Violín Mariachi

El origen de la música mariachi está muy ligado a la aparición del violín (por aquel entonces Rebec) en México, allá por el s. XVI. Al parecer, el género de música denominado mariachi es producto de la combinación entre las tradiciones locales indígenas y las doctrinas traidas por los españoles. El violín aparece ya en las primeras formaciones musicales mariachi y es impulsor de la creación de la vihuela mexicana, instrumento de cuerda inventado por Justo Rodríguez Nixen. 

A finales de 1700 había comenzado a evolucionar una forma de canción que usaba coplas de rima tópica o satírica, con el violín generalmente a la cabeza de la melodía. Esto tomó gradualmente el manto de un idioma musical nacional, incorporando elementos de las diferentes culturas, y durante la guerra por la independencia en 1810-21 se convirtió en un símbolo de lucha, libertad y orgullo nacional.

El propio término mariachi, según fuentes, tiene varios posibles orígenes etimológicos. Por una parte está su similitud con la palabra francesa «mariage» que significa matrimonio. En este sentido el género mariachi haría referencia a la música que se interpretaba durante los festejos nupciales. Por otra parte, mariachi podría provenir de la lengua nativa de Cocula, haciendo referencia a la Virgen María del Río y a su canción, convirtiéndose así de «Maria ce son» a «mariachi».

Violín mariachi

Las bandas de mariachis incluyen desde dos hasta un extenso grupo de violinistas, a menudo con formación clásica y armados con un repertorio enorme y una técnica impresionante. Tocando normalmente al aire libre y compitiendo con una sección de trompetas desenfrenada, los violinistas necesitan un tono potente y un vibrato fuerte. Suelen tocar en armonía unos con otros, con las trompetas haciendo contramelodías. Las notas de gracia se utilizan ampliamente y el pizzicato es muy común.

Mariachi Vargas

Los primeros grupos organizados comenzaron a mediados del siglo XIX; en 1850 Amado Vargas fundó una banda con dos violines, arpa y guitarra de golpe (una pequeña guitarra de 5 cuerdas). Su hijo Gaspar se hizo cargo en 1898, llamando al grupo Mariachi Vargas de Tecalitlan, y esto fue para probar el modelo e inspiración para todos los grupos de mariachi posteriores. Hacia el cambio de siglo, los mariachis llegaron a la Ciudad de México y prosperaron con la introducción de la radio en la década de 1920. La vihuela (una guitarra de 5 cuerdas) se agregó a la formación estándar, junto con las trompetas que ahora son fundamentales para el sonido del mariachi. Se agregaron más violines para equilibrar las trompetas. La verdadera edad de oro del mariachi llegó en los años 40 y 50 con la llegada del cine. Solo el conjunto Mariachi Vargas apareció en más de 200 películas. 

La banda de mariachis moderna normalmente consta de al menos 8 integrantes; 2 trompetas, 3 violines, vihuela, guitarrón (un tipo de bajo acústico con un cuerpo enorme y cuello corto) y posiblemente un arpa o guitarra de golpe. Las bandas tienen un repertorio amplio y variado, que refleja la diversidad de situaciones sociales en las que están llamadas a actuar.

Laura Garciacano Sobrino fue apodada por primera vez la «Reina del Mariachi» en 1995 por Los Angeles Times. Laura Sobrino también fue directora y violinista principal del Mariachi Reyna de Los Ángeles, y originalmente fue la responsable de buscar el talento femenino en el mariachi. La Sra. Sobrino también fue la directora musical y violinista del grupo de mariachis «Mariachi Mujer 2000».

A pesar de su importancia, el mariachi no es de ninguna manera el único estilo de tocar el violín que se encuentra en México. Juan Reynoso es un violinista virtuoso que, a finales de los 80, dirige su propia banda al estilo tradicional de Tierra Caliente en el suroeste del país.

El método de Kato Havas – eliminar la tensión y disfrutar de la música

El «Nuevo Enfoque para tocar el violín»

Kató Havas, nacida en la pequeña ciudad de Keszdivasarhely (Rumanía) el 5 de noviembre de 1920, fue una niña prodigio del violín en Hungría. Introducida al instrumento a la edad de 5 años, dio su primer recital profesional cuando tenía 7. Su compatriota, Emil Telmanyi, quedó tan impresionado con su forma de tocar que hizo que fuera a Budapest a la edad de 8 años para estudiar con Imre Waldbauer en la Academia Franz Liszt. 

A la edad de 18 años, Kató realizó una corta gira de conciertos por Estados Unidos y el 10 de octubre de 1939 debutó en el Carnegie Hall con gran éxito de crítica. Luego conoció y se casó con el autor William Woods, y no pudo regresar a Hungría durante más de treinta años debido a la guerra y la posterior ocupación rusa.

Con tres hijas pequeñas que cuidar, dejó de lado la actuación pública, y fue durante este período cuando lo que se convertiría en el «Nuevo Enfoque» estaba germinando en su mente. Buscó al violinista David Mendoza, quien entendió la verdadera función de la mano izquierda en relación con el brazo derecho, que era forjar el último eslabón de la cadena para su enfoque holístico de tocar cuerdas.

Una faceta de su enseñanza era que aceptaba a cualquiera como alumno, ya fuera un principiante o un concertista solista, y podía dar a cada uno lo que necesitaba. Ya sea en una situación individual o en un taller con 20 o 30 personas, su comunicación fue omnipresente y su carisma lo abarcó todo. Se dijo que en los primeros minutos después de haber entrado en la sala de un taller, pudo evaluar los problemas violinísticos de la mayoría de las personas allí.

Si bien el reconocimiento pudo haber sido inicialmente lento en su propio país, en poco tiempo fue invitada a dar conferencias extensas en todo el mundo donde sus ideas fueron aceptadas con entusiasmo en países como Australia, Nueva Zelanda, Canadá y muchos países europeos. Daba conferencias regularmente en los Estados Unidos, regresando anualmente a California y Nueva Inglaterra para talleres muy populares. En su estudio de Oxford en Inglaterra, donde tenía su sede, se acercó a ella y trabajó con jugadores de todo el mundo.

En 1985, los alumnos de Kató en todo el mundo se constituyeron en «La Asociación Kató Havas para el Nuevo Enfoque (KHANA)». En 1991 hizo un video de enseñanza en el que pudo demostrar los principios del Nuevo Enfoque en menos de una hora, ¡a la edad de 71 años, una de sus mejores actuaciones en solitario! En septiembre de 2002, cuando la rueda había cerrado el círculo, fue invitada a regresar a Hungría para dar una conferencia en un salón abarrotado de músicos y profesores de la Academia donde había estudiado de niña.

Kato Havas

El método de Kató y su «Nuevo Enfoque»

Kato Havas explora los problemas inherentes al tocar y se enfatiza una sensación de bienestar, tanto en el equilibrio físico como en la actitud mental. Los violinistas experimentan la libertad que se hace posible a través del pulso rítmico activo y la sensación de no tener un violín o arco «sujetado». Dos movimientos o columpios del brazo derecho abarcan todos los «golpes de arco» y movimientos equilibrados y danzantes de la mano izquierda responsables de la calidad del tono, la entonación, el vibrato, liberan a los intérpretes de cuerdas de la ansiedad por los cambios, las paradas dobles y los cruces de cuerdas.

El Nuevo Enfoque no es un método en el sentido ordinario de la palabra. Es un sistema altamente organizado que previene y elimina tensiones y ansiedades. Destaca los aspectos físicos, mentales y sociales de la interpretación con especial referencia a tocar el violín (aunque el Los principios se aplican igualmente a otros instrumentos.) Unifica mente, cuerpo y espíritu, y coordina los equilibrios naturales del cuerpo en un todo poderoso y sin esfuerzo.

El uso de equilibrios naturales elimina el «agarre del violín» y el «agarre del arco», como tales, que a menudo son las principales causas de dolores de cabeza, dolores de espalda y tendinitis.

Un control interno estructurado con el uso de pulso rítmico; El uso del «oído interno» y del «ojo interno» asegura una transmisión fluida de energía. Estos, junto con la liberación de presión y contrapresión del instrumento, permiten el juego completo de las vibraciones simpáticas y aseguran un vibrato natural. Cantar e imitar, el poder de las palabras y el poder de la imaginación, juegan un papel importante en la realización del máximo potencial del violinista. 

Puedes encontrar la entrevista concedida por Kató Havas para Charlotte Tomlinson en el siguiente enlace

Clases de violín para adultos principiantes

Aprender a tocar un instrumento musical puede ser complicado y requiere años de práctica. Es por esto que se recomienda comenzar a edad temprana, pero no es obligatorio. Un adulto también puede aprender a tocar el violín. Los resultados dependerán sobre todo de su constancia y muchas horas de estudio.

Una de las ventajas de aprender a tocar un instrumento a edad adulta es que el estudiante suele estar más concienciado y el tiempo de estudio que dedique al violín será de calidad. Si eres violinista principiante y ansías poner en práctica tus dotes musicales cuanto antes, quizás te interesen las clases de violín particulares con un violinista experto.

Deberás encontrar profesores de violín profesionales que tengan experiencia con estudiantes adultos, pues el método de enseñanza puede ser más intensivo que el usual para niños.

Puedes consultar algunos de estos directorios de profesores de violín, o bien buscarlos por tu cuenta en tu ciudad:

Independientemente de tu nivel, puedes echar un vistazo a los siguientes consejos que te ayudarán a crear un hábito sano a la hora de tocar el violín:

Rutina

Una vez que hayas comprado un violín, necesitarás tener algún tipo de estructura para practicar. Esto a menudo se conoce como una «rutina de práctica». Puede ser tan difícil o flexible como quieras, pero algún tipo de guía puede ser útil. No pases meses practicando habilidades al azar, solo para descubrir que todavía no tienes idea de lo que estás haciendo.

Cada nivel tiene una estructura de aprendizaje, que consiste en:

Una vez que hayas completado un nivel, puedes pasar al siguiente y añadir ejercicios más difíciles. Este es un buen sistema de estudio, porque te permite practicar todas las áreas de la interpretación del violín y hacer un progreso constante. Además, al aumentar gradualmente la dificultad de cada área, te asegurarás de aprender siempre nuevas habilidades con el violín.

Ya sea que elijas aprender con un profesor de violín o practicar por tu cuenta, necesitas tener una estructura en tu práctica para obtener los mejores resultados.

Práctica, práctica y más práctica

Ahora que tienes una rutina de práctica, ¡necesitas practicar! Cuando se trata de aprender a tocar el violín, lo más importante que puedes hacer es practicar. Obviamente, seguir tu rutina de práctica debe ser tu prioridad. Sin embargo, eso no significa que no puedas tocar algunas canciones u obras divertidas de vez en cuando.

Para ver resultados, algunos violinistas optan por utilizar técnicas de práctica específicas. Si bien esto no es necesario, puede ayudarte a mantenerte más concentrado durante una sesión de práctica.

Decide en qué trabajarás

Pon el temporizador en 25 minutos. Concéntrate solo en tu(s) tarea(s) durante esos 25 minutos. Cuando suene el temporizador, configúralo de nuevo durante cinco minutos y tómate un descanso.
Después de tu descanso de cinco minutos, configura el temporizador para otros 25 minutos y vuelve al trabajo. Puedes seguir así todo el tiempo que quieras y mantenerte increíblemente concentrado.

Para aquellos que tienen menos tiempo, pueden crear una versión más corta del sistema anterior. Concéntrate durante un cierto tiempo en cada parte de la interpretación que te gustaría practicar.
Por ejemplo:

  • 5 minutos de escalas
  • 3 minutos de arpegios
  • 10 minutos de estudios
  • 15 minutos de repertorio

     

 Obten retroalimentación de un profesor de violín

Si bien es genial practicar el violín por tu cuenta, también es una excelente manera de terminar con una técnica inadecuada. Asegúrate de obtener la ayuda de un maestro para verificar la postura, la técnica y la entonación adecuadas. De esta manera, aprenderás las técnicas correctas desde el principio.

Clases de violín en línea

Las aplicaciones de música en línea han recorrido un largo camino y algunas de ellas están diseñadas especialmente para el violín. Si la instrucción privada está fuera del presupuesto, aprovecha las buenas clases de música online para obtener apoyo adicional, acceder a consejos, lecciones en video, partituras, ejercicios específicos para violín, etc.

Violín Irlandés

Violín irlandés

Ya en la Edad Media, Irlanda tenía una reputación internacional por la calidad de sus músicos. Aunque había numerosos instrumentos musicales de cuerda en uso en ese momento, el nombre y la descripción precisos de estos están abiertos a una gran confusión. Se dan tres nombres diferentes a los tipos de lira; el cruit el crot y el timpan (el timpan no era un tambor a pesar de la connotación de su nombre). Hacia el siglo XI o XII el arco se había introducido en Irlanda y, como sucedió en Inglaterra y Gales, hubo una rápida evolución a medida que las liras se adaptaron para el arco. Aproximadamente al mismo tiempo.

Una de las principales características de la música irlandesa son las ornamentaciones

Gran parte de la ornamentación del violín se basa en el uso de notas de gracia para imitar el sonido de la gaita. Las notas de gracia se utilizan ampliamente en la música de gaita porque, a diferencia de otros instrumentos de viento, donde el flujo de aire está controlado por la boca o la lengua, el canto de la gaita recibe un flujo continuo de aire de la bolsa. Las notas de gracia son la única forma de agregar características distintivas entre dos notas del mismo tono, tocadas una tras otra. La ornamentación se puede dividir en ornamentación de la mano izquierda y ornamentación de arco (o de la mano derecha). Algunas personas dirán que el violín irlandés se centra más en el uso de ornamentación para zurdos, mientras que la música escocesa se basa más en el uso del brazo derecho o del brazo arqueado.

Los adornos pueden ser tocados o inclinados; mientras que en el violín escocés predomina el adorno arqueado, en Irlanda la digitación es más importante. Las notas de adorno minúsculas son muy comunes y pueden aparecer en varios contextos diferentes.

TIPOS DE ESTRUCTURAS EN MÚSICA IRLANDESA

El repertorio irlandés consta de varios tipos diferentes de estructuras; aquí tienes algunas de los principales:

Los «Reells» son melodías rápidas en 4/4. Fueron importados de Escocia a finales del siglo XVIII, pero ahora han desarrollado su propio estilo en Irlanda y constituyen una gran parte del repertorio. Se componen principalmente de corcheas que se pueden tocar, o se les puede dar un swing un poco como las trompetas. Los patrones en los que el arco se balancea a través de dos cuerdas son comunes en los reells.

Las hornpipes se introdujeron desde Inglaterra. Son similares a los reells, pero con un ritmo animado que se crea alargando el primero de cada par de corcheas y acortando el segundo. Suelen tocar más lento que los reells, especialmente para bailar. Una trompeta se puede identificar de forma fiable si la línea de 8 compases termina con tres entrepiernas pares, como por ejemplo en la trompeta del marinero). Las hornpipes tienden a ser más melódicas que los reellsy con un interés más armónico, y los tresillos frecuentes son una característica común.

Las polcas tienen un tempo más estable, en 2/4 tiempos. Suelen ser melodías muy sencillas y muy frecuentes en el sur de Irlanda.

Los jigs, entre las formas más antiguas de melodía de baile irlandés, tienen un ritmo de 6/8, con un énfasis al principio de cada tres notas. Los jigs son ocasionalmente de tres partes o de cuatro partes, pero como la mayoría de las melodías irlandesas suelen ser de 2 partes.

«Slip jigs». Mucho menos comunes que los jigs ordinarios, tienen una sensación similar pero están en 9/8 .

«Slides· similar a las Slip jigs, pero en un tiempo rápido de 12/8; sólo se encuentra en el suroeste de Irlanda.

Los «Slow airs», derivados en parte del canto gaélico sean-nos (estilo antiguo), solo se tocan ocasionalmente en las sesiones y exigen más tono y entonación que las melodías de baile.

Hay muchas melodías que aparentan ser irlandesas, que de hecho son escocesas y viceversa. Esto se debe a siglos de entremezclado entre las dos culturas. En cuanto a los tipos de melodías interpretadas por violinistas irlandeses y escoceses, los jigs, reells y hornpipes son comunes entre ambos, pero un strathspey es un tipo distinto de melodía de danza tradicional escocesa que se originó en las Tierras Altas de Escocia.

Para complicar aún más las cosas, el violín irlandés y escocés puede variar mucho entre las regiones dentro de cada país. Por ejemplo, hay regiones dentro de Irlanda, como el condado de Donegal, en donde tocan música de violín que está más en sintonía con el estilo escocés. En Escocia, tocar el violín en la región de Shetland y la región noreste es diferente de tocar el violín en las Highlands. También está la isla de Cape Breton en Nueva Escocia, Canadá, que fue colonizada por los montañeses escoceses, y tiene su propio estilo único de tocar el violín que es similar al de los montañeses escoceses.

¿Cuánto cuesta un violín?

¿Quién es el encargado de tasar un violín, además del luthier que lo creó? A la hora de comprar o vender un instrumento antiguo, muchos aconsejan solicitar la certificación de un experto. Existen tasadores profesionales de violines que proporcionan certificados de autenticidad de origen, así como un precio aproximado del instrumento.

¿Cómo saber a qué tasador dirigirte? Quizás esta sea la tarea más complicada, puesto que hay muchos especialistas en todo el mundo y todos ellos aseguran poder hallar el origen del instrumento con un mínimo margen de error. Generalmente, los luthiers suelen ofertar la tasación de intrumentos mediante un certificado otorgado por su propia firma de luthier, pero, ¿cómo podemos conocer el valor de un violín cuyo origen sea desconocido? ¿Deben basarse los expertos en este caso en las cualidades de sonido y de estética del violín?

A lo largo de varios siglos se han fabricado «copias» de violines famosos en toda Europa y aunque la etiqueta especifique el año y el país de procedencia, muchos no muestran el nombre del luthier u otros detalles. Es aquí donde surge el problema para poder valorizar un instrumento con exactitud, puesto que cualquier violín que no forme parte de la colección de obras de Stradivari, Guarneri, Maggini, Amati o Stainer (entre otros) sería difícil de identificar; es decir, existen métodos para determinar si un violín pertenece a una de estas familias de luthiers debido a que poseen marcas concretas, barnices u otro tipo de «firmas» de autor que son inimitables, ademas de ser fabricados mayormente durante el s. XVIII.

Etiqueta de violín

Según el Instituto Smithsonian de Norteamérica, que cuenta con una extraordinaria colección de instrumentos, la autenticidad de un violín (es decir, si es realmente el producto del fabricante cuya etiqueta o firma lleva) solo se puede determinar mediante un estudio comparativo del diseño, el modelo, las características de la madera y la textura del barniz. Esta experiencia se obtiene mediante el examen de cientos o incluso miles de instrumentos, y no hay sustituto para un ojo experimentado. El Smithsonian no determina el valor monetario de los instrumentos musicales. Para tal tasación, ellos recomiendan que el instrumento sea examinado por un vendedor de violines confiable.

Por lo tanto, instituciones como Smithsonian podrían identificar, quizás, si el instrumento forma parte de las obras de estas familias de luthiers tan conocidos mundialmente, pero no se encargarían de examinar los violines que presenten etiquetas falsificadas o «copias».

Por otra parte, James Buchanan, experto en violines de la casa de subastas de Amati, explica brevemente el proceso de elaboración de las etiquetas de violines, concretamente las etiquetas falsificadas, muy populares en Europa ya durante el s.XIX. Parece ser que algunos luthiers solían usar el nombre de Stradivari en sus etiquetas para aumentar el valor de sus piezas. Según Buchanan, la práctica de falsificar las etiquetas fue levemente desacelerada gracias a una ley de 1890 sobre aranceles que establecía que todo artículo debía indicar su país de origen.

¿Significa esto que los violines del s. XIX con etiquetas falsificadas no tienen valor? No. Lo cierto es que muchos de estos violines son de una excelente calidad pero presentan una etiqueta falsa. En cualquier caso, para obtener la mejor apreciación por parte de un experto, es aconsejable acudir al menos a un luthier que sea del mismo país o ciudad que indique la etiqueta del violín.

El certificado escrito es necesario para asegurar un instrumento. La prueba precisa de autenticación y valoración puede beneficiar tanto al cliente como al asegurador. Un certificado de autenticidad garantiza que el instrumento es genuino, protege su valor y previene la actividad de falsificación en el mercado.

La casa Amati afirma que algunos de los mejores certificados del siglo XX fueron los ofrecidos por J. & A. Beare (Londres), W.E. Hill & Sons (Londres) y Bein & Fushi (Chicago), entre otros.

Algunos de los certificados de autenticidad más conocidos actualmente son los otorgados por Jean-Jacques Rampal, fabricante de violines de París. El certificado da el origen del instrumento, su descripción completa (medidas, tipos de materiales utilizados, etc.)

Certificado de autenticidad

Obras para violín que no son tan conocidas

Generalmente todo violinista suele cubrir un repertorio de obras clásicas, barrocas y románticas durante sus años de estudio, que suelen ser establecidas por el programa educativo o por el profesorado. Estas obras se consideran fundamentales y es muy probable que además formen parte del repertorio obligatorio para concursos y puestos de trabajo en las orquestas más reconocidas. Hablamos, por ejemplo, de los conciertos para violín de Mozart (cualquiera de ellos), las sonatas de Bach y conciertos de estilo romántico como los de Mendelssohn, Bruch, Wieniawski, etc… o bien algún capriccio de Paganini, como pieza técnica.

Pero lo cierto es que existen muchos más compositores y muchas más obras para solo de violín, aún sin contar el período a partir del s. XX.

Hoy hemos seleccionado algunas piezas no tan conocidas pero igualmente extraordinarias y bellas. Quizás las conozcas todas, o puede que ni siquiera te suenen, en cualquier caso te invitamos a echarles un ojo (y un oído):

Sonatas del Rosario o Sonatas de los Misterios, de  Heinrich Ignaz Franz Biber (1684)

Sonata para violín y piano de Amy Marcy Cheney Beach (1896)

Sonata de César Franck, escrita en 1886 como regalo de cumpleaños para el violinista y compositor Eugène Ysaÿe.

Melodía Hebrea de Joseph Achron (1911)

Sonata No. 6 («Manuel Quiroga») de Ysaÿe (1923)

Spiegel im Spiegel (Espejo en Espejo) escrita por Arvo Pärt en 1978

Si quieres conocer las partituras de obras para violín, puedes visitar la página imslp

El violín en el Jazz

Jazz violinista

El Jazz proviene de Norteamérica y el violín de Europa. El Jazz tuvo su origen a finales del s. XVIII, mientras que violín tal y como lo conocemos lleva existiendo desde el s. XVI. Aún así, la combinación de ambos resulta ser magnífica.

La introducción del violín en el Jazz tuvo lugar durante la década de los años veinte del siglo pasado, y aunque no sea de los instrumentos más característicos de este género, lo cierto es que hay algunos violinistas que se hicieron muy famosos gracias a sus interpretaciones de Jazz, entre ellos Eddie South o Stèphane Grapelli.

Al llegar a Europa, el Jazz sufrió algunas mutaciones, resultado de adaptaciones de los diferentes estilos folclóricos europeos, dando origen así al tan conocido estilo Gypsy Jazz de influencia húngara.

Actualmente estos estilos están resurgiendo nuevamente y muchos violinistas optan por adentrarse en el Jazz. Quizás el motivo sea que ya se ha dejado de estigmatizar a este género musical, ya no se trata de un estilo de música destinado solamente a aquellos que necesitan manifestar su desacuerdo con la sociedad. Hoy en día el Jazz se ha fusionado con todos los géneros musicales dando lugar a impresionantes combinaciones.

Las escuelas más importantes de Jazz se siguen encontrando en EEUU, pero también las hay en Europa y Latinoamérica. No obstante, puedes encontrar mucha información en línea que te ayudará a adentrarte en el mundo del Jazz ya que, después de todo, de lo que se trata es de improvisar.

El Duo Duende – La unión de dos intérpretes que aman la música española

Anna Emilova (violín) y Bob Bozonelos (guitarra) componen el Duo Duende, una formación musical enfocada en las obras españolas. Los intérpretes nos ofrecen una maravillosa manera de oir piezas de aires mediterráneos, gracias a su amplia trayectoria musical y a sus conocimientos sobre las tradiciones y el folclore español.