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Grandes violinistas – Grażyna Bacewicz

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Grażyna Bacewicz fue una violinista virtuosa y compositora, nacida el 5 de febrero de 1909 en Łódź, Polonia, en el seno de una familia muy unida y con gran inclinación musical, Bacewicz fue alentada desde muy temprana edad a estudiar música con su padre. Tuvo una afinidad inmediata por el violín y tocaba música de cámara en casa con sus dos hermanos mayores, Kiejstut y Witold.

Grażyna era especialmente cercana a su hermano, Kiejstut. Lo siguió a Varsovia después de graduarse de la escuela secundaria en Łódź, y más tarde, como violinista de concierto, estrenó muchas de sus propias sonatas con Kiejstut al piano. En el Conservatorio de Varsovia estudió violín y piano, dando así un paso más hacia la realización de su sueño de ser compositora. Sus primeras composiciones fueron un preludio para piano y algunas miniaturas para violín y piano.

Estudió filosofía en la Universidad de Varsovia durante año y medio. Una influencia fundamental en la vida de Bacewicz, compartida con otros jóvenes compositores polacos, fue conocer a Karol Szymanowski (1882-1937) en el Conservatorio. Esta directriz llevó a Bacewicz y a otros a la École Normale de Musique y a estudiar con Nadia Boulanger. Sus estudios en París fueron posibles gracias a una beca de Ignacy Jan Paderewski (1860-1941), virtuoso pianista, compositor y estadista polaco.

Se graduó con honores en 1932, tras haber estudiado violín con Józef Jarzębski (1878-1955), piano con Józef Turczyński (1884-1953) y composición con Kazimierz Sikorski (n. 1895). Para sus exámenes de graduación compuso: una Sinfonietta para orquesta, una Cantata para solistas, coro y orquesta, una Sonata para violín y un Cuarteto de cuerdas. Estas composiciones se presentaron en un concierto especial en el Conservatorio. En París, durante 1932 y 1933, estudió violín con André Touret y composición con Nadia Boulanger. Durante este tiempo, compuso la Sonatina para piano, la Suite infantil (para piano) y el Quinteto de viento. Este Quinteto de viento de 1932, un modelo del neoclasicismo, fue la primera composición en ganar el primer premio en un concurso para jóvenes compositores.

Dejó París para ofrecer conciertos como violinista en España. De regreso a Polonia, aceptó una oferta de Helena Kijeńska (la antigua directora de la escuela de música a la que había asistido de niña) para impartir clases de armonía, contrapunto y violín en el conservatorio de Łódź. Pronto descubrió que interfería con su interpretación y composición, y regresó a Varsovia al cabo de un año. A finales de 1934, París la atrajo de nuevo; esta vez volvió para estudiar con Carl Flesch, el distinguido violinista. Más adelante, compararía estas lecciones con los métodos de enseñanza de David Oistrakh.

En 1936, en un esfuerzo por equiparar la Orquesta de la Radio Polaca con la Filarmónica de Varsovia, su director, Grzegorz Fitelberg, invitó a los instrumentistas jóvenes más talentosos a unirse. Bacewicz aceptó el puesto de violinista principal y realizó giras con ellos durante dos años. Esto no solo perfeccionó sus habilidades de orquestación, sino que también le brindó la oportunidad de interpretar sus propias obras, como el Concierto para violín n.° 1 y el Tres canciones para tenor y orquesta (basadas en un texto árabe del siglo X) que se estrenaron en 1938. Mientras estuvo con la orquesta, también escribió Sonata para oboe y piano, Allegro para violín y piano, una sonata para piano y, como resultado de su amor perdurable por la música de cámara, el Cuarteto de cuerdas n.° 1. Aunque ya había escrito dos cuartetos de cuerdas, fue solo con este que se sintió lo suficientemente satisfecha como para designarlo como el primero. La considerable cantidad de composiciones escritas durante este tiempo es indicativa de la velocidad con la que trabajaba: «Creo que para componer hay que trabajar muy intensamente. Hay que hacer pausas entre la composición de diferentes obras, pero no se deben hacer interrupciones cuando se está escribiendo una pieza. Soy capaz de trabajar en una composición durante muchas horas al día. Normalmente hago una pausa a mediodía, pero incluso durante la pausa mi cerebro sigue trabajando. Me gusta cansarme mucho. A veces es entonces cuando de repente me vienen mis mejores ideas.»

El mismo año en que Bacewicz se unió a la orquesta, se casó con Andrzej Biernacki, médico y pianista aficionado. Era profesor en la Academia de Medicina de Varsovia al momento de su muerte en 1963. (Su única hija, Alina, nacida en 1942, vive actualmente en Varsovia y es una pintora y poeta consumada). En la primavera de aquel fatídico año de 1939, Bacewicz regresó a su adorado París para supervisar una velada especial de sus obras que tuvo lugar en la École Normale de Musique. Regresó a Varsovia apenas dos meses antes del comienzo de la guerra.

Como para millones de europeos, los años de la guerra (1939-1945) resultaron difíciles para Grażyna Bacewicz y su familia. La vida musical de Polonia se vio muy limitada, pero se ofrecieron conciertos, a menudo en casas particulares o cafés. A pesar de las vicisitudes de estos años (incluido el cuidado de su hermana herida y el desplazamiento temporal de Tras ser trasladada con su familia primero a un campo de concentración en Pruszków y luego a la ciudad de Lublin, donde esperaron el fin de la guerra, logró componer el Cuarteto de cuerdas n.º 2, la Sonata n.º 1 para violín solo, la Sinfonía n.º 1 y la Obertura para orquesta. Esta última (1943) se estrenó en el primer Festival de Música Polaca celebrado en Cracovia justo después de la guerra, consolidándola de inmediato como una de las mejores compositoras polacas de la época.

A finales de 1945, Bacewicz y su familia regresaron a Varsovia, devastada por la guerra. Con renovadas fuerzas, retomó la composición. Ese mismo año completó la Sonata da Camera (su primera sonata para violín y piano) y el Concierto para violín n.º 2. También reanudó sus conciertos y, en un memorable evento de 1946, interpretó el Concierto para violín n.º 1 de Szymanowski con la Orquesta de Conciertos Lamoreux en la Sala Pleyel de París, bajo la dirección de Paul Kletzki. Ese mismo año, su Suite para dos violines se interpretó en la Sala de Conciertos del Conservatorio, en un concierto de música de cámara titulado «La música polaca bajo la ocupación». También interpretó su propia Sonata de cámara, así como el Nocturno y la Tarantela de Szymanowski. Además, comenzó a formar parte de numerosos jurados internacionales de concursos de violín y se convirtió en miembro de la Unión de Compositores Polacos.

Los años 1945-1955 representan una época significativa e importante para la música polaca. Al igual que en otros países socialistas europeos, se produjo una nacionalización generalizada de las instituciones artísticas. La primera editorial musical del gobierno, Polskie Wydawnictwo, Muzyczne – PWM), se estableció en abril de 1945. Aunque había algunas empresas privadas.

En 1947 escribió dos composiciones importantes: la Sonata n.º 3 para violín y piano, estrenada por Grażyna y su hermano, Kiejstut, y el Cuarteto de cuerda n.º 3, neoclásico por su perfección formal. En 1948, un año especialmente fructífero, compuso su Concierto para violín n.º 3, la primera gran composición que muestra cierta influencia folclórica; la Cantata Olímpica, escrita para los Juegos Olímpicos de Londres; el Trío para oboe, clarinete y fagot; y la más importante de sus obras en el estricto estilo neoclásico, el Concierto para orquesta de cuerdas (también conocido como Concierto para cuerdas). Esta obra confirmó el éxito de la Obertura anterior y recibió el Premio Nacional en 1950. Fue interpretada por primera vez en Estados Unidos por la Orquesta Sinfónica Nacional en Washington, D.C.

En 1949 compuso dos obras importantes que cosecharon un éxito inmediato: el Concierto para piano, que contiene elementos de música folclórica, y la Sonata n.º 4 para violín y piano.

A partir de 1953, comenzó a retirarse de los conciertos para dedicar más tiempo a la composición. Inicialmente, había planeado limitar sus interpretaciones a los estrenos de sus propias obras, pero constantemente hacía excepciones a esta regla. Finalmente, comprendió que debía retirarse definitivamente, y a finales de 1955 su carrera como solista prácticamente había llegado a su fin.

El Cuarteto de Cuerdas n.° 6 (1960) se convirtió en una de sus obras más exitosas y frecuentemente interpretadas. El Concierto para Orquesta, compuesto al año siguiente, continuó esta nueva dirección. Posteriormente, compuso y dedicó el Concierto para Violonchelo n.° 2 (1962) a su inspirador y primer intérprete, Gaspar Cassadó (1897-1966). Este se incluyó en el séptimo «Otoño de Varsovia», junto con el Cuarteto para Cuatro Violonchelos. (1964) formó parte del octavo Festival. En las notas del programa para esta interpretación, Bacewicz comentó:

“Llevo mucho tiempo pensando en escribir un cuarteto para cuatro violonchelos. Quería que fuera diferente del Cuarteto para cuatro violines que compuse hace muchos años y que tenía un carácter más didáctico. Al escribir para cuatro violonchelos, me atrajo la riqueza sonora que ofrece este instrumento. Durante el proceso de creación, llegué a la conclusión de que cuatro violonchelos en un mismo conjunto son un verdadero tesoro para el compositor contemporáneo.” Este concepto me ha obligado a descartar ciertos elementos muy característicos del violonchelo, como, por ejemplo, una cantilena amplia.”

En 1965 compuso «Musica Sinfonica in Tre Movimenti», el Cuarteto de cuerdas n.º 7, el Concierto para violín n.º 7, el Quinteto para piano n.º 2, el Pequeño tríptico para piano, el Divertimento para orquesta de cuerdas, «Incrustaciones» para piano, el Divertimento para orquesta de cuerdas, Incrustations para trompa y conjunto de cámara y el Trío para oboe, arpa y percusión.

El ritmo marcado en 1965 se mantuvo en 1966. Una semana después de que el organista francés Jean Guillou le pidiera a Bacewicz que compusiera una obra para él, ella terminó el breve pero memorable Esquisse para órgano. Durante ese año también compuso el potente y dinámico Concierto para dos pianos y orquesta y Contradizione, que contiene elementos del Trío para oboe, arpa y percusión.

Lista de obras:

Campanas y Campanillas do Capricho No.2

4 caprichos Concierto para violonchelo n.º 1

Suite Infantil

Concierto para 2 pianos y orquesta

Concierto para orquesta

Concierto para orquesta de cuerdas

Contradizione para orquesta de cuerdas

Canción de cuna

Divertimento para orquesta de cuerdas mi

Piezas fáciles para clarinete y piano

humoreska I en una parte l

Una pequeña urraca

Pequeño tríptico METRO

Danza Mazoviana Música para cuerdas, trompetas y percusión.

Musica sinfonica en tre movimenti

Oberek No.1, Oberek No.2

Obertura

Partita para orquesta

Pensieri notturni

Quinteto con piano n.º 1

Sonata para piano n.º 2

Sonatina para piano

Capricho polaco

Cuarteto para 4 violines

Danza eslava

Sonata de la cámara

Sonata nº 1 para Violín solo

Sonata n.º 2 para violín solo

Cuarteto de cuerda n.º 3

Cuarteto de cuerda n.º 4

Cuarteto de cuerda n.º 5

Cuarteto de cuerda n.º 7

10 estudios para piano

Sinfonía n.º 3

Sinfonía n.º 4

Trío V Variaciones Concierto para viola

Concertino para violín

Concierto para violín n.º 3

Concierto para violín n.º 4

Concierto para violín n.º 5

Quinteto de viento S P

Grandes violinistas – Eugène Ysaÿe

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Eugène Ysaÿe, nacido en Lieja, Bélgica, el 16 de julio de 1858, fue un legendario virtuoso del violín, compositor, profesor y director de orquesta que vivió en Cincinnati y el norte de Kentucky durante casi tres décadas, en uno de los periodos más fructíferos de su carrera. Niño prodigio del violín, estudió en el Real Conservatorio de Lieja y con Henryk Wieniawski y Henry Vieuxtemps. Contemporáneos musicales como Saint-Saëns, Debussy, Franck, d’Indy, Fauré y Chausson compusieron obras para Ysaÿe.

Compositor autodidacta, las obras virtuosas de Ysaÿe siguen siendo pilares fundamentales del repertorio para violín. A los 21 años se convirtió en concertino de la Orquesta de la Brasserie Bilse, precursora de la Filarmónica de Berlín, y dos años después inició su carrera como solista. Pedagogo entregado, impartió clases en el Conservatorio de Bruselas (1886-1897), además de clases particulares, y organizó conciertos de música sinfónica y de cámara, fundando el Cuarteto Ysaÿe, la Orquesta de Conciertos Ysaÿe con sus alumnos y la Sociedad de Conciertos Ysaÿe.

En su primera gira por Estados Unidos en 1894, debutó en Cincinnati con el coro masculino Orpheus Club en la Ópera Pike el 22 de noviembre. Su interpretación del Tercer Concierto de Saint-Saëns y un bis de la Mazurka de Carzyki fue un gran éxito. Conscientes de la popularidad de Ysaÿe, la junta fundadora, compuesta íntegramente por mujeres, de la Asociación de la Orquesta de Cincinnati se constituyó el 11 de abril de 1894 y lo contrató de inmediato para actuar con la Orquesta Sinfónica de Cincinnati (CSO). Regresó para actuar durante la temporada inaugural de la orquesta, en 1895. Fue recibido con entusiasmo interpretando obras de Mendelssohn y Wieniawski el 21 de febrero y de Bruch y Saint-Saëns el 22 de febrero. Antes de la Primera Guerra Mundial, Ysaÿe actuó en Cincinnati diez veces: seis como solista con la Orquesta Sinfónica de Cincinnati (CSO) y cuatro en recitales.

En 1914, Ysaÿe huyó de Bélgica durante la invasión alemana y se trasladó a Londres, donde su compatriota, el artista y escultor Victor Rousseau, creó su busto (una escultura de bronce que aún se exhibe en el Cincinnati Music Hall; véase más abajo). En abril de 1918, Ysaÿe dirigió por primera vez a la Orquesta Sinfónica de Cincinnati (CSO) en los ensayos, tras ser nombrado cuarto director musical del Festival de Mayo. 

Su hijo, Gabriel, también violinista, y su hija Kelly (Carry) vivían con ellos. Ysaÿe fue contratado para dirigir la Orquesta Sinfónica de Cincinnati (CSO) en sus últimos conciertos de la temporada, en sustitución del director musical austriaco Ernst Kunwald.  

 

Ysaÿe dirigió más de 500 obras en cientos de conciertos con la CSO, en programas que incluían principalmente compositores franceses y numerosas composiciones belgas y estadounidenses. Aunque la Orquesta Sinfónica de Chicago (CSO) actuó principalmente en el Auditorio Emery entre 1912 y 1936, Ysaÿe continuó dirigiéndola en el Music Hall para una docena de conciertos del Festival de Mayo (seis en cada una de las temporadas de 1918 y 1920) y 37 de los 40 Conciertos Populares Dominicales.

Obras:

Op.1 – 4 Piezas para violín y piano (1878) – N°1: «Courte Joie», N°2: «Badinage», N°3: «Perdue», N°4. «Retrouvée»
Op.1(a) – Mazurka de Concierto, para violín y piano
Op.2 – Berceuse en mi menor
Op.3 – Suite (cuarta parte inacabada)
Op.4 – Polonesa n.º 1 en mi menor
Op.5 – Polonesa brillante N°2 en re mayor
Op.6 – Vals en mi
Op.7 – Mazurca en sol menor
Op.8 – Escena sentimental
Op.9 – Variaciones sobre el Estudio No. 24 de Paganini
Op.9(a) – 3 Études-Poèmes, para violín y piano
Op.10 – 2 Mazurcas de Salon para violín y piano (1884)
Op.11 – Lointain passé (Mazurca N°3 en si menor para violín y piano)
Op.11(a) – Saltarelle carnavalesco para violín y orquesta
Op.12 – Poème élégiaque para violín y orquesta (1893)
Op.12(a) – Variaciones sobre un tema de Paganini para violín y orquesta (¿Igual que Op.9?)
Op.13 – Au rouet (Poème No.2 para violín y orquesta)
Op.14 – Rêve d’enfant para violín y orquesta (o piano)
Escena en la calle, violín y orquesta
Op.15 – Chant d’hiver (Poema para violín y orquesta)
Op.16 – Meditación para violonchelo y orquesta (¿hacia 1910?)
Op.17 – Éxtasis, op. Op. 17 para violín y orquesta (versión de 1908)
Op. 18 – Estudio n.° 1 para violín y piano
Op. 19 – Estudio n.° 2 para violín y piano
Op. 20 – Berceuse para violín y orquesta
Op. 21 – Extase (Poema n.° 4 para violín y orquesta)
Op. 22 – Sérénade para violonchelo y orquesta (ca. 1910?)
Op. 23 – Les Neiges d’antan para violín y orquesta (1911 o 1914?)
Op. 24 – Divertimento para violín y orquesta
Op. 25 – Exil! Para orquesta de cuerdas de violines y violas
Op. 26 – Amitié (Poema n.° 6 para 2 violines y orquesta)
Op. 27 – 6 Sonatas para violín solo (1923)
Sol menor (dedicada a Joseph Szigeti)
La menor «Obsesión» (dedicada a Jacques Thibaud)
Re menor «Balada» (dedicada a George Enescu)
Mi menor (dedicada a Fritz Kreisler)
Sol mayor (dedicada a Mathieu Crickboom)
Mi mayor (dedicada a Manuel Quiroga)
Op. 28 – Sonata para violonchelo solo
Op. 29 – Poema nocturno (Poema n.° 7 para violín, violonchelo y orquesta)
Op. 30 – Paráfrasis sobre el tema de Mendelssohn para voz y orquesta/piano (partitura reducida para voz y piano publicada por Edition Ysaÿe). Op.30)
Op.31 – Harmonies du soir para cuarteto de cuerdas u orquesta de cuerdas
Op.32 – Fantasía para violín y orquesta
Op.33 – ?
Op.34 – ?
Op.35 – Essai sur le mécanisme moderne du violon (10 preludios para violín solo)
Obras sin número de opus
Andante para violín y orquesta
Berceuse para violín y piano
Caprice d’après l’Étude en forme de valse (Op.52, n.º 6) de Saint-Saëns (ca. 1900)
Concierto después de dos poemas
Concierto para 2 violines y orquesta
Divertimento No.3, para viola solo
Étude posthume, para violín solo
Ejercicios y juegos, violín (Publicado por Schott en 1967)
Introducción, para viola solo
Mazurca para violín y piano
Ouverture sur des thèmes d’Atala (Cantata de Théo Ysaÿe), para orquesta y coro
Petit poème romantique, violín y piano/orquesta (arr. de Gabri Ysaÿe?)
Piére li houïeu (Drame lyrique) (1931) (también conocido como Pierre li Houyeux.)
2 polonesas para violín y piano (¿igual que Op.4 y 5?)
Sonata para dos violines (1915), op. post.
Trío de concierto nº1 «Le Chimay», Violín, Viola y Violonchelo, Op. post. (Este es un boceto de Pierre li Houyeux. Véase WorldCat).
Trío de concierto «Londres», 2 violines y viola, op. post.
Trío de concierto nº2, Violín, Viola y Violonchelo
Quinteto de cuerdas (¿1892?)
Variaciones sobre el Capricho núm. de Paganini. 24, Violín (¿Igual que Op. 9 y Op. 12(a)?)
Conciertos para violín n.° 1-8
Concierto para violín en mi mayor (¿1884?)
Poema concertante, Concierto para violín y orquesta en sol menor (¿uno de los dos que se conservan de los ocho escritos?)
Arreglos/Transcripciones/Ediciones de Eugène Ysaÿe
Chopin – Balada n.° 1, Op. 23, arreglada para violín y piano por Ysaÿe
Chopin – Vals en mi menor (Valse en Mi mineur), B. 56, arreglado para violín y piano por Ysaÿe
Chopin – Fantasía Impromptu (Impromptu n.° 4) en do sostenido menor, Op. 66, arreglada para violín y piano por Ysaÿe
Chopin – Ocho valses (8 valses), arreglados para violín y piano por Ysaÿe
N.° 1 en La mayor (Chopin – Op.34 No.1)
No.2 en Fa# mineur (Op.70 No.2)
No.3 en La mineur (Op.34 No.2)
No.4 en La majeur (Op.64 No.3)
No.5 en Ré mineur (Op.64 No.2)
No.6 en La b majeur (Op.69 No.1)
No.7 en Mi b majeur (Op.64 No. 1)
No.8 en Mi mineur (Vals en mi menor)
Campenhout – La Brabançonne arreglada para orquesta por Ysaÿe (1918)
Leclair – Concierto para violín en re menor Op.7 No.1 arreglado para violín, orquesta de cuerdas y piano (u órgano) de Ysaÿe
Repertorio clásico y moderno del violín
N° 1 – Nardini: Sonata en Ré mayor
No. 2 – Chopin: Valse es Mi mineur
No. 3 – Händel: Aria
N° 4 – Bach: Aria

 

Eugène Ysaÿe, demostró ideas musicales novedosas para violín. No solo fue reconocido por sus virtuosas interpretaciones, sino que, como músico, demostró técnicas de composición innovadoras, al incorporar las tradiciones musicales de la escuela franco-belga de violín. Inspirándose en Bach para sus sonatas, Ysaÿe incorpora el legado musical y añade sus técnicas virtuosas, incluyendo dobles cuerdas, cromatismo, contrastes dinámicos y el fraseo franco-belga, que resaltaba momentos clave en la línea melódica. 

Grandes violinistas – Joseph Bologne, Caballero de Saint-Georges

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Joseph Bologne, Caballero de Saint-Georges, fue considerado como un hombre destacado de su época. No solo fue uno de los músicos más importantes de París durante el período prerrevolucionario, sino que también fue un magnífico atleta y hombre de armas.
Entre los expertos en esgrima, Saint-Georges era considerado el mejor espadachín de Europa, poseedor de una velocidad, flexibilidad y gracia extraordinarias, cualidades que también demostró con creces como violinista. La combinación de artista, atleta y hombre de acción —pues también ocupó puestos militares durante el período revolucionario— es única en la historia de la música, y su figura es apenas menos extraordinaria que la fenomenal gama de sus talentos.
Investigaciones recientes han establecido que su padre fue George de Bologne Saint-Georges, antiguo gentilhombre de cámara del rey e importante hacendado de Basse-Terre, Guadalupe. George era hijo de Pierre de Bologne, un adinerado colono y mayor del regimiento de Lonvilliers en Guadalupe.

Se cree que George Bologne de Saint-Georges fue exiliado en Saint-Domingue (Haití) debido a que participó en una pelea en la que falleció un hombre. Joseph nació mientras su padre se encontraba en el exilio. Dos documentos oficiales del período revolucionario, de puño y letra de Joseph, indican su fecha de nacimiento como (Navidad) de 1748. Su madre Nanon, era esclava de origen senegalés.
George llevó a su hijo ilegítimo y a su madre a Francia, al mismo tiempo que su esposa. Que tal acto se basara en el afecto hacia el niño y posiblemente hacia su madre, lo confirman acontecimientos posteriores. George permitió a Joseph usar el apellido familiar —prueba de que reconocía su paternidad— y pagó por su educación. Es probable que Joseph diera muestras de sus precoces dotes a una edad muy temprana, incluso antes de que la familia regresara a Francia. Su padre optó por llevarlo a Francia, donde tendría mayores oportunidades y sufriría menos prejuicios manifiestos.
George contrató tutores privados para preparar a su hijo para el ingreso a una institución educativa regular y para asegurarse de que pudiera relacionarse con facilidad con los miembros de la clase aristocrática a la que pertenecía. La mañana la dedicaba a su educación y el resto del día lo pasaba en el gimnasio. A los quince años, había progresado tan rápido que podía vencer a los tiradores más fuertes. A los diecisiete, había desarrollado velocidad.


Los primeros relatos sobre la vida de Saint-Georges afirman que primero estudió violín con un tal Platón, administrador de las propiedades de su padre y más tarde, en Francia, tomó clases con Leclair y posiblemente con Lolli. Sin duda, mantuvo una estrecha relación profesional con Gossec y, de hecho, el compositor podría haberle dado clases de composición en algún momento. El padre de Saint-Georges fue un notable mecenas de músicos y recibió dedicatorias de varios compositores, entre ellos el violinista italiano Antonio Lolli y Carl Stamitz. En 1770, este último dedicó sus Seis Cuartetos Orquestales Op. 1. Joseph también recibió varias dedicatorias en su juventud, en particular los dos Conciertos para violín, Op. 2, de Lolli (1764), y los Seis Tríos, Op. 9, de Gossec:. El hecho de que dos compositores tan distinguidos decidieran dedicarle obras mucho antes de su vigésimo cumpleaños habla mucho de la reputación de Saint-Georges.



La carrera musical de Saint-Georges comenzó a finales de la década de 1760. En 1769 se unió al Concert des Amateurs como concertino ( y director). Esta orquesta acababa de formarse bajo la dirección de Gossec gracias al apoyo de mecenas como el barón d’Ogny y, quizás, el padre de Saint-Georges. Las doce funciones semanales de los Amateurs tenían lugar de diciembre a marzo en la casa de Charles de Rohan-Rohan, príncipe de Soubise y Epinoy. Los conciertos eran de suscripción abierta y presentaban principalmente música nueva, en particular sinfonías, conciertos y sinfonías concertantes. Cuando Gossec dejó los Amateurs en 1773 para hacerse cargo del Concert Spirituel, Saint-Georges, a los veinticuatro años, lo sucedió como director de la orquesta. La orquesta, inusualmente numerosa para la época, con hasta 76 músicos y 40 violines, alcanzó gran prestigio durante los ocho años que Saint-Georges dirigió, y fue esta orquesta, y no el Concert Spirituel, la que dio a conocer las sinfonías de Haydn al público parisino.


Saint-Georges debutó como solista en público con el Concert des Amateurs en 1772, interpretando sus dos Conciertos para violín Op. 2. Según el Mercure de France, las obras «recibieron una aclamación entusiasta, tanto por su excelente ejecución como por la propia composición». En 1775, dos años después de la publicación del Op. 2, el editor Bailleux adquirió los derechos de autor durante seis años sobre los futuros conciertos de Saint-Georges.


Para 1775, Saint-Georges ya estaba tan consolidado como compositor, solista y director de orquesta que fue considerado para el puesto de director artístico de la Real Academia de Música de la Ópera. La nominación de Saint-Georges fracasó ante la fuerte oposición de algunas de las artistas femeninas de la Ópera, incluyendo a las famosas cantantes Sophie Arnould y Rosalie Levasseur, quienes dirigieron una petición a la Reina para rogarle que su honor y la delicadeza de su conciencia les impidieran someterse a las órdenes de un mulato.



No sabemos cómo reaccionó Saint-Georges ante una discriminación tan evidente, pero debió de ser un recordatorio devastador de que, por brillantes que fueran sus logros, muchos siempre lo considerarían un mestizo.


En 1777, Saint-Georges debutó como compositor de ópera con Ernestine en la Comédie-Italienne. La afiliación de Saint-Georges con el duque de Orleans iba más allá de la música, y este lo puso a cargo de su séquito de caza en su sede de Le Raincy.


Tras la disolución de los Amateurs en enero de 1781, probablemente debido a problemas económicos, Saint-Georges fundó el Concert de la Loge Olympique, la orquesta para la que el conde de Ogny encargó a Haydn la composición de su brillante conjunto de seis sinfonías «Parisinas». Saint-Georges actuó como intermediario y, según el erudito estadounidense Barry S. Brook, incluso viajó. Viajó a Austria para conocer al compositor más famoso de Europa. Saint-Georges ensayó las seis sinfonías y dirigió sus triunfales estrenos a finales de 1787.


En los años inmediatamente anteriores a la revolución, Saint-Georges se encontraba en la cúspide de su fama como compositor e intérprete. Aún no había alcanzado un gran éxito con una obra teatral, aunque La fille-garçon tuvo una acogida razonable. Su producción musical fue constante, pero no fue en absoluto un compositor prolífico para los estándares habituales del siglo. Sin duda, sus otras actividades le impidieron dedicar la mayor parte de su tiempo a la composición. Saint-Georges seguía activo como espadachín e hizo varios viajes a Londres para participar en combates de exhibición, incluso en 1787, cuando la temporada de conciertos estaba en su apogeo.

Regresó a París en 1790, pero al encontrar la situación insatisfactoria, emprendió una gira por el norte de Francia con la joven actriz Louise Fusil y el trompista Lamothe.


La última década de la vida de Saint-Georges estuvo marcada por la revolución. Al ser mestizo, tenía mayores derechos legales que un esclavo, pero a pesar de su nombre y su fama, se le negarían para siempre los privilegios de un hombre blanco. Incluso el matrimonio le estaba prohibido en la Francia prerrevolucionaria. Cuando la revolución proclamó la igualdad de todos los hombres el 26 de agosto de 1789, Saint-Georges abrazó su causa y decidió ofrecer sus servicios al ejército revolucionario en cuanto surgió la oportunidad.

En junio de 1791, la Asamblea ordenó el reclutamiento inmediato de 91.000 voluntarios en las filas de la Guardia Nacional en toda Francia. Saint-Georges fue uno de los primeros en alistarse en Lille. Como brillante jinete, hombre de armas y antiguo miembro de la Guardia Real, Saint-Georges debió ser un recluta muy bienvenido. Trabajó arduamente para convertir a sus tropas en una unidad de combate bien entrenada, pero aún encontraba tiempo ocasionalmente para actividades musicales.


En septiembre de 1792, la Asamblea decretó la formación de un cuerpo de tropas ligeras compuesto por hombres de color y compuesto por 1.000 soldados, de los cuales 800 eran soldados de infantería y 200 montados. Saint-Georges tuvo sus detractores y finalmente fue denunciado por comportamiento no revolucionario, relevado del mando y encarcelado durante 18 meses. Tras un largo y complejo proceso de apelación, fue liberado, pero no restituido en el mando, a pesar del abrumador apoyo de sus hombres y oficiales subalternos.


Saint-Georges regresó por un tiempo a Saint-Domingue, donde se libraba una feroz guerra civil entre las fuerzas revolucionarias y quienes deseaban restaurar el antiguo orden, incluyendo la reintroducción de la esclavitud. Saint-Georges quedó profundamente decepcionado por lo que vio en Saint-Domingue y regresó a Francia desilusionado. En 1797 intentó reincorporarse al ejército.


Saint-Georges falleció el 12 de junio de 1799 debido a una enfermedad de vejiga. Su muerte fue reportada en la prensa, pero se desconoce el lugar de su entierro.

Óperas y Teatro Musical
Ernestine (1777)
La Caza (1778)
El Amante Anónimo (1780)
El Derecho del Señor
El Niño-Niña (1787)
Obras Orquestales
Sinfonías Concertantes (Opus 9 y 10): Destacan las obras en Do mayor (Op. 9, n.º 1) y en La mayor (Op. 9, n.º 2).
Conciertos para violín: Varios en Sol mayor, Re mayor, etc.
Sinfonías: Se menciona una sinfonía en Sol mayor (Op. 11, n.º 1).
Música de Cámara
Seis Cuartetos Concertantes (Opus 14).
Sonatas: Para violín y acompañamiento (algunas publicadas por Pleyel), y para flauta y piano.
Adagio para piano.
Obras Vocales
Colecciones de arias y dúos con orquesta.


A continuación puedes escuchar varias obras compuestas por Le Chevalier de Saint-Georges:


Concierto N. 2 en La Mayor, Opus 5, II parte

Concierto para violín en Sol mayor N.2, Opus 8, allegro

Grandes violinistas – Regina Strinasacchi

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Regina Strinasacchi fué una importante violinista, guitarrista y compositora, nacida en Ostiglia, cerca de Mantua, quizás en 1761, o en 1764 (lamentablemente la fecha es incierta). Estudió en el Hospital «della Pietà» de Venecia: una institución que era al mismo tiempo convento, orfanato y conservatorio, donde las niñas recibían una rigurosa y amplia educación musical. De hecho, entre los profesores de la escuela de música se encontraban nombres como Antonio Vivaldi y Francesco Gasparini. Allí Regina aprendió a tocar el violín y la guitarra y también a componer música, demostrando inmediatamente un excelente gusto musical. De algunas cartas de contemporáneos se entiende que Regina comenzó a actuar en público a muy temprana edad, por ello era admirada no sólo por su virtuosismo con el violín, sino también por la habilidad que demostraba con el paso de los años.

Después de su paso por el Ospedale della Pietà, probablemente tuvo la oportunidad de viajar a algunos países europeos para actuar. Alrededor del 1784 llegó a Viena, donde conoció a Wolfgang Amadeus Mozart. El compositor austríaco asistió a una actuación de la famosa violinista de Mantua y quedó tan impresionado que decidió componer una sonata (la Sonata K 379 en sol mayor para violín y piano) para tocar junto con Regina.

La pareja actuó junta en un teatro vienés (el Theater am Kärntnertor) el 29 de abril de 1784, tocando también la Sonata K454 en si bemol mayor para violín y piano, en presencia del emperador del Sacro Imperio Romano Germánico José II. La Sonata K454 requiere una interpretación difícil que da testimonio de la altísima opinión que Mozart tenía de Strinasacchi y de su talento musical.

En ese momento Regina tenía aproximadamente 23 años; Leopold Mozart, el padre de Wolfgang, en una carta dirigida a su hija en la que le contaba sus impresiones del concierto, aplaudió su talento y describió cómo la niña era capaz de infundir una fuerte pasión y emoción en cada nota. El acontecimiento también es recordado por la famosa anécdota según la cual Mozart, en aquella ocasión, tocó el piano de memoria y sin partitura (algunos dicen que el compositor no había terminado de escribir la parte de piano, y por tanto tuvo que improvisar sobre la marcha)

Probablemente fue durante sus giras europeas cuando Regina conoció a Johann Conrad Schlick, un compositor, violonchelista y director de orquesta alemán, originario de Mansbach. Los dos se casaron en 1785 y comenzaron a actuar juntos como un dúo de violín y violonchelo. En 1801 tuvieron un hijo, Johann Friedrich William, que también estaba destinado a convertirse en músico y fabricante de violines. Hacia finales del siglo, Regina Strinasacchi fue admitida en la Orquesta de Gotha; un acontecimiento absolutamente extraordinario para una mujer. Además de tocar y componer, se dice que Regina también dirigió la orquesta en alguna ocasión.

Se conoce que tras la muerte de su marido se trasladó a Dresde con su hijo. Murió allí (aunque algunos afirman que murió en Gotha), en el año 1839.

A continuación puedes escuchar la Sonata K454 en si bemol mayor para violín y piano, compuesta por W. A. Mozart para Regina Strinasacchi.

Grandes violinistas – Pablo Sarasate

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Pablo Sarasate, originalmente llamado Martín Melitón de Sarasate y Navascuéz, fue un violinista virtuoso y compositor. Nació el 10 de marzo de 1844 en Pamplona, provincia de Navarra,​​ España. Era hijo de Javiera Navascuéz y Miguel Sarasate, violinista militar. Sarasate inició su formación musical con su padre, adquiriendo así habilidades musicales desde muy temprana edad. Posteriormente continuó sus estudios en Galicia, donde comenzó a actuar como un joven virtuoso, habiendo dado su primer recital a los siete años. Cuando cumplió nueve años, Sarasate marchó a Madrid para continuar sus estudios de violín con el maestro Manuel Rodríguez, concertino del Teatro La Zarzuela. Durante estos años, la fama de Sarasate llegó hasta la Reina Isabel II de España, quien, en señal de admiración, le obsequió un violín Stradivarius y le ofreció una beca para continuar sus estudios en Francia.

En 1856 Sarasate fue a Bayona, Francia, pero rápidamente ganó popularidad en París, donde tenían lugar los eventos musicales más importantes de la época. Allí comenzó a estudiar en un conservatorio y también asistió a lecciones del famoso compositor y violinista Delphin Alard. A la edad de 12 años, Sarasate ganó el premio al estudiante más exitoso del Conservatorio de París.

Desde 1859 y en los años siguientes comenzaron las giras internacionales de Sarasate. Viajó a Gran Bretaña, Alemania, Portugal, Cuba y Rusia como solista. Su fama se extendió rápidamente por todo el mundo y pronto los más grandes compositores del momento comenzaron a crear obras dedicadas a este nuevo talentoso violinista español, apellidado Sarasate. Algunas de estas obras famosas son, por ejemplo: “Introducción y Rondo Capriccioso” y Concierto para violín n.º 1, op. 20 de Camille Saint-Saëns, “Sinfonía española” op. 21 de Edouard Lalo, Concierto para violín n.º 2 op. 22 de Henrik Wieniawski, Concierto para violín n.º 2 op. 44 de Max Bruch y otros.

En 1878 Sarasate cambió su nombre de Martín Melitón a Pablo. Le encantaba pasar las vacaciones de verano en su Pamplona natal y celebrar San Fermín con sus seres queridos. Fue invitado a menudo a celebraciones oficiales como principal solista y representante musical. Estas vacaciones de verano rodeado de la cultura española local inspiraron al autor a escribir su colección «Danzas españolas». En 1879 Pablo Sarasate creó en Navarra el primer grupo sinfónico español que lleva su nombre y que aún hoy sigue activo.

Sarasate murió el 20 de septiembre de 1908 en la ciudad de Biarritz, Francia, luego de una grave enfermedad pulmonar. Dejó numerosas contribuciones al arte. Fundó un conservatorio y una orquesta en Navarra que llevan su nombre. Además, Pablo Sarasate donó su violín Stradivarius al Conservatorio de Madrid. Asimismo, donó una suma de dinero que fue invertida y destinada a premios del concurso de violín. En 1910 se llevó a cabo el primer Concurso Nacional de Violín Pablo Sarasate, que continúa hasta el día de hoy.

Obras


Pablo Sarasate compuso más de 50 obras. Algunas de las más famosas son: “Aires Gitanos” opus 20, “Capricho Vasco” opus 24, “Fantasía sobre Temas de la Ópera Carmen” opus 25, “Serenata Andaluza” opus 28, “Bolero” opus 30, “Navarra” opus 33, «Introducción y Tarantella» opus 43 y otros.

Influencias del folclore español en las obras de Sarasate

A finales de 1877, Sarasate fue contratado por el publicista alemán Fritz Simrock para componer su colección de «Danzas Españolas». Para ello, Sarasate realizó una selección de canciones del folclore popular de España. Por esta razón los nombres de las obras corresponden a bailes populares de distintas zonas de España y Cuba. Esta recopilación de canciones populares también se realizó en otros países a finales del siglo XIX, siguiendo el ejemplo ruso con Rimsky-Korsakov, Hungría con Brahms, Finlandia con Sibelius, República Checa con Dvořák, Francia con Saint-Saëns o Noruega con Grieg. Muchos países han participado en la corriente llamada «nacionalismo musical», que presenta la música popular de todos los rincones del mundo a través de espectaculares obras solistas y sinfónicas. Este movimiento forma parte del periodo del Romanticismo y surgió a raíz del concepto de nación aparecido en el siglo XIX. Este estilo se expresa en la búsqueda y presentación de la identidad nacional. Pablo Sarasate, como muchos otros compositores de la época, participó activamente en la selección de música folclórica, así como en la composición de obras con temas folclóricos destacados.

Se dice que el folclore español de finales del siglo XIX estaba directamente relacionado con el género musical flamenco. Por este motivo, la combinación de escalas mayores y menores junto con escalas de estilo andaluz se puede encontrar a menudo en las obras de Pablo Sarasate. Para comprender esta elección melódica del autor es necesario analizar la estructura y armonía utilizadas en el flamenco.


La música flamenca es una selección de diversos cantos populares característicos de la etnia gitana del sur de España en el siglo XVII, consistente en interpretación vocal y palmas, sin acompañamiento instrumental. Las propias canciones tuvieron su origen en las diferentes culturas presentes hasta entonces en la Península Ibérica.

Desde 1860 En 1910, el flamenco se desarrolló añadiendo instrumentos a la interpretación vocal. Se convirtió así en el principal género representativo de la música española en todo el mundo. Esta época coincide con la vida de Pablo Sarasate, por lo que se puede establecer una asociación directa entre la obra de Sarasate y la música flamenca.

Cada canción del género Flamenco se puede clasificar según la escala o tono en el que se interpreta. Así se sabe que canciones del tipo Seguidilla, Marinette, Polo o Bambera fueron escritas al modo andaluz; Los romances están escritos en modo frigio o tono mayor; y las canciones denominadas Malagueñas, Tarantas, Granainas o Fandangos suelen escribirse en modo andaluz o tono mayor.


Pero además del flamenco, Sarasate ha realizado una selección de canciones populares originarias de otras zonas de España. Algunas de las obras de Sarasate, como la Jota Navarra, son características de las zonas del norte y no están tan directamente relacionadas con el flamenco. Suelen escribirse en tonalidades mayores o menores, a diferencia del modo andaluz (también llamado frigio), que suele estar presente en el flamenco.


El grupo de obras «Danzas Españolas» incluye dos piezas denominadas «Habanera», que representan el estilo musical cubano imperante en La Habana en ese momento.
Otro conocido ejemplo de Habanera es la famosa aria de soprano de la ópera Carmen, que también se encuentra en la Fantasía de Carmen de Sarasate. (* Un hecho destacable es que esta aria en particular fue compuesta en 1850 bajo el nombre «El Arreglito» por el compositor español Sebastián Iradier y más tarde la melodía fue agregada a la ópera Carmen en 1875, con modificaciones en el libreto.)

Para finalizar, te dejamos con la pieza «Zapateado» perteneciente a la colección de obras «Danzas Españolas» , interpretada por Midori Gotō, esperamos que la disfrutes

Grandes violinistas – Jean-Marie Leclair

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Jean-Marie Leclair fue un violinista, bailarín y compositor, nacido en Lyon, Francia, el 10 de mayo de 1697, uno de seis hermanos, cinco de los cuales también se convertirían en músicos. A menudo se le llama «el mayor» para distinguirlo de un hermano menor también llamado Jean-Marie, que disfrutó de una carrera musical en su ciudad natal. No se sabe nada de sus primeros maestros, aunque sí sabemos que durante una década Leclair actuó tanto como bailarín como violinista. Su debut en el escenario seguramente tuvo lugar a temprana edad. A los diecinueve años se casó con una bailarina de la Ópera de Lyon, Marie-Rose Casthanie. En 1722 se incorporó al Teatro Regio de Turín como primer bailarín y maestro de ballet. A pesar de todas sus responsabilidades, encontró tiempo para componer tres intermedios para Semiramide, una ópera de Giuseppe Maria Orlandini.

Leclair llegó a París en el otoño de 1723. Allí publicó su primer libro de sonatas para violín con bajo continuo. Al año siguiente regresó a Turín, donde ocupó un puesto de “primer bailarín” en el Teatro Regio. Fue allí donde conoció a Joachim Quantz y estudió técnica de violín con Giovanni Battista Somis, alumno de Corelli, un encuentro que lanzaría su carrera como violinista. Leclair pronto regresó a París. En 1728, publicó su Segundo libro de sonatas para violín y/o flauta travesera. Leclair siguió una carrera virtuosa tanto en su país como en el extranjero. Se convirtió en un intérprete habitual del “Concert Spirituel”, la primera sala de conciertos públicos de Francia, donde la precisión y el refinamiento de su interpretación le brindaron un gran seguimiento.

En Francia, el violín no alcanzó la prominencia que disfrutó en Italia a mano de grandes compositores y virtuosos. Aunque se había establecido bien en las orquestas ya a mediados del siglo anterior, el instrumento prácticamente no tenía seguidores en el repertorio de cámara. Bajo el impulso del estilo italiano, la técnica del violín había comenzado recientemente a desarrollarse gracias a los esfuerzos de Louis Francoeur y Jean-Baptiste Senaille. Pero los dos primeros libros de Leclair destacaron tanto por su originalidad como por su dificultad de ejecución, como el público musical reconoció rápidamente. En 1734 fue nombrado Primer Sinfonista del Rey; en agradecimiento a Luis XV dedicó su Tercer Libro.

En 1737, Leclair viajó a Holanda, donde fue recibido calurosamente por la Princesa de Orange en Leeuwarden. Fue a ella, que había estudiado clavecín con Händel, a quien dedicó su Cuarto (y último) Libro de Sonatas. En Ámsterdam, volvió a encontrarse con Locatelli, con quien estableció una cordial relación profesional y a quien finalmente convenció para que publicara en París los conciertos y caprichos de su «Arte del Violino». En 1740 estuvo en La Haya dirigiendo la orquesta privada del rico aventurero François du Liz. Tres años más tarde, tras la quiebra de su benefactor, Leclair regresó a París. Allí se dedicó a la composición de su única ópera, Escila y Glauco, representada en la Academia Real de Música el 4 de octubre de 1746.

En 1758 dejó a su segunda esposa para instalarse en una vivienda destartalada en la rue Careme-Prenant, en un distrito remoto y abandonado, habiendo rechazado una oferta de hospitalidad del duque de Gramont.

Fue allí, el 22 de octubre de 1764, donde fue apuñalado hasta la muerte en circunstancias que, a pesar de una investigación exhaustiva, nunca se esclarecieron. Jaques Paysant, el jardinero que descubrió el cadáver a la mañana siguiente, se convirtió en el primer sospechoso; había estado encarcelado dos veces y su testimonio contenía varias contradicciones aparentes. Pero el asesino era casi con certeza Guillaume-François Vial, el sobrino de Leclair que, sin éxito, «persiguió a su tío para que pudiera hacerlo entrar al servicio del duque de Gramont». La muerte de Leclair tuvo un fuerte impacto; un comentarista escribiría que el asesino o los asesinos eran «monstruos que no pertenecían ni a su país ni al siglo».

Obras

Leclair publicó trece opus de sonatas y conciertos para violín, así como sonatas para dúo y trío. Su producción, relativamente modesta para la época, y el alto nivel técnico y musical de sus composiciones le valieron el reconocimiento como el «Corelly de la France». Sin embargo, desde el punto de vista estilístico y formal, sus doce conciertos siguieron más de cerca los pasos de Vivaldi.

El legado musical de Leclair se basa principalmente en un pequeño pero atractivo número de composiciones para violín. En sus mejores momentos, sus obras encarnaban la sencillez combinada la mayoría de las veces con un espíritu serio y reflexivo.

Grandes violinistas – Louis Spohr

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Louis Spohr, nacido el 5 de abril de 1784 en la ciudad de Braunschweig (parte de la entonces Prusia), fue un virtuoso del violín, compositor, músico de cámara, director de orquesta, pedagogo y escritor musical.
A los cuatro o cinco años recibió sus primeras lecciones de violín del maestro de escuela del pueblo. Pronto pudo acompañar a su padre, que tocaba la flauta, y a su madre, una competente cantante y pianista, en sus veladas musicales. Su repertorio mostraba el estilo ligero típico de la época e inspiró al Louis Spohr de doce años a escribir sus primeras composiciones. Más tarde comenzó a recibir clases del profesor de violín Dufour, lo que le permitió seguir su deseo de convertirse en músico profesional.

 

En 1797 Spohr comenzó a recibir lecciones de violín de un miembro de la capilla de la Corte de Braunschweig. Medio año después comenzó a asistir a clases con el concertino de la capilla, Charles Louis Maucourt. Al mismo tiempo asistió a la escuela St. Catherine y participó en varios conjuntos de música de cámara.

A los quince años fue contratado como violín segundo en la capilla de la corte en 1799. Compuso conciertos para violín y obras de música de cámara. Su primer alumno fue su hermano Ferdinand, quien más tarde lo seguiría en las orquestas de Gotha, Viena y Kassel y que compondría partituras de piano para acompañar sus composiciones.

A los dieciocho años, Spohr recibió una beca concedida por el duque que le permitió acompañar al virtuoso Franz Eck en una gira de conciertos desde Hamburgo hasta San Petersburgo. En esta Spohr recibió una intensa formación en violín, demostró su talento como músico de cámara y concertino, compuso su Concierto para violín op. 1 así como dos de los Duetos para violín op. 3, y aprendió el oficio de un virtuoso viajero: cómo organizar conciertos públicos y cómo publicitar dichas actuaciones participando en «fiestas musicales» privadas. Durante la gira por Rusia comenzó un diario, que más tarde le sirvió de base para escribir sus memorias.

Después de su regreso a Braunschweig en 1803, fue ascendido a primer violín en la Capilla de la Corte. Profundamente impresionado por el concierto de Pierre Rode en julio de 1803 en Braunschweig, buscó adquirir la técnica del violín francesa y el estilo de interpretación cantabile y completó los Conciertos para violín WoO 10, WoO 12 y op. 2 en preparación para una gira de conciertos. Las excelentes críticas atrajeron la atención del director artístico de la Capilla de la Corte de Gotha, que necesitaba un concertino. Después de una audición exitosa, Spohr comenzó a trabajar el 1 de octubre de 1802 a los veinte años (habiendo mentido sobre su edad). Durante los siete años siguientes, Gotha ofreció a Spohr un entorno ideal para su crecimiento intelectual y artístico. Allí Spohr impartió lecciones intensivas de violín a veinte estudiantes.

En Gotha Spohr también encontró la felicidad personal. Después de romper su compromiso con la cantante Rosa Alberghi, en 1806 se casó con la arpista Dorette Scheidler. La pareja tuvo dos hijas en 1807 y 1808. Spohr ensayó sus nuevas composiciones con la Orquesta de la Corte, a la que elevó a un nivel artístico superior. Si anteriormente los conciertos para violín, dúos y cuartetos habían dominado sus composiciones, ahora mostró interés por explorar todos los géneros:
• Compuso la Obertura de Concierto op. 12 (1806) y su primera ópera Die Prüfung (1806). A estas obras siguieron dos óperas más: Alruna (1808) y Der Zweikampf (1811).
• Escribió tres obras importantes para los primeros festivales de música en el sentido moderno, en Frankenhausen y Erfurt: un concierto para clarinete (1810) y el oratorio Das jüngste Gericht (1812).

 

En 1813 aceptó un puesto como maestro de capilla y director de orquesta en el teatro de Viena. Spohr entró en estrecho contacto con Beethoven y otros artistas vieneses; gracias a un generoso encargo de un empresario pudo dedicarse a componer obras de música de cámara y encontró tiempo para embarcarse en dos proyectos compositivos a gran escala, su ópera Fausto (1813) y la cantata Das befreite Deutschland (1814).

El estreno de Fausto tuvo que tener lugar  en Praga el 1 de septiembre de 1816 bajo la batuta de Weber. Después de una interpretación muy aclamada de su Concierto para violín op. 38 Spohr abandonó Viena en marzo de 1815 y realizó una gira de dos años con su esposa.

En 1817 le ofrecieron un puesto como director de ópera y música del Teatro Municipal de Frankfurt. Abandonó Frankfurt en septiembre de 1819, habiendo aceptado previamente un contrato con la Sociedad Filarmónica de Londres. Sus interpretaciones en Londres de sus propios conciertos para violín y la recién compuesta Segunda Sinfonía en 1820 sentaron las bases de su fama en Inglaterra.

Weber recomendó a Spohr para un puesto vacante como maestro de capilla de la corte en Kassel y así comenzó su contrato en enero de 1822. Adoptó un repertorio progresivo, con hasta 40 nuevas producciones, desde Mozart hasta Meyerbeer, en una sola temporada.

Durante este período se dedicó más a la enseñanza, lo que también dio lugar a su Método del violín (Violinschule, 1833). A él acudían estudiantes de todo el mundo para recibir una educación integral. Sin embargo, los crecientes problemas de salud y el empeoramiento de la situación política frenaron su creatividad. Sintió el impacto de una atmósfera política cada vez más represiva, que no se benefició de la Revolución de 1830 ni de la nueva constitución. El Teatro de la Corte fue cerrado en 1833 a raíz de la Revolución.

Aunque desde mediados de la década de 1830 Spohr sintió que su energía creativa disminuía cada vez más, no dejó de componer música. Sus giras por Alemania e Inglaterra fueron verdaderos triunfos. Su idílica casa en Kassel se convirtió en el destino de peregrinación de violinistas y compositores de todos los países occidentales. Como muchos otros músicos jóvenes, Johannes Brahms también viajó a Kassel para encontrarse con Spohr en agosto de 1858. Lo que contribuyó a la reputación de Spohr fue que apoyó eficiente y generosamente a muchos compositores jóvenes, entre ellos Wagner.

En 1857 fue jubilado contra su propia voluntad y tuvo que reducir sus movimientos tras romperse el brazo izquierdo. Dos años después falleció a causa de una enfermedad. 

Contribuciones de Spohr

Como violinista adoptó y desarrolló la técnica virtuosa y el estilo expresivo de la escuela francesa y se convirtió en el principal representante de la escuela romántica alemana.

Como músico de cámara, aplicó un concepto novedoso de interpretación que defendía la fidelidad a la composición y requería que el intérprete transmitiera las intenciones del compositor. En la estética de Spohr, servir al compositor significaba que el artista ejecutara diligentemente la partitura anotada. Su creencia en la interpretación fiel lo llevó a abrazar el recién inventado metrónomo e incluso a pedir a los músicos que consideraran que los violinistas de la época barroca habían utilizado instrumentos diferentes a los que tocaban a principios del siglo XIX. Spohr enseñó estos principios y su técnica de ejecución a sus más de 200 estudiantes de violín.

Como director, Spohr estableció altos estándares de perfección y ensayo. Como director artístico de grandes festivales de música, influyó en la incipiente cultura musical de la clase media. Como escritor musical, unió la búsqueda de la ilustración con la creciente confianza en sí mismos de la clase media, que transfirió a la posición de artista.

Obras para violín de Louis Spohr:

Violin Concerto No.1 in A Major, Op.1
Violin Concerto No.2 in D Minor, Op.2
Violin Concerto No.3 in C Major, Op.7
Violin Concerto No.4 in B Minor, Op.10
Violin Concerto No.5 in E-Flat Major, Op.17
Violin Concerto No.6 in G Minor, Op.28
Violin Concerto No.7 in E Minor, Op.38
Violin Concerto No.8 in A Minor, Op.47, «»In Modo Di Scene Cantante»
Violin Concerto No.9 in D Minor, Op.55
Violin Concerto No.10 in A Major, Op.62
Violin Concerto No.11 in G Major, Op.70
Violin Concerto No.12 in A Major, Op.79
Violin Concerto No.13 in E Major, Op.92
Violin Concerto No.14 in A Minor, Op.110, «Sonst und Jetzt»
Violin Concerto No.15 in E Minor, Op.128
Violin Concerto in G Major, WoO 9
Violin Concerto in E Minor, WoO 10
Violin Concerto in A Major, WoO 12

Además Spohr escribió numerosos estudios para técnicas de violín, reunidos en dos libros de seis estudios cada uno.

Su obra ahora más famosa, el Concierto para violín n.º 8, causó sensación en su estreno en La Scala de Milán el 27 de septiembre de 1816. Está escrito con el espíritu de una canción, combinando una cualidad cantabile con el drama e incluyendo el único ejemplo de una cadencia solista tradicional en los conciertos de Spohr.

 

Curiosidades sobre Louis Spohr:

– Se conoce que Spohr fue el inventor de la barbada o mentonera del violín, pieza de gran importancia para la comodidad del violinista así como para posibilitar el cambio de posiciones.

 

– Paganini le regaló a Spohr un retrato en cera de sí mismo y Spohr invitó a Paganini a Wilhelmshöhe, donde asistieron a una representación de la ópera «Fausto» de Spohr.

Para finalizar te dejamos con la tercera parte del concierto n. 6 en sol menor de Louis Spohr, esperamos que los disfrutes

Grandes violinistas – Maddalena Laura Lombardini Sirmen

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Maddalena Laura Lombardini fue una violinista, compositora y cantante nacida en Venecia durante el s. XVIII. Parece que existieron dudas acerca de su fecha exacta de nacimiento, pero actualmente se cree que fue bautizada el 13 de diciembre de 1745.

Sus padres eran de la nobleza, pero no poseían riquezas; no hay evidencia de que fueran músicos, aunque la formación musical era muy común como parte de la educación de la clase alta en ese momento. Maddalena había mostrado un talento significativo y notable en 1753, cuando comenzó su educación en el Ospedale di San Lazaro e dei Mendicanti, donde se admitían alumnos desde una edad temprana. Originalmente un hospital de leprosos, en el siglo XVII esta institución adquirió un orfanato de niñas especializado en la enseñanza de música, cuando el padre de Antonio Vivaldi enseñaba allí. Sus miembros formaron orquestas que tocaban para los viajeros visitantes. En la época de Lombardini, el orfanato buscaba activamente niñas con talento musical y no está claro si Maddalena era huérfana o si sus padres simplemente decidieron inscribirla allí; pero se conoce que fue «reclutada» al menos en parte por motivos musicales, particularmente como violinista, aunque como era común entonces también cantaba y tocaba instrumentos de teclado.

Giuseppe Tartini aceptó a Maddalena Lombardini como alumna y aprendiz a la edad de 14 años. No sólo se le concedió permiso para viajar desde el orfanato para estudiar con el propio Tartini en Padua, sino que él mismo pagó su matrícula musical dentro de la institución.
Durante su tiempo de estudio con Tartini y en el Ospedale, Lombardini se fijó en la aspiración de convertirse en violinista profesional. Las cantantes de ópera eran frecuentes en gran parte de Europa en esa época, pero las instrumentistas en activo eran realmente excepcionales.

A los 21 años (1767) obtuvo su licencia de maestra en el orfanato. Esto era un equivalente a la licencia de oficial que obtenían los artesanos al completar su aprendizaje y le otorgaba el permiso de los gremios de músicos para trabajar como músico más allá de la república veneciana. Por otro lado, se casó con el también violinista Ludovico Sirmen.
A partir de su matrimonio, la mayoría de las fuentes contemporáneas utilizan su apellido de casada de Sirmen, más a menudo escrito Syrmen en ese momento y ocasionalmente Ceriman. También se puede encontrar en las portadas de sus composiciones con el nombre de Lombardini Sirmen o Lombardini-Sirmen.

Los recién casados Sirmens emprendieron inmediatamente una gira como viajeros virtuosos, carrera que Maddalena seguiría durante los siguientes 20 años. Aparecieron juntos en Faenza, Turín y París en el transcurso de 1767-1779. El dúo de marido y mujer ciertamente proporcionó a los Sirmens un «gancho» obvio y a menudo tocaron conciertos conjuntos en esta gira. En ese momento, muchos solistas escribían gran parte de su propio repertorio. De esta forma, el concierto para violín doble que los Sirmens interpretaron en París en agosto de 1768, fue anunciado como una composición conjunta.

También en 1769, Maddalena dio a luz a una hija, Alessandra. Sin embargo, a finales de 1770, Ludovico había regresado a un puesto en Rávena, llevándose a Alessandra con él y pronto se vinculó abiertamente con una condesa Zerletti o Zirletti. De manera muy inusual, Maddalena mantuvo el control de sus propias finanzas durante todo el matrimonio.

Maddalena Sirmen continuó su gira como solista desde París a Lieja, Ámsterdam y Londres, donde debutó en el King’s Theatre en enero de 1771. Allí estrenó su primer concierto para violín solista ese año y claramente encontró un éxito considerable cuando regresó para actuar en las temporadas de los dos años siguientes. También interpretó al menos un concierto para clave como solista, en la serie de suscripción Bach-Abel (durante muchos años, el pináculo de la vida concertística de Londres).

Además de Londres, Sirmen viajó y actuó en Francia, la actual Alemania e incluso Rusia durante los siguientes 14 años, lo que constituyó su carrera interpretativa. También publicó tríos, dúos, cuartetos y conciertos.

Sin embargo, para su tercera temporada en Londres (1773), Sirmen cambió su papel principal de violinista a cantante, aunque continuó actuando ocasionalmente como violinista durante más de una década más. No obstante, su canto nunca llegó a recibir tantos elogios de la crítica como su forma de tocar el violín.
En la temporada de 1783 fue la protagonista femenina del Teatro Imperial de San Petersburgo.
En el año 1785, en París, parece haber sido su último concierto como violinista.

Sirmen se mantuvo financieramente astuta y logró invertir productivamente algunas de sus ganancias además de vivir de ellas y enviar dinero a Ludovico. A finales de la década de 1780, pudo retirarse a Venecia.

Los compositores y, más aún, los intérpretes fueron rápidamente olvidados en las modas rápidamente cambiantes de la música artística del siglo XVIII y principios del XIX, especialmente si no formaban parte de un canon muy pequeño de «grandes». (En el momento de la jubilación de Sirmen, Inglaterra tenía una «Academia de Música Antigua» que generalmente comenzaba a tocar piezas unos 30 años después de su primera publicación.) Durante la mayor parte de los siglos XIX y XX, Lombardini Sirmen sólo fue recordada como alumna de Giuseppe Tartini, mucho más específicamente, como destinataria de una extensa carta, en realidad un tratado, sobre la técnica del violín, muy utilizada como recurso sobre la interpretación histórica y la práctica interpretativa.

La carta de Tartini a Maddalena está disponible en IMSLP, aquí.

Sin embargo, a finales de la década de 1980 esto comenzó a cambiar y en los últimos años se ha visto un aumento gradual, aunque irregular, de la inclusión de Sirmen en historias y libros de referencia; en ediciones de las composiciones; y en grabaciones y programación de conciertos de algunas de las obras, principalmente los cuartetos y conciertos.

Obras:

  • “Seis tríos para dos violines con violonchelo obligado”
  • “Seis cuartetos para dos violines, contralto y bajo”
  • “Seis duetos para violín, dedicados al Duque de Gloucester”
  • “Seis conciertos para violín, oboe, dos cornos y cuerdas”
  • “Seis sonatas para dos violines”
  • “Seis conciertos adaptados para el clavicordio por Giordani”
Niccolo Paganini

Grandes violinistas – Niccolò Paganini

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Niccoló Paganini fue un violinista virtuoso, guitarrista y compositor, nacido el 27 de octubre de 1782 en Génova, Italia.
Niccolò nació en un hogar asolado por la pobreza con malas condiciones higiénicas y experimentó muchas dolencias infantiles. Su talento fue descubierto por su padre a una edad muy temprana.
A los cuatro años fue declarado muerto por un médico, pero milagrosamente sobrevivió. Su mala salud lo acompañaría durante toda su vida.
Antonio Paganini, el padre de Niccolò, ocupaba una posición humilde en el puerto de Génova. Era músico y tocaba la mandolina para sus compañeros de juego en las tabernas locales y, en ocasiones, tocaba en casa. Antonio enseñó a Niccoló a tocar la mandolina y el violín.
A los 8 años, y con la ayuda de su padre, Niccolò compuso su primera sonata. Progresó tan rápido que su padre no tardó mucho en ver la oportunidad de ganar dinero con su talento.
Niccolò tomaría lecciones de un violinista llamado Giovanni Servetto, de la orquesta del teatro local, pero en poco tiempo el joven Paganini superó las lecciones que estaba recibiendo de él, por lo que comenzó a estudiar con Giocoma Costa, el maestro en la Catedral de San Lorenzo.
En 1793, Niccolò Paganini, a los 11 años fue invitado por los cantantes Luigi Marchesi y Teresa Bertinotti, a actuar junto con ellos en un teatro en Génova. Ofrecieron una generosa tarifa y Antonio los convenció para hacer más conciertos con Niccolò.
El éxito de estos conciertos le trajo a Niccolò su primer mecenas, Marchese di Negro, quien se interesó mucho en Niccolò y su notable talento. Esto le llevó a viajar a Parma para conocer a Allassandro Rolla, quien tenía fama de ser el mejor violinista de toda Italia en ese momento.
En 1797, Niccolò Paganini tenía sólo quince años cuando partió con su padre para ofrecer exitosos conciertos en Parma, Milán, Bolonia, Florencia y Pisa.
A pesar de su éxito, Niccolò soñaba con liberarse de la tiranía de su padre. Se dio cuenta en ese momento que su única salida estaba en su violín y practicó “febrilmente” y sin parar hasta que ya no podía tocar y caía en su cama rendido.

En 1897 se sintió preparado para emprender su propio viaje. Fue entonces cuando Niccolò Paganini comenzó a viajar con su hermano, Luigi, varios años mayor que él. El estrellato de Niccolò Paganini llegó muy temprano en su vida y su fama lo siguió dondequiera que fuera. Comenzó en Italia y luego se convirtió en una sensación mundial. Adquirió verdadera fama y fortuna y alrededor del año 1813 el nombre «Paganini» se convirtió en un apellido popular y la gente quería saber cuándo podían verlo actuar. Cautivaba y paralizaba al público cada vez que actuaba, algunas personas juraban haber visto al mismísimo diablo, y por sus tiernos pasajes hacía llorar a sus oyentes. Se le considera el violinista y compositor virtuoso más grande del mundo que jamás haya existido.
A la edad de 13 años Paganini ya era un músico muy conocido en su ciudad natal de Génova. Había superado todas las capacidades de sus profesores allí y tuvo que ampliar aún más sus conocimientos viajando a Parma y conociendo a Alessandro Rolla, de quien se decía que era el mejor violinista y profesor de la época. Después de pasar dos años en Parma siendo enseñado y guiado por Rollo y otros dos profesores expertos, Niccolò aprendió el arte de la composición y el contrapunto. Después de sus estudios y sus nuevas composiciones, actuó en Parma y Colorno y comenzó su fama con sólo 15 años.
La primera gira oficial de Niccolò Paganini comenzó en Italia en 1797 con conciertos en Milán, Bolonia, Florencia, Pisa y Livorno. Cautivó al público con su música fascinante y su extraordinario talento. 
En 1801 Niccolò partió hacia Lucca con su hermano Luigi y actuó en el Festival de Santa Croce. Tuvo un éxito instantáneo allí y se instaló en Lucca. Fue nombrado primer violín de la República de Lucca.
En 1805, Niccolò también fue nombrado segundo violinista de la corte y tutor de violín del marido de la hermana de Napoleón, la princesa de Lucca. Mientras trabajaba para la Princesa de Lucca, recibió su primera gran oportunidad cuando dio un recital en el Teatro alla Scala de Milán en octubre de 1813. Realizó más de cien conciertos en toda Italia y en ese momento se ganó la atención de los músicos. Así comenzó su fama como el violinista más destacado de Europa.
En 1828, Niccolò inició su primera gira europea que comenzó en Viena y por las principales ciudades de Alemania. Se instaló en Estrasburgo hasta 1831. Su éxito allí condujo a la «formación de un culto» donde todo era «a la Paganini».
En 1832, Niccolò Paganini realizó una gira por Gran Bretaña, Inglaterra y Escocia ganando enormes cantidades de dinero. Se instaló en París durante un año y comenzó a sufrir diversas dolencias. Su estrellato le trajo una gran fortuna, pero en ocasiones fue mal utilizada debido a su estilo de vida poco refinado y no tradicional. Niccolò regresó a su ciudad natal Génova en 1836 para publicar sus composiciones y tuvo conciertos realmente exitosos; el público acudió en masa para verlo actuar.

Niccolò Paganini partió hacia París en 1838 y debido al deterioro de su salud en sus últimos años, intentó fundar un casino propio que no tuvo éxito. Tras esto se mudó a Marsella, y más tarde a Niza, Francia donde falleció.

Logros y reconocimientos

En 1813, Niccolò Paganini realizó “La danza de las brujas” en Turín, de la que se dice que fue una de las “exhibiciones de pirotecnia con violín más impresionantes jamás presentadas” y el éxito de la misma lo llevó a la fama internacional.

En 1827, el Papa León XII confirió a Niccolò Paganini la Orden de la Espuela de Oro.
En 1828, mientras estaba en Viena, Niccolò Paganini recibió el título honorífico de Virtuoso de Cámara por parte del Emperador y recibió la medalla de San Salvador.
Niccolò Paganini es mejor recordado por sus “24 Caprichos para violín solo Op 1”, que escribió en tres grupos. (entre los años 1802 y 1817) Encargada por la ciudad de Génova, la obra se publicó por primera vez en 1982 con motivo de su bicentenario.
En la ciudad de Génova se han marcado 11 sitios que cuentan la historia de Paganini con una placa conmemorativa describiendo la importancia del lugar. 

Curiosidades:

Paganini fue uno de los primeros músicos en actuar sin partituras. Cuando estaba de gira a principios del siglo XIX, todavía era común que los intérpretes llevaran sus partituras consigo en el escenario. Paganini rechazó este enfoque.

Paganini, aficionado a los juegos de azar, perdió su violín Amati en una apuesta. Luego un violinista aficionado le prestó un Guarnieri. Desde entonces Paganini sólo tocaría un Guarnieri, al que llamó «Cannon», que se exhibe ahora en el Museo Palazzo Tursi, en su ciudad natal de Génova, Italia.

Paganini también apoyó a los artistas que no lograron su éxito financiero. Se supo que actuó para instituciones caritativas y en conciertos para apoyar a artistas indigentes hacia el final de su carrera.

Existen rumores de que Paganini pudo haber tenido uno o dos trastornos genéticos. El primero es el síndrome de Marfan, un trastorno que afecta el tejido conectivo del cuerpo y que a menudo se manifiesta a través de extremidades y dedos extremadamente largos. También se especula que Paganini tenía otro trastorno genético llamado Ehlers-Danlos, que se manifiesta como hipermovilidad de las articulaciones. Paganini desarrolló técnicas que nadie más podía realizar y su forma de tocar era extraordinaria. No es de extrañar que comenzaran los rumores que explicarían sus incomparables habilidades.

Debido a su inexplicable destreza y talento, y a su apariencia alta, delgada y demacrada, le dieron el sobrenombre de «Der Hexensohn» o «El hijo de la bruja». También fue llamado el «hijo del Diablo». Estos apodos a menudo se tomaban literalmente. Tanto es así que cuando murió, la iglesia se negó a enterrarlo en tierra sagrada. 

Obras de Paganini para violín solo:

  • 24 Capricci Op.1 M.S. 25 (c. 1805)
  • Sonata a Violín solo M.S. 83 Sin indicación de tempo
  • Adagio non tanto
  • Polonesa con variaciones (I-VII)
  • Caprice d´adieux M.S. 68 (¿1831?)
  • Introducción y variaciones sobre “Nel cor piu non mi sento”, de la ópera La molinara, de Paisiello M.S. 44 (¿1820?)
  • Capriccio ad Lib. –Tema (Variaciones I-VII)
  • God save the king per violino solo M.S. 56
  • Tema Andante sostenuto (Variaciones I-IV)
  • Inno patriotico, tema y seis variaciones M.S. 81
  • Tema Allegro (Variaciones I-VI)
  • Sonata a violin solo M.S. 6
  • Adagio
  • Allegro molto
  • Tema Variato per violino M.S. 82
  • Tema (Variaciones I-VII)

Paganini también compuso numerosas obras para violín y orquesta, música de cámara y también obras para violín y guitarra.

Grandes violinistas – Giovanni Battista Somis

Publicado el por Mila Emilova Sivova1 Comentario

Giovanni Battista Somis fue un eminente violinista, profesor y compositor italiano, nacido el 25 de diciembre de 1686 en Turín, (Ducado de Saboya). Su hermano era Lorenzo Giovanni Somis. Muy elogiado por su interpretación expresiva y un influyente defensor del violín, Giovanni Battista Somis obviamente también fue un compositor consumado con una voz distintiva. Compuso principalmente obras para violín.

Estudió violín con su padre, Francesco Lorenzo Somis (1663-1736), violinista de la orquesta ducal de Turín.
Hacia 1696 se unió a su padre en la orquesta ducal y luego estudió con Arcangelo Corelli en Roma (1703-06) bajo el patrocinio del duque de Saboya. De todos los alumnos de Corelli, Somis es el que más rápidamente salió de la sombra de su maestro para producir música de genuina individualidad y encanto.

Al regresar a Turín en 1707, se desempeñó como violinista solista y director de la capilla ducal hasta su muerte. Obtuvo un brillante éxito como solista en el Concert Spirituel de París (2 de abril y 14 de mayo de 1733).

Somis además fue mentor de otros violinistas célebres como Pugnani, J.M. Leclair, Guignon y Guillemain. También fue un distinguido compositor de música de cámara, siendo sus sonatas solistas de particular interés histórico. Lamentablemente, tan solo una parte de sus obras han sido conservadas en la actualidad:


Opus 1 – 12 sonatas para violín y bajo continuo.
Opus 2 – 12 sonatas para violín y bajo continuo.
Opus 3 – 12 sonatas para violín y bajo continuo.
Opus 4 – 12 sonatas para violín y bajo continuo.
Opus 5 – 6 sonatas a trío para dos violines y bajo continuo.
Opus 6 – 12 sonatas para violín y bajo continuo.
Opus 7 – Ideali trattimenti da camera para dos violines, dos flautas o violas.
Opus 8 – 6 sonatas a trío.