con un espíritu serio y reflexivo.

Estuches de violín – ¿Cuál elegir?

Usar un buen estuche es esencial a la hora de transportar tu violín de un lugar a otro, viajar o simplemente para guardar tu violín sin que sufra daños. Si tienes dudas acerca de qué tipo de estuche para violín es mejor para ti, hoy vamos a mostrarte algunos tipos de estuches de violín categorizados según su forma, material, compartimentos o diseño.

Tipos de estuches de violín según su forma:

Estuches de violín con forma de silueta de violín

Estuche con forma de violín

Este tipo de estuches de violín actualmente suelen ser realmente ligeros y compactos. Son ideales si buscas algo que te permita andar con facilidad o montar en bici. No obstante, estos estuches quizás dispongan de espacio solamente para un arco y no suelen contar con un compartimento especial para las partituras, en todo caso, puede que incluyan una carpeta o un bolsillo que se adhiera al exterior del estuche con botones.

Estuches de violín rectangulares

Estuche de violín rectangular

Los estuches de violín rectangulares sí que suelen contar con espacio para dos arcos y con varios compartimentos, siendo uno de ellos adecuado para las partituras. En muchos casos también se presentan con varios accesorios, como un tubo para almacenar las cuerdas y un controlador de humedad.

Estuches de violín con forma de media luna

Estuche media luna

Su forma es más estilizada que los estuches rectangulares, pero cuenta con varios compartimentos para almacenar tus accesorios, a diferencia de los estuches con forma de silueta de violín, que solo cuenta con un compartimento pequeño en el interior.

Las medidas de los estuches de violín pueden variar según el tamaño del violín y según el modelo de estuche. En caso de que lo necesites para viajar en avión, es aconsejable que también consultes las medidas y tamaños de estuches permitidos según tu compañía aérea antes de hacer tu elección. Si viajas en autobús o tren con tu violín, considera que un estuche de superficie lisa puede deslizarse por el movimiento o caer desde las zonas designadas para el equipaje. Asegúrate de que esté bien sujeto.

El peso de los estuches de violín puede variar de entre 1,5 kg a 3 kg, dependiendo del material y la forma.

Tipos de estuches según su material

Estuches de violín de madera

Estuche clásico de madera interior terciopelo

Un estuche de madera tradicional es resistente, protector y duradero. Los estuches de violín de madera son sólidos y resistentes a los golpes y a la presión. Tienen un buen control de la humedad y vienen en una variedad de formas y tamaños para diferentes necesidades. Son relativamente económicos, en comparación con los compuestos de alta gama.

Estuches de violín de fibra de carbono o fibra de vidrio

Estuche fibra de carbono

Si estás buscando un estuche más colorido y llamativo, los estuches de fibra de vidrio son maravillosos. El peso y el nivel general de protección son comparables a los estuches de madera. Todos vienen con una cubierta protectora contra rayones que se puede quitar y volver a colocar fácilmente cuando sea necesario. Están disponibles en una increíble variedad de colores.

Estuches para violín de materiales compuestos

Si necesitas un estuche de alta protección para tu instrumento que sea de alta gama, pero también necesitas que el estuche sea liviano, entonces un estuche de materiales compuestos es lo ideal para ti. Los estuches de materiales compuestos son más difíciles y costosos de fabricar que los de madera.

Otros tipos de estuches de violín

Estuches de violín con varios compartimentos

Estuche de violín con compartimentos y bolsillos

Ideales para viajes largos y giras musicales. Todo músico que viaje a menudo necesita tener a mano los accesorios e imprescindibles tales como las partituras, la almohadilla, la resina o incluso un atril. A veces un estuche de violín puede almacenar los zapatos y tu atuendo para los conciertos, por esta razón los estuches de violín con numerosos compartimentos pueden resultar muy prácticos.

Estuches para dos violines

Si usas varios instrumentos a menudo, estos estuches son ideales para ti.

Estuches de violín con diseños especiales

Si estás buscando un estuche de violín que destaque por su diseño y color, puedes optar por los estuches de fibra de vidrio de colores. Algunos de sus diseños son verdaderas obras de arte.