Grandes violinistas – Joseph Joachim

El violinista Joseph Joachim, el menor de siete hijos, nació el 28 de junio de 1831 en Kittsee, un pequeño pueblo cerca de Pressburg, actual Eslovaquia. Su padre era comerciante. A la edad de un año, su familia decidió establecerse en Pest.

La educación musical de Joseph Joachim comenzó con la guitarra, que solía servir de acompañamiento en las prácticas vocales de su hermana mayor, hasta que un día su padre le trajo de la feria un violín infantil. Este se convirtió en su compañero inseparable y pronto comenzó a adquirir buen sonido. Todo lo que oía, lo reproducía después en su instrumento. Así continuó hasta los seis años, cuando comenzó a recibir clases. Tuvo la buena fortuna de encontrar a un maestro experimentado y concienzudo, Servaczinski, a quien le debía la adquisición de esa temprana y segura «técnica» que constituye la base indispensable de toda vocación artística.

Antes de cumplir siete años, Joseph Joachim ya había ganado sus primeros premios musicales. Dos tíos suyos vivían en Viena, quienes prometieron cuidar del futuro de su sobrino. Más tarde estuvo bajo la tutela de George Hellmesberger. Este artista, tras instruir a Joseph durante casi un año, declaró inesperadamente que la mano derecha de su alumno estaba demasiado débil para manejar el arco con la energía necesaria. Justo en ese momento, el famoso violinista Ernst celebraba brillantes triunfos en la capital austriaca. El joven Joseph acudió apresuradamente a él y le contó su difícil situación, encontrando una cálida recepción y recibiendo ayuda real. Gracias a la mediación del virtuoso, el excelente maestro de Ernst, Bohn, recibió al niño en su propia casa. Transcurridos tres años, no había nada que pudiera enseñarle a su alumno. La formación del violinista estaba completa; la del artista aún estaba por comenzar.

En los años treinta y cuarenta del siglo XIX, Leipzig era el centro indiscutible de la vida musical alemana. La riqueza musical que poseía la época actual cobró forma creativa en las personas de Mendelssohn y Schumann. Para ambos, Leipzig se había convertido en su segundo hogar. Allí, en el recién erigido Conservatorio de Música y en las antiguas y renombradas interpretaciones de la Gewandhaus, se podía encontrar la fuente de toda enseñanza y estímulo artístico. Una prima de Joachim, con quien en sus inicios había practicado diligentemente las sonatas de Beethoven, se había casado y establecido en Leipzig. A pesar de la oposición de sus tíos, Joseph Joachim se mudó a Alemania.

Sabemos que Mendelssohn se hizo cargo de Joseph Joachim, cuyo auténtico prestigio artístico su agudo ojo experimentado reconoció a primera vista. Lo ayudó incansablemente, brindándole consejos y ayuda material. En el invierno de 1844, Joachim ya tocaba en público en Leipzig y al año siguiente siguió a Mendelssohn a Londres. Con su interpretación de Beethoven, Joachim sentó las bases de su extraordinaria popularidad en Inglaterra. Desde entonces, numerosas temporadas en Londres lo han recibido como invitado de honor.

Tras regresar a Leipzig, se convirtió en miembro de la orquesta de la Gewandhaus, que también era la del teatro cuando se representaba ópera. Allí tuvo la gran oportunidad de conocer la orquesta en su conjunto, así como la naturaleza de cada instrumento individual. En el otoño de 1849, con el título de concertino, se trasladó a Weimar, donde Liszt era muy popular y reunía a su alrededor a toda la juventud musical de Alemania. Esta nueva esfera de actividad no atrapó por mucho tiempo a nuestro joven artista; pues en 1851, recibió una llamada a Hannover como director principal de los Conciertos Sinfónicos que se establecieron allí durante ese invierno.

En 1863 se casó con Amalie Weiss, por aquel entonces prima donna del Teatro de la Corte, y tras la guerra prusiano-austriaca, se estableció en Berlín.

Entre todos los virtuosos de aquel momento, Joseph Joachim ocupaba sin duda el primer lugar. Además, Joachim tenía un especial interés en la música de cámara. También es conocido como compositor, especialmente por su Concierto Húngaro; mientras que como director de la Hochschule für Musik de Berlín, Joseph Joachim cosechó un éxito notable.

Joseph Joachim fue obsequiado con un violín Stradivarius en 1899 con motivo de la celebración del Jubileo por el 50.º aniversario de su recital de debut en Londres. Este excepcional violín había sido fabricado en 1715 por Antonio Stradivari y se llamaba «Il Cremonese». Este tipo de celebraciones y regalos no es infrecuente en la carrera de Joachim, lo que refleja su inmensa popularidad y la admiración que despertaba. El 4 de mayo de 1904, se organizó un «Jubileo de Diamante» en su honor para celebrar el 60.º aniversario de su primera aparición en Londres, demostrando una vez más sus estrechos vínculos con Inglaterra. Joachim recibió un discurso y un retrato suyo realizado por John Singer Sargent. El propio Primer Ministro asistió al evento.

La fuerte reacción que provocó la muerte de Joachim el 15 de agosto de 1907 se puede apreciar en numerosos obituarios, panegíricos, artículos periodísticos y cartas de amigos que lamentaban la pérdida de un gran hombre. Joachim fue reconocido no solo por su talento musical, sino también por su gran calidad humana.

Grabación Joseph Joachim

Grandes violinistas – Anna Maria della Pietà

Anna Maria della Pietà, que en un principio recibía el nombre de «Chiara», fue acogida por el orfanato Ospedale della Pietà de Venecia, cuando tenía solamente dos meses de vida. La fecha exacta de su nacimiento se desconoce, pero se cree que fue en el año 1696. Durante su infancia pasó a ser conocida como Anna Maria dal Violin y durante su vida adulta como Anna Maria della Pietà. El sacerdote y compositor Antonio Vivaldi fue su maestro, y ella fue, evidentemente, una de sus alumnas favoritas, pues le dedicó 28 conciertos para violín.

Anna Maria llegó a gozar de una magnífica reputación durante su vida como una de las mejores virtuosas del violín de Europa; varios viajeros y críticos contemporáneos la elogiaron. A pesar de su estatus de clausura en «la Piedad», se convirtió en el equivalente a una celebridad en el siglo XVIII.

La devoción, la modestia, la buena conducta, el silencio, la obediencia y el evitar la ociosidad eran los requisitos básicos para sobrevivir en la Piedad. Aunque sus ascensos fueron tardíos en comparación con los de sus compañeras, Anna Maria ascendió en el coro hasta alcanzar la cima de la música, dominando seis instrumentos además del violín, y llegando a ser concertina y directora de la orquesta de la Piedad. Vivió hasta la asombrosamente avanzada edad de 86 años, para la época.

Desafortunadamente aún se desconocen bastantes datos sobre la vida de Anna Maria della Pietà puesto que, a pesar de ser toda una celebridad en el mundo de la música, existen muy pocos documentos escritos y publicados sobre ella. No obstante, puedes conocer más detalles sobre la vida y carrera de Anna Maria della Pietà en el libro «La violinista» de Harriet Constable y también en el libro «Las vírgenes de Vivaldi«, de Barbara Quick.

A continuación podrás oír algunos de los conciertos compuestos por A. Vivaldi y dedicados a su alumna Anna Maria della Pietá:

Violin Concerto en D menor (RV 248)

Violin Concerto en B-bemol (RV 363)

Concierto para mandolina en C (RV 425)

Grandes violinistas – Regina Strinasacchi

Regina Strinasacchi fué una importante violinista, guitarrista y compositora, nacida en Ostiglia, cerca de Mantua, quizás en 1761, o en 1764 (lamentablemente la fecha es incierta). Estudió en el Hospital «della Pietà» de Venecia: una institución que era al mismo tiempo convento, orfanato y conservatorio, donde las niñas recibían una rigurosa y amplia educación musical. De hecho, entre los profesores de la escuela de música se encontraban nombres como Antonio Vivaldi y Francesco Gasparini. Allí Regina aprendió a tocar el violín y la guitarra y también a componer música, demostrando inmediatamente un excelente gusto musical. De algunas cartas de contemporáneos se entiende que Regina comenzó a actuar en público a muy temprana edad, por ello era admirada no sólo por su virtuosismo con el violín, sino también por la habilidad que demostraba con el paso de los años.

Después de su paso por el Ospedale della Pietà, probablemente tuvo la oportunidad de viajar a algunos países europeos para actuar. Alrededor del 1784 llegó a Viena, donde conoció a Wolfgang Amadeus Mozart. El compositor austríaco asistió a una actuación de la famosa violinista de Mantua y quedó tan impresionado que decidió componer una sonata (la Sonata K 379 en sol mayor para violín y piano) para tocar junto con Regina.

La pareja actuó junta en un teatro vienés (el Theater am Kärntnertor) el 29 de abril de 1784, tocando también la Sonata K454 en si bemol mayor para violín y piano, en presencia del emperador del Sacro Imperio Romano Germánico José II. La Sonata K454 requiere una interpretación difícil que da testimonio de la altísima opinión que Mozart tenía de Strinasacchi y de su talento musical.

En ese momento Regina tenía aproximadamente 23 años; Leopold Mozart, el padre de Wolfgang, en una carta dirigida a su hija en la que le contaba sus impresiones del concierto, aplaudió su talento y describió cómo la niña era capaz de infundir una fuerte pasión y emoción en cada nota. El acontecimiento también es recordado por la famosa anécdota según la cual Mozart, en aquella ocasión, tocó el piano de memoria y sin partitura (algunos dicen que el compositor no había terminado de escribir la parte de piano, y por tanto tuvo que improvisar sobre la marcha)

Probablemente fue durante sus giras europeas cuando Regina conoció a Johann Conrad Schlick, un compositor, violonchelista y director de orquesta alemán, originario de Mansbach. Los dos se casaron en 1785 y comenzaron a actuar juntos como un dúo de violín y violonchelo. En 1801 tuvieron un hijo, Johann Friedrich William, que también estaba destinado a convertirse en músico y fabricante de violines. Hacia finales del siglo, Regina Strinasacchi fue admitida en la Orquesta de Gotha; un acontecimiento absolutamente extraordinario para una mujer. Además de tocar y componer, se dice que Regina también dirigió la orquesta en alguna ocasión.

Se conoce que tras la muerte de su marido se trasladó a Dresde con su hijo. Murió allí (aunque algunos afirman que murió en Gotha), en el año 1839.

A continuación puedes escuchar la Sonata K454 en si bemol mayor para violín y piano, compuesta por W. A. Mozart para Regina Strinasacchi.

Grandes violinistas – Jean-Delphin Alard

Jean-Delphin Alard fue un renombrado violinista y compositor francés del siglo XIX. Nacido el 8 de marzo de 1815 en Bayona, Francia, es hijo de Jean Allard y Jeanne-Marie-Bertrande Julien. Alard destacó por su virtuosismo en el violín y su gran contribución a la pedagogía del instrumento. Comenzó su formación musical en su ciudad natal, pero más tarde estudió en el Conservatorio de París. Fue alumno de François-Antoine Habeneck y François-Joseph Fétis. Sucedió a Pierre Baillot como profesor de violín de 1843 a 1875.


A partir de 1831 también desarrolló su carrera como instrumentista, primero en la orquesta de la Ópera y luego como concertino del rey. Napoleón III lo nombró primer solista de la Capilla Imperial en 1858.

Fue un excelente maestro, Pablo de Sarasate y Adolf Pollitzer se encuentran entre sus alumnos. También desempeñó un papel destacado en la música de cámara de su tiempo.

Obras

Entre sus publicaciones se encuentran:
– La Escuela de Violín (Ecole du violon), valiosa obra didáctica (París, 1844);
– Los Maestros Clásicos del Violín (Les Maitres classiques du violon) selección de obras clásicas.
También compuso dos conciertos para violín y orquesta, tres conciertos sinfónicos, fantasías para violín y orquesta o violín y piano, un cuarteto de cuerda, dúos para piano y violín y estudios.

Se casó con Jeanne-Émilie Vuillaume, (1827-1889), hija del gran luthier Jean Baptiste Vuillaume. De esta unión nacieron dos hijas: Jeanne-Marie-Delphine Alard, (1850-1945) y Victorine-Adèle Alard, (1853-1942).

Alard falleció en París en 1888, pero su impacto en el mundo del violín sigue siendo reconocido, especialmente en el ámbito pedagógico.

Estilo y Contribuciones


Jean Delphin Alard fue un ferviente defensor del violín como instrumento solista y trabajó incansablemente en la evolución de la técnica y estilo violinístico de la época. Era conocido por combinar la elegancia del estilo francés con una técnica virtuosa que era típica de las escuelas de violín más avanzadas de Europa.

Legado

El legado de Alard no solo se refleja en sus composiciones, sino también en sus enseñanzas. La escuela de violín francesa debe mucho a su influencia y su alumno, Pablo de Sarasate, llevaría este estilo a nuevas alturas en los escenarios de todo el mundo. Como pedagogo, Alard dejó una marca duradera en la formación de violinistas y en la técnica moderna del instrumento.

A continuación puedes ver los 24 estudios/capriccios para violín de Jean-Delphin Alard, esperamos que los disfrutes

Grandes violinistas – Louis Spohr

Louis Spohr, nacido el 5 de abril de 1784 en la ciudad de Braunschweig (parte de la entonces Prusia), fue un virtuoso del violín, compositor, músico de cámara, director de orquesta, pedagogo y escritor musical.
A los cuatro o cinco años recibió sus primeras lecciones de violín del maestro de escuela del pueblo. Pronto pudo acompañar a su padre, que tocaba la flauta, y a su madre, una competente cantante y pianista, en sus veladas musicales. Su repertorio mostraba el estilo ligero típico de la época e inspiró al Louis Spohr de doce años a escribir sus primeras composiciones. Más tarde comenzó a recibir clases del profesor de violín Dufour, lo que le permitió seguir su deseo de convertirse en músico profesional.

 

En 1797 Spohr comenzó a recibir lecciones de violín de un miembro de la capilla de la Corte de Braunschweig. Medio año después comenzó a asistir a clases con el concertino de la capilla, Charles Louis Maucourt. Al mismo tiempo asistió a la escuela St. Catherine y participó en varios conjuntos de música de cámara.

A los quince años fue contratado como violín segundo en la capilla de la corte en 1799. Compuso conciertos para violín y obras de música de cámara. Su primer alumno fue su hermano Ferdinand, quien más tarde lo seguiría en las orquestas de Gotha, Viena y Kassel y que compondría partituras de piano para acompañar sus composiciones.

A los dieciocho años, Spohr recibió una beca concedida por el duque que le permitió acompañar al virtuoso Franz Eck en una gira de conciertos desde Hamburgo hasta San Petersburgo. En esta Spohr recibió una intensa formación en violín, demostró su talento como músico de cámara y concertino, compuso su Concierto para violín op. 1 así como dos de los Duetos para violín op. 3, y aprendió el oficio de un virtuoso viajero: cómo organizar conciertos públicos y cómo publicitar dichas actuaciones participando en «fiestas musicales» privadas. Durante la gira por Rusia comenzó un diario, que más tarde le sirvió de base para escribir sus memorias.

Después de su regreso a Braunschweig en 1803, fue ascendido a primer violín en la Capilla de la Corte. Profundamente impresionado por el concierto de Pierre Rode en julio de 1803 en Braunschweig, buscó adquirir la técnica del violín francesa y el estilo de interpretación cantabile y completó los Conciertos para violín WoO 10, WoO 12 y op. 2 en preparación para una gira de conciertos. Las excelentes críticas atrajeron la atención del director artístico de la Capilla de la Corte de Gotha, que necesitaba un concertino. Después de una audición exitosa, Spohr comenzó a trabajar el 1 de octubre de 1802 a los veinte años (habiendo mentido sobre su edad). Durante los siete años siguientes, Gotha ofreció a Spohr un entorno ideal para su crecimiento intelectual y artístico. Allí Spohr impartió lecciones intensivas de violín a veinte estudiantes.

En Gotha Spohr también encontró la felicidad personal. Después de romper su compromiso con la cantante Rosa Alberghi, en 1806 se casó con la arpista Dorette Scheidler. La pareja tuvo dos hijas en 1807 y 1808. Spohr ensayó sus nuevas composiciones con la Orquesta de la Corte, a la que elevó a un nivel artístico superior. Si anteriormente los conciertos para violín, dúos y cuartetos habían dominado sus composiciones, ahora mostró interés por explorar todos los géneros:
• Compuso la Obertura de Concierto op. 12 (1806) y su primera ópera Die Prüfung (1806). A estas obras siguieron dos óperas más: Alruna (1808) y Der Zweikampf (1811).
• Escribió tres obras importantes para los primeros festivales de música en el sentido moderno, en Frankenhausen y Erfurt: un concierto para clarinete (1810) y el oratorio Das jüngste Gericht (1812).

 

En 1813 aceptó un puesto como maestro de capilla y director de orquesta en el teatro de Viena. Spohr entró en estrecho contacto con Beethoven y otros artistas vieneses; gracias a un generoso encargo de un empresario pudo dedicarse a componer obras de música de cámara y encontró tiempo para embarcarse en dos proyectos compositivos a gran escala, su ópera Fausto (1813) y la cantata Das befreite Deutschland (1814).

El estreno de Fausto tuvo que tener lugar  en Praga el 1 de septiembre de 1816 bajo la batuta de Weber. Después de una interpretación muy aclamada de su Concierto para violín op. 38 Spohr abandonó Viena en marzo de 1815 y realizó una gira de dos años con su esposa.

En 1817 le ofrecieron un puesto como director de ópera y música del Teatro Municipal de Frankfurt. Abandonó Frankfurt en septiembre de 1819, habiendo aceptado previamente un contrato con la Sociedad Filarmónica de Londres. Sus interpretaciones en Londres de sus propios conciertos para violín y la recién compuesta Segunda Sinfonía en 1820 sentaron las bases de su fama en Inglaterra.

Weber recomendó a Spohr para un puesto vacante como maestro de capilla de la corte en Kassel y así comenzó su contrato en enero de 1822. Adoptó un repertorio progresivo, con hasta 40 nuevas producciones, desde Mozart hasta Meyerbeer, en una sola temporada.

Durante este período se dedicó más a la enseñanza, lo que también dio lugar a su Método del violín (Violinschule, 1833). A él acudían estudiantes de todo el mundo para recibir una educación integral. Sin embargo, los crecientes problemas de salud y el empeoramiento de la situación política frenaron su creatividad. Sintió el impacto de una atmósfera política cada vez más represiva, que no se benefició de la Revolución de 1830 ni de la nueva constitución. El Teatro de la Corte fue cerrado en 1833 a raíz de la Revolución.

Aunque desde mediados de la década de 1830 Spohr sintió que su energía creativa disminuía cada vez más, no dejó de componer música. Sus giras por Alemania e Inglaterra fueron verdaderos triunfos. Su idílica casa en Kassel se convirtió en el destino de peregrinación de violinistas y compositores de todos los países occidentales. Como muchos otros músicos jóvenes, Johannes Brahms también viajó a Kassel para encontrarse con Spohr en agosto de 1858. Lo que contribuyó a la reputación de Spohr fue que apoyó eficiente y generosamente a muchos compositores jóvenes, entre ellos Wagner.

En 1857 fue jubilado contra su propia voluntad y tuvo que reducir sus movimientos tras romperse el brazo izquierdo. Dos años después falleció a causa de una enfermedad. 

Contribuciones de Spohr

Como violinista adoptó y desarrolló la técnica virtuosa y el estilo expresivo de la escuela francesa y se convirtió en el principal representante de la escuela romántica alemana.

Como músico de cámara, aplicó un concepto novedoso de interpretación que defendía la fidelidad a la composición y requería que el intérprete transmitiera las intenciones del compositor. En la estética de Spohr, servir al compositor significaba que el artista ejecutara diligentemente la partitura anotada. Su creencia en la interpretación fiel lo llevó a abrazar el recién inventado metrónomo e incluso a pedir a los músicos que consideraran que los violinistas de la época barroca habían utilizado instrumentos diferentes a los que tocaban a principios del siglo XIX. Spohr enseñó estos principios y su técnica de ejecución a sus más de 200 estudiantes de violín.

Como director, Spohr estableció altos estándares de perfección y ensayo. Como director artístico de grandes festivales de música, influyó en la incipiente cultura musical de la clase media. Como escritor musical, unió la búsqueda de la ilustración con la creciente confianza en sí mismos de la clase media, que transfirió a la posición de artista.

Obras para violín de Louis Spohr:

Violin Concerto No.1 in A Major, Op.1
Violin Concerto No.2 in D Minor, Op.2
Violin Concerto No.3 in C Major, Op.7
Violin Concerto No.4 in B Minor, Op.10
Violin Concerto No.5 in E-Flat Major, Op.17
Violin Concerto No.6 in G Minor, Op.28
Violin Concerto No.7 in E Minor, Op.38
Violin Concerto No.8 in A Minor, Op.47, «»In Modo Di Scene Cantante»
Violin Concerto No.9 in D Minor, Op.55
Violin Concerto No.10 in A Major, Op.62
Violin Concerto No.11 in G Major, Op.70
Violin Concerto No.12 in A Major, Op.79
Violin Concerto No.13 in E Major, Op.92
Violin Concerto No.14 in A Minor, Op.110, «Sonst und Jetzt»
Violin Concerto No.15 in E Minor, Op.128
Violin Concerto in G Major, WoO 9
Violin Concerto in E Minor, WoO 10
Violin Concerto in A Major, WoO 12

Además Spohr escribió numerosos estudios para técnicas de violín, reunidos en dos libros de seis estudios cada uno.

Su obra ahora más famosa, el Concierto para violín n.º 8, causó sensación en su estreno en La Scala de Milán el 27 de septiembre de 1816. Está escrito con el espíritu de una canción, combinando una cualidad cantabile con el drama e incluyendo el único ejemplo de una cadencia solista tradicional en los conciertos de Spohr.

 

Curiosidades sobre Louis Spohr:

– Se conoce que Spohr fue el inventor de la barbada o mentonera del violín, pieza de gran importancia para la comodidad del violinista así como para posibilitar el cambio de posiciones.

 

Paganini le regaló a Spohr un retrato en cera de sí mismo y Spohr invitó a Paganini a Wilhelmshöhe, donde asistieron a una representación de la ópera «Fausto» de Spohr.

Para finalizar te dejamos con la tercera parte del concierto n. 6 en sol menor de Louis Spohr, esperamos que los disfrutes

Grandes violinistas – Maddalena Laura Lombardini Sirmen

Maddalena Laura Lombardini fue una violinista, compositora y cantante nacida en Venecia durante el s. XVIII. Parece que existieron dudas acerca de su fecha exacta de nacimiento, pero actualmente se cree que fue bautizada el 13 de diciembre de 1745.

Sus padres eran de la nobleza, pero no poseían riquezas; no hay evidencia de que fueran músicos, aunque la formación musical era muy común como parte de la educación de la clase alta en ese momento. Maddalena había mostrado un talento significativo y notable en 1753, cuando comenzó su educación en el Ospedale di San Lazaro e dei Mendicanti, donde se admitían alumnos desde una edad temprana. Originalmente un hospital de leprosos, en el siglo XVII esta institución adquirió un orfanato de niñas especializado en la enseñanza de música, cuando el padre de Antonio Vivaldi enseñaba allí. Sus miembros formaron orquestas que tocaban para los viajeros visitantes. En la época de Lombardini, el orfanato buscaba activamente niñas con talento musical y no está claro si Maddalena era huérfana o si sus padres simplemente decidieron inscribirla allí; pero se conoce que fue «reclutada» al menos en parte por motivos musicales, particularmente como violinista, aunque como era común entonces también cantaba y tocaba instrumentos de teclado.

Giuseppe Tartini aceptó a Maddalena Lombardini como alumna y aprendiz a la edad de 14 años. No sólo se le concedió permiso para viajar desde el orfanato para estudiar con el propio Tartini en Padua, sino que él mismo pagó su matrícula musical dentro de la institución.
Durante su tiempo de estudio con Tartini y en el Ospedale, Lombardini se fijó en la aspiración de convertirse en violinista profesional. Las cantantes de ópera eran frecuentes en gran parte de Europa en esa época, pero las instrumentistas en activo eran realmente excepcionales.

A los 21 años (1767) obtuvo su licencia de maestra en el orfanato. Esto era un equivalente a la licencia de oficial que obtenían los artesanos al completar su aprendizaje y le otorgaba el permiso de los gremios de músicos para trabajar como músico más allá de la república veneciana. Por otro lado, se casó con el también violinista Ludovico Sirmen.
A partir de su matrimonio, la mayoría de las fuentes contemporáneas utilizan su apellido de casada de Sirmen, más a menudo escrito Syrmen en ese momento y ocasionalmente Ceriman. También se puede encontrar en las portadas de sus composiciones con el nombre de Lombardini Sirmen o Lombardini-Sirmen.

Los recién casados Sirmens emprendieron inmediatamente una gira como viajeros virtuosos, carrera que Maddalena seguiría durante los siguientes 20 años. Aparecieron juntos en Faenza, Turín y París en el transcurso de 1767-1779. El dúo de marido y mujer ciertamente proporcionó a los Sirmens un «gancho» obvio y a menudo tocaron conciertos conjuntos en esta gira. En ese momento, muchos solistas escribían gran parte de su propio repertorio. De esta forma, el concierto para violín doble que los Sirmens interpretaron en París en agosto de 1768, fue anunciado como una composición conjunta.

También en 1769, Maddalena dio a luz a una hija, Alessandra. Sin embargo, a finales de 1770, Ludovico había regresado a un puesto en Rávena, llevándose a Alessandra con él y pronto se vinculó abiertamente con una condesa Zerletti o Zirletti. De manera muy inusual, Maddalena mantuvo el control de sus propias finanzas durante todo el matrimonio.

Maddalena Sirmen continuó su gira como solista desde París a Lieja, Ámsterdam y Londres, donde debutó en el King’s Theatre en enero de 1771. Allí estrenó su primer concierto para violín solista ese año y claramente encontró un éxito considerable cuando regresó para actuar en las temporadas de los dos años siguientes. También interpretó al menos un concierto para clave como solista, en la serie de suscripción Bach-Abel (durante muchos años, el pináculo de la vida concertística de Londres).

Además de Londres, Sirmen viajó y actuó en Francia, la actual Alemania e incluso Rusia durante los siguientes 14 años, lo que constituyó su carrera interpretativa. También publicó tríos, dúos, cuartetos y conciertos.

Sin embargo, para su tercera temporada en Londres (1773), Sirmen cambió su papel principal de violinista a cantante, aunque continuó actuando ocasionalmente como violinista durante más de una década más. No obstante, su canto nunca llegó a recibir tantos elogios de la crítica como su forma de tocar el violín.
En la temporada de 1783 fue la protagonista femenina del Teatro Imperial de San Petersburgo.
En el año 1785, en París, parece haber sido su último concierto como violinista.

Sirmen se mantuvo financieramente astuta y logró invertir productivamente algunas de sus ganancias además de vivir de ellas y enviar dinero a Ludovico. A finales de la década de 1780, pudo retirarse a Venecia.

Los compositores y, más aún, los intérpretes fueron rápidamente olvidados en las modas rápidamente cambiantes de la música artística del siglo XVIII y principios del XIX, especialmente si no formaban parte de un canon muy pequeño de «grandes». (En el momento de la jubilación de Sirmen, Inglaterra tenía una «Academia de Música Antigua» que generalmente comenzaba a tocar piezas unos 30 años después de su primera publicación.) Durante la mayor parte de los siglos XIX y XX, Lombardini Sirmen sólo fue recordada como alumna de Giuseppe Tartini, mucho más específicamente, como destinataria de una extensa carta, en realidad un tratado, sobre la técnica del violín, muy utilizada como recurso sobre la interpretación histórica y la práctica interpretativa.

La carta de Tartini a Maddalena está disponible en IMSLP, aquí.

Sin embargo, a finales de la década de 1980 esto comenzó a cambiar y en los últimos años se ha visto un aumento gradual, aunque irregular, de la inclusión de Sirmen en historias y libros de referencia; en ediciones de las composiciones; y en grabaciones y programación de conciertos de algunas de las obras, principalmente los cuartetos y conciertos.

Obras:

  • “Seis tríos para dos violines con violonchelo obligado”
  • “Seis cuartetos para dos violines, contralto y bajo”
  • “Seis duetos para violín, dedicados al Duque de Gloucester”
  • “Seis conciertos para violín, oboe, dos cornos y cuerdas”
  • “Seis sonatas para dos violines”
  • “Seis conciertos adaptados para el clavicordio por Giordani”

Grandes violinistas – Carlo Farina

Carlo Farina fue un violinista y compositor italiano, nacido en 1604 en Mantua, Lombardía, Italia. Su educación musical se desconoce. Sin embargo, es posible que su padre le hubiera enseñado sus primeras lecciones de música, en el caso de que su padre fuera Luigi Farina de Casalmaggiore, un notable violista de Mantua.

Obras

La música para violín de Farina tuvo una gran influencia en muchos compositores alemanes, en particular en David Cramer, Johan Vierdanck y Johan Schop. Las obras de Farina consisten exclusivamente en música para violín. Estas fueron publicadas en su mayoría durante su estancia en Dresde, Alemania. Las publicaciones incluyen cinco volúmenes impresos, en generalmente piezas de danza, sonatas, canciones y sinfonías. Las piezas de danza reflejan la música de consorte originaria del norte y centro de Alemania a principios del siglo XVII, mientras que sus sonatas, en particular los libros primero, cuarto y quinto, reflejan claramente su herencia italiana. Algunas de sus sonatas son «La Capriole», «La Cingara» o «La Polaca». Sus sonatas para violín le valieron su reputación como virtuoso del violín. Su obra maestra más conocida fue el «Capriccio Stravagante», donde mostró su brillantez y elegancia. Farina trabajó la mayor parte de su vida en Dresde.

Trayectoria violinística

En 1625, fue nombrado concertino de la corte de Sajonia por Johan George I, donde trabajó con Heinrich Schutz.

De 1625 a 1628, desempeñó un papel central en las principales actividades de la corte sajona, incluidas las celebraciones de la boda de la hija de Johan George I en 1627.
En 1628, su trabajo fue interrumpido en la corte de Dresde y fue reemplazado por un violinista de Mantua. Luego regresó a Italia. Allí ocupó varios puestos como violinista hasta 1638, cuando regresó al norte de Europa.
En 1636-1637 fue violinista de la orquesta municipal de Danzig.
En 1638 trabajó para la emperatriz Leonora I de Viena, cargo que ocupó hasta su muerte en julio de 1639.

Legado

Carlo Farina es considerado uno de los primeros virtuosos del violín e hizo muchas contribuciones a la técnica violinística. Por ejemplo, en su obra Capriccio Stravagante (1627) utilizó el violín para imitar sonidos de animales como el ladrido de perros o la pelea de gatos. Según el libro «Orquestación», de Cecil Forsyth, «generalmente se atribuye a Carlo Farina la invención de las dobles cuerdas«.

Las escalas cromáticas

Una escala musical cromática, también llamada escala dodecafónica, es aquella que consta de los doce semitonos que contiene una octava. Es decir, entre cada nota hay un semitono, en vez de un tono como en las escalas mayores y menores.

¿Qué significa cromático?

La palabra cromático proviene de la palabra griega “chroma” que significa color. Es decir, los semitonos permiten agregar color a las escalas mayores y menores.

Durante la década de 1600, la música generalmente se escribía en escalas mayores y menores. Los compositores usaban notas fuera de estas claves, llamadas alteraciones, (#, b) para embellecer la melodía y agregar color a la música. Llamaban a esas alteraciones «cromáticos» ya que aportan color y emoción a la música sin cambiar el centro de la tonalidad.

Desde el siglo XIX en adelante, los compositores querían alejarse de escribir música en una clave determinada. Esto llevó a que el cromatismo se usara cada vez más y dio lugar a la música atonal, que no tiene ningún sentido de tonalidad. Se puede comenzar una escala cromática desde cualquier tono, simplemente agregando semitonos hasta llegar a la nota inicial una octava más arriba (o más abajo, si la escala es descendente)

Es tan beneficioso practicar escalas cromáticas como escalas tonales comunes. Ayudan a mejorar la entonación y también para practicar la técnica del glissando.

Digitaciones en las escalas cromáticas

Para tocar con agilidad estas escalas, necesitamos ordenar los dedos de la mano izquierda de modo que nos resulte cómodo realizar los cambios de posición. Existen varias digitaciones muy comunes para las escalas cromáticas.

¿Cuál es la digitación más útil para tocar la escala cromática?

Generalmente hay dos formas de tocar la escala cromática en el violín, cada una tiene sus beneficios. No existe una forma correcta y es posible que te encuentres usando ambas, dependiendo de la situación.
Los números a continuación representan los dedos que tendrás que usar:

A. Desplazamiento o arrastre de dedos: 1 – 1 – 2 – 2 – 3 – 3 – 4
Este patrón es mucho más fácil de aprender para un principiante, especialmente si no estás familiarizado con las posiciones, ya que cada dedo se mueve en el área que normalmente toca en la primera posición.

Incluso hay una versión un poco más fácil de este patrón: 1 – 1 – 2 – 2 – 3 – 4. En este caso, la nota en la siguiente cuerda sería al aire. Cuando utilices esta digitación en escalas cromáticas, lo más probable es que escuches algunos sonidos deslizantes, lo que a veces puede ser deseable y otras no. Durante pasajes rápidos, es posible eliminar el sonido de deslizamiento haciendo movimientos más ágiles con la mano izquierda.

B. Desplazando toda la mano: 1 – 2 – 1 – 2 – 3 – 4

Una variación de este patrón puede ser: 1 – 2 – 3 – 1 – 2 – 3 pero la idea general es cambiar los dedos para cada medio paso. Este patrón a veces se llama «Digitación de Carl Flesch», llamado así por el violinista y maestro húngaro.

Esta digitación es útil en las siguientes situaciones:

  • Al tocar pasajes rápidos
  • Cuando te esfuerzas por lograr un sonido legato suave
  • Cuando quieras evitar escuchar glissando

Si tienes que tocar un pasaje con escalas cromáticas, es posible que tengas que escoger tú mismo la digitación que te resulte más cómoda. La elección final depende de una variedad de razones. Por ejemplo, elegir el primer método puede parecer más fácil, pero si estás tocando en conjunto con más instrumentos, el glissando puede afectar el sonido general.

¿Cómo practicar la escala cromática en el violín?

Elige la digitación que usarás y una octava, sugerimos comenzar en la cuerda al aire A o D.
Toca todos los semitonos dentro de una o dos octavas en orden ascendente y descendente.
Verifica tu entonación con un afinador para asegurarte de que colocas el dedo en los lugares correctos.

Cuando estés familiarizado con las notas, intenta incorporar metrónomo en tu práctica de escalas cromáticas. Comienza con un tempo lento y aumenta gradualmente la velocidad. También puedes probar diferentes patrones rítmicos para hacer la práctica más divertida.

Las escalas cromáticas en posiciones altas

 

Algunas obras para violín de gran virtuosismo incluyen escalas cromáticas ascendentes o descendentes que se tocan en posiciones altas de la mano izquierda. En estos casos, debido a la velocidad que requiere la pieza, es común tocar varios tonos con tres, dos o incluso un solo dedo. La razón es que en la segunda mitad de la cuerda E, los semitonos están demasiado juntos para usar los dedos adyacentes afinados, por lo que usa el mismo dedo tanto como sea posible. A veces se puede hacer una escala cromática descendente desde una nota muy alta con la digitación: 1-1-1-1-1-1, 2-2-2-2-2- ó 3-3-3-3-3-

A gran velocidad, sonaría como un amplio glissando

 

Ejercicios para violinistas principiantes

Si estás aprendiendo a tocar el violín, puede que ya estés practicando algunas escalas y arpegios que te sirven para conocer las posiciones de la mano izquierda y también son muy útiles para calentar. Además de las escalas, es bueno realizar algunos ejercicios antes de proceder a estudiar una obra. Los ejercicios pueden variar en función de lo que necesites trabajar, de modo que vamos a clasificarlos y a mostrarte algunos de ellos para que puedas practicar en casa.

Ejercicios de coordinación:

Cuerdas al aire – Si recién estás comenzando a tocar el violín, este ejercicio te ayudará a fijar tu atención en el punto de contacto entre el arco y las cuerdas. Debes procurar siempre mantener el arco en un ángulo de 90º respecto a las cuerdas y sacar un buen sonido sin temblores, desde el talón hasta la punta, y viceversa.

Puedes ir cambiando el tipo de golpe de arco o ligadura en las notas. Esto te servirá para refrescar tus nociones de solfeo y la duración de las notas, además de asegurar que los cambios de cuerda con la mano derecha sean precisos.

 

Cuando ya puedas dominar los cambios de cuerdas al aire con confianza, puedes comenzar a desarrollar la movilidad en los dedos de la mano izquierda sobre las cuerdas.

 

Ejercicios para la mano izquierda:

Colocación de dedos y afinación – Los ejercicios de afinación te ayudarán a entrenar a tus dedos para que puedan localizar los lugares exactos en donde deben pisar la cuerda. Cuando practiques la afinación, comienza muy despacio para oír bien cada tono. Con la ayuda de un metrónomo, puedes aumentar la velocidad poco a poco.

Agilidad – Cuando domines bien la entonación de un ejercicio, puedes añadirle velocidad hasta que tu mano izquierda se sienta cómoda tocando todas las notas.

Ejercicios para la mano derecha:

Talón, centro, punta – Presta atención al arco y procura realizar ejercicios en los que puedas trabajar el sonido en cada parte del arco. Comienza con cuerdas al aire solamente del talón al centro, por ejemplo. Después, realiza el mismo ejercicio pero esta vez tocando del centro a la punta. Notarás que tu mano y tu brazo derecho deben cambiar el tipo de movimiento y presión según la parte del arco que estés usando.

Estiramiento de dedos – Para este ejercicio no necesitarás el violín, solamente el arco. Agarrando bien el arco con cada dedo en su lugar correspondiente, estira y encoge los dedos sin soltar el arco y sin desplazar las yemas de los dedos de su sitio.

Reforzar índice y meñique – De nuevo solamente usando el arco, flexiona tu dedo meñique hasta que notes que el balance pasa al dedo índice, sin que los demás dedos se muevan, cuando la vara del arco suba, usa nuevamente el meñique para frenarlo.

Estos ejercicios son muy recomendables para todo violinista, ya sea principiante o profesional. 

Los subarmónicos en el violín – los tonos más graves que se pueden alcanzar

Una cuerda produce los sonidos más graves cuando no es cortada ni pisada en ninguna parte, por este motivo se suele pensar que el tono más grave que puede alcanzar un violín corriente es sol (G), de la cuerda al aire, puesto que cualquier parada sobre ella causaría un sonido más agudo que sol (G). La violinista Mari Kimura echó esta teoría por tierra al descubrir tonos más bajos que se pueden tocar en la cuerda sol de un violín.

Mari Kimura, intérprete, compositora e investigadora, ha abierto nuevos mundos sonoros para el violín. En particular, ha dominado la producción de tonos que suenan hasta una octava por debajo de la cuerda más baja del violín, es decir, tonos más graves y que hacen vibrar la cuerda a menor velocidad. Esta técnica, que ella llama subarmónicos, le ha valido un reconocimiento considerable en el mundo de la música.

 

Para alcanzar los subarmónicos con el violín, Mari Kimura aplica técnicas específicas o golpes de arco de bastante presión en el talón, provocando un gran agarre en la cuerda, como si la raspara.

Por lo visto, Mari Kimura hizo este descubrimiento por casualidad, mientras estaba practicando “Tzigane” de Ravel, que comienza con un solo en la cuerda G. Tras numerosos estudios e investigaciones sobre este tema, compuso varias obras para violín que incluyen los subarmónicos:

Mari Kimura es además pionera en el campo de la música interactiva por computadora. En su obra «Voyage Apollonian», presenta un guante especial que, al realizar los golpes de arco, estos crean y controlan una secuencia de animación por ordenador. Mientras toca, los sensores del guante envían datos al software que se ejecuta en su ordenador, lo que provoca que una animación en la pantalla se transforme en varias formas y patrones antes de volver a su configuración original. El módulo funciona como un controlador electrónico para los procesos de sonido digital en tiempo real, como la transformación del sonido y la síntesis del sonido.