Categoría: Grandes violinistas

Grandes violinistas – Joseph Joachim

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El violinista Joseph Joachim, el menor de siete hijos, nació el 28 de junio de 1831 en Kittsee, un pequeño pueblo cerca de Pressburg, actual Eslovaquia. Su padre era comerciante. A la edad de un año, su familia decidió establecerse en Pest.

La educación musical de Joseph Joachim comenzó con la guitarra, que solía servir de acompañamiento en las prácticas vocales de su hermana mayor, hasta que un día su padre le trajo de la feria un violín infantil. Este se convirtió en su compañero inseparable y pronto comenzó a adquirir buen sonido. Todo lo que oía, lo reproducía después en su instrumento. Así continuó hasta los seis años, cuando comenzó a recibir clases. Tuvo la buena fortuna de encontrar a un maestro experimentado y concienzudo, Servaczinski, a quien le debía la adquisición de esa temprana y segura «técnica» que constituye la base indispensable de toda vocación artística.

Antes de cumplir siete años, Joseph Joachim ya había ganado sus primeros premios musicales. Dos tíos suyos vivían en Viena, quienes prometieron cuidar del futuro de su sobrino. Más tarde estuvo bajo la tutela de George Hellmesberger. Este artista, tras instruir a Joseph durante casi un año, declaró inesperadamente que la mano derecha de su alumno estaba demasiado débil para manejar el arco con la energía necesaria. Justo en ese momento, el famoso violinista Ernst celebraba brillantes triunfos en la capital austriaca. El joven Joseph acudió apresuradamente a él y le contó su difícil situación, encontrando una cálida recepción y recibiendo ayuda real. Gracias a la mediación del virtuoso, el excelente maestro de Ernst, Bohn, recibió al niño en su propia casa. Transcurridos tres años, no había nada que pudiera enseñarle a su alumno. La formación del violinista estaba completa; la del artista aún estaba por comenzar.

En los años treinta y cuarenta del siglo XIX, Leipzig era el centro indiscutible de la vida musical alemana. La riqueza musical que poseía la época actual cobró forma creativa en las personas de Mendelssohn y Schumann. Para ambos, Leipzig se había convertido en su segundo hogar. Allí, en el recién erigido Conservatorio de Música y en las antiguas y renombradas interpretaciones de la Gewandhaus, se podía encontrar la fuente de toda enseñanza y estímulo artístico. Una prima de Joachim, con quien en sus inicios había practicado diligentemente las sonatas de Beethoven, se había casado y establecido en Leipzig. A pesar de la oposición de sus tíos, Joseph Joachim se mudó a Alemania.

Sabemos que Mendelssohn se hizo cargo de Joseph Joachim, cuyo auténtico prestigio artístico su agudo ojo experimentado reconoció a primera vista. Lo ayudó incansablemente, brindándole consejos y ayuda material. En el invierno de 1844, Joachim ya tocaba en público en Leipzig y al año siguiente siguió a Mendelssohn a Londres. Con su interpretación de Beethoven, Joachim sentó las bases de su extraordinaria popularidad en Inglaterra. Desde entonces, numerosas temporadas en Londres lo han recibido como invitado de honor.

Tras regresar a Leipzig, se convirtió en miembro de la orquesta de la Gewandhaus, que también era la del teatro cuando se representaba ópera. Allí tuvo la gran oportunidad de conocer la orquesta en su conjunto, así como la naturaleza de cada instrumento individual. En el otoño de 1849, con el título de concertino, se trasladó a Weimar, donde Liszt era muy popular y reunía a su alrededor a toda la juventud musical de Alemania. Esta nueva esfera de actividad no atrapó por mucho tiempo a nuestro joven artista; pues en 1851, recibió una llamada a Hannover como director principal de los Conciertos Sinfónicos que se establecieron allí durante ese invierno.

En 1863 se casó con Amalie Weiss, por aquel entonces prima donna del Teatro de la Corte, y tras la guerra prusiano-austriaca, se estableció en Berlín.

Entre todos los virtuosos de aquel momento, Joseph Joachim ocupaba sin duda el primer lugar. Además, Joachim tenía un especial interés en la música de cámara. También es conocido como compositor, especialmente por su Concierto Húngaro; mientras que como director de la Hochschule für Musik de Berlín, Joseph Joachim cosechó un éxito notable.

Joseph Joachim fue obsequiado con un violín Stradivarius en 1899 con motivo de la celebración del Jubileo por el 50.º aniversario de su recital de debut en Londres. Este excepcional violín había sido fabricado en 1715 por Antonio Stradivari y se llamaba «Il Cremonese». Este tipo de celebraciones y regalos no es infrecuente en la carrera de Joachim, lo que refleja su inmensa popularidad y la admiración que despertaba. El 4 de mayo de 1904, se organizó un «Jubileo de Diamante» en su honor para celebrar el 60.º aniversario de su primera aparición en Londres, demostrando una vez más sus estrechos vínculos con Inglaterra. Joachim recibió un discurso y un retrato suyo realizado por John Singer Sargent. El propio Primer Ministro asistió al evento.

La fuerte reacción que provocó la muerte de Joachim el 15 de agosto de 1907 se puede apreciar en numerosos obituarios, panegíricos, artículos periodísticos y cartas de amigos que lamentaban la pérdida de un gran hombre. Joachim fue reconocido no solo por su talento musical, sino también por su gran calidad humana.

Grabación Joseph Joachim

Grandes violinistas – Anna Maria della Pietà

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Anna Maria della Pietà, que en un principio recibía el nombre de «Chiara», fue acogida por el orfanato Ospedale della Pietà de Venecia, cuando tenía solamente dos meses de vida. La fecha exacta de su nacimiento se desconoce, pero se cree que fue en el año 1696. Durante su infancia pasó a ser conocida como Anna Maria dal Violin y durante su vida adulta como Anna Maria della Pietà. El sacerdote y compositor Antonio Vivaldi fue su maestro, y ella fue, evidentemente, una de sus alumnas favoritas, pues le dedicó 28 conciertos para violín.

Anna Maria llegó a gozar de una magnífica reputación durante su vida como una de las mejores virtuosas del violín de Europa; varios viajeros y críticos contemporáneos la elogiaron. A pesar de su estatus de clausura en «la Piedad», se convirtió en el equivalente a una celebridad en el siglo XVIII.

La devoción, la modestia, la buena conducta, el silencio, la obediencia y el evitar la ociosidad eran los requisitos básicos para sobrevivir en la Piedad. Aunque sus ascensos fueron tardíos en comparación con los de sus compañeras, Anna Maria ascendió en el coro hasta alcanzar la cima de la música, dominando seis instrumentos además del violín, y llegando a ser concertina y directora de la orquesta de la Piedad. Vivió hasta la asombrosamente avanzada edad de 86 años, para la época.

Desafortunadamente aún se desconocen bastantes datos sobre la vida de Anna Maria della Pietà puesto que, a pesar de ser toda una celebridad en el mundo de la música, existen muy pocos documentos escritos y publicados sobre ella. No obstante, puedes conocer más detalles sobre la vida y carrera de Anna Maria della Pietà en el libro «La violinista» de Harriet Constable y también en el libro «Las vírgenes de Vivaldi«, de Barbara Quick.

A continuación podrás oír algunos de los conciertos compuestos por A. Vivaldi y dedicados a su alumna Anna Maria della Pietá:

Violin Concerto en D menor (RV 248)

Violin Concerto en B-bemol (RV 363)

Concierto para mandolina en C (RV 425)

Grandes violinistas – Wilma Neruda

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Cuando Wilhelmine (Wilma) Maria Franziska Neruda nació en Brünn (actual Brno), República Checa, en 1838, el mundo de la música era muy diferente al actual. Las mujeres intérpretes eran reconocidas como cantantes y toleradas como pianistas, pero una carrera solista como violinista o violonchelista estaba descartada. Por otro lado, el público adoraba a los Wunderkinder (niños prodigio), que eran bien recibidos en todas partes, independientemente de su género o instrumento.

El padre de Wilma, Josef Neruda, estaba decidido a invertir en las carreras musicales de sus hijos. Josef dejó su trabajo de organista en 1845 para dedicarse a sus hijos. La hermana mayor de Wilma, Amalie, aprendió a tocar el piano, mientras que su hermano Viktor debería haberse convertido en violinista y Wilma en pianista.

Pero Wilma se sintió atraída por el violín de su hermano, el cual tocaba en secreto. Un día, su padre oyó música procedente de la habitación de Viktor y, «lleno de alegría por el progreso que creía que había hecho su hijo, subió corriendo las escaleras y descubrió su error». Inmediatamente reconoció el talento de Wilma. No solo le permitieron pasarse al violín, sino que se convirtió en el centro del plan de su padre. Viktor recibió un violonchelo y la familia se mudó a Viena en busca de fortuna. Una vez allí, el eminente Leopold Jansa escuchó tocar a Wilma y quedó tan impresionado que la aceptó como alumna con la condición de ser su único maestro.

Este fue el comienzo de la extraordinaria carrera de Wilma Neruda. En mayo de 1845, Wilma y Amalie actuaron juntas en público por primera vez en Brno. Se dice que Wilhelmine poseía un gran talento precoz y de rápido desarrollo, y su interpretación del instrumento, anteriormente solo interpretado por hombres, se caracteriza por un arco potente, tranquilo y seguro, un tono pleno y conciso, y la fácil y hábil superación de las dificultades técnicas.

La explotación de los niños prodigio fue objeto de un acalorado debate en su época, pero, aunque los Neruda recibieron sus críticas, algunos comentaristas argumentaron que Wilma era un caso especial: «A pesar de nuestra postura general contra los niños prodigio, debemos, sin embargo, hacer una excepción cuando el genio del arte despliega sus alas y existe una clara predisposición para la profesión musical, y debemos sintonizar con el fuerte aplauso que premió a la talentosa Wilhelmine Neruda por sus logros», escribió un crítico vienés tras un concierto. en 1846.

Los Neruda continuaron actuando en Alemania, Bélgica y Francia antes de llegar al Reino Unido, donde su primer concierto tuvo lugar en el Princess Theatre de Londres en abril de 1849. El público respondió con entusiasmo y, en lugar de dos conciertos, como se había planeado originalmente, los hermanos ofrecieron 18 conciertos. En junio del año siguiente, Wilma (ahora de 11 años) fue invitada a sustituir a Joseph Joachim, quien había cancelado una actuación en la Sociedad Filarmónica

«Cuando llegué a Londres por primera vez, me sorprendió descubrir que se consideraba casi inapropiado, ciertamente impropio de una dama, que una mujer tocara el violín». – Wilma Neruda

La propia Wilma reflexionó posteriormente sobre la evolución de la actitud hacia las violinistas: «Cuando llegué a Londres por primera vez […] me sorprendió descubrir que se consideraba casi inapropiado, ciertamente impropio de una dama, que una mujer tocara el violín. En Alemania, la cosa era bastante común y no suscitaba comentarios. No podía entender —me parecía tan absurdo— por qué aquí la gente pensaba de forma tan distinta. […] Pero, por supuesto, todo es diferente ahora, y me atrevo a decir que ahora tocan el violín más mujeres en Inglaterra que en Alemania.

A finales de 1849, Josef Neruda decidió traer a sus hijos a Rusia. Su otra hija, Marie, se había unido a sus hermanos como segunda violinista. Su gira por Rusia fue un éxito, pero la vida en la carretera pasó factura: Viktor Neruda falleció a los 15 años en 1852, probablemente como resultado del estrés constante de las presentaciones y los viajes. Más tarde, los Neruda regresaron a Brno y pronto los jóvenes músicos estaban de nuevo de gira por Polonia, Alemania y, en la década de 1860, Suecia y Dinamarca.

Los ingresos de la gira por Escandinavia fueron tan cuantiosos que los hijos de Neruda pudieron comprar una casa para sus padres en Brno. Después de esto, Wilma comenzó una nueva vida en Estocolmo, donde conoció a Ludvig Norman, compositor y director de la Real Academia de Música. Se casaron el 27 de enero de 1864, pero Wilma no abandonó su carrera artística. Al contrario, actuó con su esposo y fundó «una compañía de conciertos en Estocolmo para promover obras de música de cámara en Suecia». Tuvo dos hijos; Ludvig y Waldemar, nacidos en 1864 y 1866 respectivamente.

Pero pronto los Norman se distanciaron. Es evidente que, a pesar de sus hijos y su puesto como profesora de violín en la Real Academia de Estocolmo, Wilma deseaba abandonar Suecia. Para 1869 se separaron y Wilma regresó a sus giras por Europa. Se encontraba entonces en la cima de su carrera.

En el Reino Unido, donde se estableció, Wilma era muy solicitada. Tocó en la Sociedad Filarmónica de Londres, con el Cuarteto Joachim de Inglaterra, y en los Conciertos Populares del St. James’s Hall, donde fue la primera mujer en dirigir música de cámara. También se la escuchaba frecuentemente con la Orquesta de Charles Hallé en Manchester y ofreció conciertos conjuntos con músicos como Joachim, Piatti, Ries, Clara Schumann y Vieuxtemps.

Wilma incluso fue mencionada por Sherlock Holmes: «Su ataque y su arco son espléndidos. ¿Qué es esa pequeña pieza de Chopin que interpreta tan magníficamente? Tra-la-la-lira-lira-lay», parloteó el famoso detective en su primera aventura.

Ludvig Norman falleció en marzo de 1885. Tres años después, Wilma se comprometió con Charles Hallé, con quien había sido un amigo íntimo durante décadas. Hallé fue nombrado caballero por la reina Victoria en junio de 1888 y, tras su matrimonio al mes siguiente, Wilma se convirtió en Lady Hallé. A pesar de la considerable diferencia de edad (Charles tenía 69 años y Wilma 50), la unión fue un éxito tanto en el escenario como en la vida privada. Continuaron actuando juntos y saliendo de gira, aunque Wilma también actuó en solitario. Se encontraba en Dinamarca cuando Hallé falleció repentinamente el 25 de octubre de 1895. Aproximadamente un mes después, el Príncipe de Gales inició una suscripción pública para celebrar el 50.º aniversario de la primera aparición pública de Wilma y el 25.º aniversario de su debut en el Reino Unido. Recibió un castillo en Asolo, cerca de Venecia, donde residió durante algunos años con su hijo Ludvig. Tras la muerte de Ludvig en 1898, se trasladó a Berlín para impartir clases en el conservatorio.

Inglaterra no olvidó a Wilma, y ​​su buena amiga, la reina Alejandra, la nombró «Violinista de la Reina» en 1901. A los 73 años, Wilma seguía deleitando a su público en conciertos con Hugo Becker y Pablo Casals en marzo de 1911. Un mes después, el 15 de abril de 1911, falleció en Berlín. Será recordada como «la primera violinista considerada lo suficientemente buena como para estar a la altura de los más grandes intérpretes masculinos».

Wilma obtuvo el violín Stradivari «Ernst» de 1709. Wilma inicialmente se mostró escéptica sobre probar este violín, cuyo tono había sido criticado, pero se enamoró de él. Tres nobles mecenas, el duque de Sajonia-Coburgo-Gotha y los condes de Hardwicke y Dudley, le regalaron el violín en 1875. Aunque Wilma poseía varios instrumentos, este se convirtió en su único instrumento de concierto. Años más tarde, recordó: «Adoro mi Stradivarius, y para mí no existe ningún violín que lo supere en la exquisita delicadeza de su entonación». El violín, ahora conocido como «Ernst, Lady Hallé», fue tocado durante más de 30 años por el solista húngaro Dénes Zsigmondy, fallecido en 2014.

Obras dedicadas a Wilma Neruda:

Durante el s. XX era algo usual que compositores dedicaran sus obras a los intérpretes más virtuosos de su momento. Por esta razón, Wilma recibió numerosas dedicatorias, siendo algunas de ellas:

  • Balada, Op.43 (Neruda, Franz)
  • Danzas españolas (Romanza andaluza y Jota navarra), Op. 22 (Sarasate, Pablo)
  • Fantasía sobre 'Fausto' (Vieuxtemps, Henri)
  • Herbstblätter (Hojas de otoño), Op.109 (Heller, Stephen)
  • 6 Fantasís Irlandesas, Op.54 (Stanford, Charles Villiers)
  • Leyenda, Op.8 (Lauterbach, Johann)
  • Piano Sonata No.3, Op.19 (Neruda, Franz)
  • Violin School (Haddock, Edgar Augustus)
  • Violin Sonata No.2, Op.21 (Zimmermann, Agnes)
  • Violin Sonata No.3, Op.59 (Gade, Niels)
  • Violin Sonata, Op.5 (Winding, August)
  • Wspomnienie Warszawy (Recuerdos de Varsovia), Op.46 (Lubomirski, Kazimierz)

Grandes violinistas – Regina Strinasacchi

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Regina Strinasacchi fué una importante violinista, guitarrista y compositora, nacida en Ostiglia, cerca de Mantua, quizás en 1761, o en 1764 (lamentablemente la fecha es incierta). Estudió en el Hospital «della Pietà» de Venecia: una institución que era al mismo tiempo convento, orfanato y conservatorio, donde las niñas recibían una rigurosa y amplia educación musical. De hecho, entre los profesores de la escuela de música se encontraban nombres como Antonio Vivaldi y Francesco Gasparini. Allí Regina aprendió a tocar el violín y la guitarra y también a componer música, demostrando inmediatamente un excelente gusto musical. De algunas cartas de contemporáneos se entiende que Regina comenzó a actuar en público a muy temprana edad, por ello era admirada no sólo por su virtuosismo con el violín, sino también por la habilidad que demostraba con el paso de los años.

Después de su paso por el Ospedale della Pietà, probablemente tuvo la oportunidad de viajar a algunos países europeos para actuar. Alrededor del 1784 llegó a Viena, donde conoció a Wolfgang Amadeus Mozart. El compositor austríaco asistió a una actuación de la famosa violinista de Mantua y quedó tan impresionado que decidió componer una sonata (la Sonata K 379 en sol mayor para violín y piano) para tocar junto con Regina.

La pareja actuó junta en un teatro vienés (el Theater am Kärntnertor) el 29 de abril de 1784, tocando también la Sonata K454 en si bemol mayor para violín y piano, en presencia del emperador del Sacro Imperio Romano Germánico José II. La Sonata K454 requiere una interpretación difícil que da testimonio de la altísima opinión que Mozart tenía de Strinasacchi y de su talento musical.

En ese momento Regina tenía aproximadamente 23 años; Leopold Mozart, el padre de Wolfgang, en una carta dirigida a su hija en la que le contaba sus impresiones del concierto, aplaudió su talento y describió cómo la niña era capaz de infundir una fuerte pasión y emoción en cada nota. El acontecimiento también es recordado por la famosa anécdota según la cual Mozart, en aquella ocasión, tocó el piano de memoria y sin partitura (algunos dicen que el compositor no había terminado de escribir la parte de piano, y por tanto tuvo que improvisar sobre la marcha)

Probablemente fue durante sus giras europeas cuando Regina conoció a Johann Conrad Schlick, un compositor, violonchelista y director de orquesta alemán, originario de Mansbach. Los dos se casaron en 1785 y comenzaron a actuar juntos como un dúo de violín y violonchelo. En 1801 tuvieron un hijo, Johann Friedrich William, que también estaba destinado a convertirse en músico y fabricante de violines. Hacia finales del siglo, Regina Strinasacchi fue admitida en la Orquesta de Gotha; un acontecimiento absolutamente extraordinario para una mujer. Además de tocar y componer, se dice que Regina también dirigió la orquesta en alguna ocasión.

Se conoce que tras la muerte de su marido se trasladó a Dresde con su hijo. Murió allí (aunque algunos afirman que murió en Gotha), en el año 1839.

A continuación puedes escuchar la Sonata K454 en si bemol mayor para violín y piano, compuesta por W. A. Mozart para Regina Strinasacchi.

Grandes violinistas – Pablo Sarasate

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Pablo Sarasate, originalmente llamado Martín Melitón de Sarasate y Navascuéz, fue un violinista virtuoso y compositor. Nació el 10 de marzo de 1844 en Pamplona, provincia de Navarra,​​ España. Era hijo de Javiera Navascuéz y Miguel Sarasate, violinista militar. Sarasate inició su formación musical con su padre, adquiriendo así habilidades musicales desde muy temprana edad. Posteriormente continuó sus estudios en Galicia, donde comenzó a actuar como un joven virtuoso, habiendo dado su primer recital a los siete años. Cuando cumplió nueve años, Sarasate marchó a Madrid para continuar sus estudios de violín con el maestro Manuel Rodríguez, concertino del Teatro La Zarzuela. Durante estos años, la fama de Sarasate llegó hasta la Reina Isabel II de España, quien, en señal de admiración, le obsequió un violín Stradivarius y le ofreció una beca para continuar sus estudios en Francia.

En 1856 Sarasate fue a Bayona, Francia, pero rápidamente ganó popularidad en París, donde tenían lugar los eventos musicales más importantes de la época. Allí comenzó a estudiar en un conservatorio y también asistió a lecciones del famoso compositor y violinista Delphin Alard. A la edad de 12 años, Sarasate ganó el premio al estudiante más exitoso del Conservatorio de París.

Desde 1859 y en los años siguientes comenzaron las giras internacionales de Sarasate. Viajó a Gran Bretaña, Alemania, Portugal, Cuba y Rusia como solista. Su fama se extendió rápidamente por todo el mundo y pronto los más grandes compositores del momento comenzaron a crear obras dedicadas a este nuevo talentoso violinista español, apellidado Sarasate. Algunas de estas obras famosas son, por ejemplo: “Introducción y Rondo Capriccioso” y Concierto para violín n.º 1, op. 20 de Camille Saint-Saëns, “Sinfonía española” op. 21 de Edouard Lalo, Concierto para violín n.º 2 op. 22 de Henrik Wieniawski, Concierto para violín n.º 2 op. 44 de Max Bruch y otros.

En 1878 Sarasate cambió su nombre de Martín Melitón a Pablo. Le encantaba pasar las vacaciones de verano en su Pamplona natal y celebrar San Fermín con sus seres queridos. Fue invitado a menudo a celebraciones oficiales como principal solista y representante musical. Estas vacaciones de verano rodeado de la cultura española local inspiraron al autor a escribir su colección «Danzas españolas». En 1879 Pablo Sarasate creó en Navarra el primer grupo sinfónico español que lleva su nombre y que aún hoy sigue activo.

Sarasate murió el 20 de septiembre de 1908 en la ciudad de Biarritz, Francia, luego de una grave enfermedad pulmonar. Dejó numerosas contribuciones al arte. Fundó un conservatorio y una orquesta en Navarra que llevan su nombre. Además, Pablo Sarasate donó su violín Stradivarius al Conservatorio de Madrid. Asimismo, donó una suma de dinero que fue invertida y destinada a premios del concurso de violín. En 1910 se llevó a cabo el primer Concurso Nacional de Violín Pablo Sarasate, que continúa hasta el día de hoy.

Obras


Pablo Sarasate compuso más de 50 obras. Algunas de las más famosas son: “Aires Gitanos” opus 20, “Capricho Vasco” opus 24, “Fantasía sobre Temas de la Ópera Carmen” opus 25, “Serenata Andaluza” opus 28, “Bolero” opus 30, “Navarra” opus 33, «Introducción y Tarantella» opus 43 y otros.

Influencias del folclore español en las obras de Sarasate

A finales de 1877, Sarasate fue contratado por el publicista alemán Fritz Simrock para componer su colección de «Danzas Españolas». Para ello, Sarasate realizó una selección de canciones del folclore popular de España. Por esta razón los nombres de las obras corresponden a bailes populares de distintas zonas de España y Cuba. Esta recopilación de canciones populares también se realizó en otros países a finales del siglo XIX, siguiendo el ejemplo ruso con Rimsky-Korsakov, Hungría con Brahms, Finlandia con Sibelius, República Checa con Dvořák, Francia con Saint-Saëns o Noruega con Grieg. Muchos países han participado en la corriente llamada «nacionalismo musical», que presenta la música popular de todos los rincones del mundo a través de espectaculares obras solistas y sinfónicas. Este movimiento forma parte del periodo del Romanticismo y surgió a raíz del concepto de nación aparecido en el siglo XIX. Este estilo se expresa en la búsqueda y presentación de la identidad nacional. Pablo Sarasate, como muchos otros compositores de la época, participó activamente en la selección de música folclórica, así como en la composición de obras con temas folclóricos destacados.

Se dice que el folclore español de finales del siglo XIX estaba directamente relacionado con el género musical flamenco. Por este motivo, la combinación de escalas mayores y menores junto con escalas de estilo andaluz se puede encontrar a menudo en las obras de Pablo Sarasate. Para comprender esta elección melódica del autor es necesario analizar la estructura y armonía utilizadas en el flamenco.


La música flamenca es una selección de diversos cantos populares característicos de la etnia gitana del sur de España en el siglo XVII, consistente en interpretación vocal y palmas, sin acompañamiento instrumental. Las propias canciones tuvieron su origen en las diferentes culturas presentes hasta entonces en la Península Ibérica.

Desde 1860 En 1910, el flamenco se desarrolló añadiendo instrumentos a la interpretación vocal. Se convirtió así en el principal género representativo de la música española en todo el mundo. Esta época coincide con la vida de Pablo Sarasate, por lo que se puede establecer una asociación directa entre la obra de Sarasate y la música flamenca.

Cada canción del género Flamenco se puede clasificar según la escala o tono en el que se interpreta. Así se sabe que canciones del tipo Seguidilla, Marinette, Polo o Bambera fueron escritas al modo andaluz; Los romances están escritos en modo frigio o tono mayor; y las canciones denominadas Malagueñas, Tarantas, Granainas o Fandangos suelen escribirse en modo andaluz o tono mayor.


Pero además del flamenco, Sarasate ha realizado una selección de canciones populares originarias de otras zonas de España. Algunas de las obras de Sarasate, como la Jota Navarra, son características de las zonas del norte y no están tan directamente relacionadas con el flamenco. Suelen escribirse en tonalidades mayores o menores, a diferencia del modo andaluz (también llamado frigio), que suele estar presente en el flamenco.


El grupo de obras «Danzas Españolas» incluye dos piezas denominadas «Habanera», que representan el estilo musical cubano imperante en La Habana en ese momento.
Otro conocido ejemplo de Habanera es la famosa aria de soprano de la ópera Carmen, que también se encuentra en la Fantasía de Carmen de Sarasate. (* Un hecho destacable es que esta aria en particular fue compuesta en 1850 bajo el nombre «El Arreglito» por el compositor español Sebastián Iradier y más tarde la melodía fue agregada a la ópera Carmen en 1875, con modificaciones en el libreto.)

Para finalizar, te dejamos con la pieza «Zapateado» perteneciente a la colección de obras «Danzas Españolas» , interpretada por Midori Gotō, esperamos que la disfrutes

Grandes violinistas – Jean-Marie Leclair

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Jean-Marie Leclair fue un violinista, bailarín y compositor, nacido en Lyon, Francia, el 10 de mayo de 1697, uno de seis hermanos, cinco de los cuales también se convertirían en músicos. A menudo se le llama «el mayor» para distinguirlo de un hermano menor también llamado Jean-Marie, que disfrutó de una carrera musical en su ciudad natal. No se sabe nada de sus primeros maestros, aunque sí sabemos que durante una década Leclair actuó tanto como bailarín como violinista. Su debut en el escenario seguramente tuvo lugar a temprana edad. A los diecinueve años se casó con una bailarina de la Ópera de Lyon, Marie-Rose Casthanie. En 1722 se incorporó al Teatro Regio de Turín como primer bailarín y maestro de ballet. A pesar de todas sus responsabilidades, encontró tiempo para componer tres intermedios para Semiramide, una ópera de Giuseppe Maria Orlandini.

Leclair llegó a París en el otoño de 1723. Allí publicó su primer libro de sonatas para violín con bajo continuo. Al año siguiente regresó a Turín, donde ocupó un puesto de “primer bailarín” en el Teatro Regio. Fue allí donde conoció a Joachim Quantz y estudió técnica de violín con Giovanni Battista Somis, alumno de Corelli, un encuentro que lanzaría su carrera como violinista. Leclair pronto regresó a París. En 1728, publicó su Segundo libro de sonatas para violín y/o flauta travesera. Leclair siguió una carrera virtuosa tanto en su país como en el extranjero. Se convirtió en un intérprete habitual del “Concert Spirituel”, la primera sala de conciertos públicos de Francia, donde la precisión y el refinamiento de su interpretación le brindaron un gran seguimiento.

En Francia, el violín no alcanzó la prominencia que disfrutó en Italia a mano de grandes compositores y virtuosos. Aunque se había establecido bien en las orquestas ya a mediados del siglo anterior, el instrumento prácticamente no tenía seguidores en el repertorio de cámara. Bajo el impulso del estilo italiano, la técnica del violín había comenzado recientemente a desarrollarse gracias a los esfuerzos de Louis Francoeur y Jean-Baptiste Senaille. Pero los dos primeros libros de Leclair destacaron tanto por su originalidad como por su dificultad de ejecución, como el público musical reconoció rápidamente. En 1734 fue nombrado Primer Sinfonista del Rey; en agradecimiento a Luis XV dedicó su Tercer Libro.

En 1737, Leclair viajó a Holanda, donde fue recibido calurosamente por la Princesa de Orange en Leeuwarden. Fue a ella, que había estudiado clavecín con Händel, a quien dedicó su Cuarto (y último) Libro de Sonatas. En Ámsterdam, volvió a encontrarse con Locatelli, con quien estableció una cordial relación profesional y a quien finalmente convenció para que publicara en París los conciertos y caprichos de su «Arte del Violino». En 1740 estuvo en La Haya dirigiendo la orquesta privada del rico aventurero François du Liz. Tres años más tarde, tras la quiebra de su benefactor, Leclair regresó a París. Allí se dedicó a la composición de su única ópera, Escila y Glauco, representada en la Academia Real de Música el 4 de octubre de 1746.

En 1758 dejó a su segunda esposa para instalarse en una vivienda destartalada en la rue Careme-Prenant, en un distrito remoto y abandonado, habiendo rechazado una oferta de hospitalidad del duque de Gramont.

Fue allí, el 22 de octubre de 1764, donde fue apuñalado hasta la muerte en circunstancias que, a pesar de una investigación exhaustiva, nunca se esclarecieron. Jaques Paysant, el jardinero que descubrió el cadáver a la mañana siguiente, se convirtió en el primer sospechoso; había estado encarcelado dos veces y su testimonio contenía varias contradicciones aparentes. Pero el asesino era casi con certeza Guillaume-François Vial, el sobrino de Leclair que, sin éxito, «persiguió a su tío para que pudiera hacerlo entrar al servicio del duque de Gramont». La muerte de Leclair tuvo un fuerte impacto; un comentarista escribiría que el asesino o los asesinos eran «monstruos que no pertenecían ni a su país ni al siglo».

Obras

Leclair publicó trece opus de sonatas y conciertos para violín, así como sonatas para dúo y trío. Su producción, relativamente modesta para la época, y el alto nivel técnico y musical de sus composiciones le valieron el reconocimiento como el «Corelly de la France». Sin embargo, desde el punto de vista estilístico y formal, sus doce conciertos siguieron más de cerca los pasos de Vivaldi.

El legado musical de Leclair se basa principalmente en un pequeño pero atractivo número de composiciones para violín. En sus mejores momentos, sus obras encarnaban la sencillez combinada la mayoría de las veces con un espíritu serio y reflexivo.

Grandes violinistas – Jean-Delphin Alard

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Jean-Delphin Alard fue un renombrado violinista y compositor francés del siglo XIX. Nacido el 8 de marzo de 1815 en Bayona, Francia, es hijo de Jean Allard y Jeanne-Marie-Bertrande Julien. Alard destacó por su virtuosismo en el violín y su gran contribución a la pedagogía del instrumento. Comenzó su formación musical en su ciudad natal, pero más tarde estudió en el Conservatorio de París. Fue alumno de François-Antoine Habeneck y François-Joseph Fétis. Sucedió a Pierre Baillot como profesor de violín de 1843 a 1875.


A partir de 1831 también desarrolló su carrera como instrumentista, primero en la orquesta de la Ópera y luego como concertino del rey. Napoleón III lo nombró primer solista de la Capilla Imperial en 1858.

Fue un excelente maestro, Pablo de Sarasate y Adolf Pollitzer se encuentran entre sus alumnos. También desempeñó un papel destacado en la música de cámara de su tiempo.

Obras

Entre sus publicaciones se encuentran:
– La Escuela de Violín (Ecole du violon), valiosa obra didáctica (París, 1844);
– Los Maestros Clásicos del Violín (Les Maitres classiques du violon) selección de obras clásicas.
También compuso dos conciertos para violín y orquesta, tres conciertos sinfónicos, fantasías para violín y orquesta o violín y piano, un cuarteto de cuerda, dúos para piano y violín y estudios.

Se casó con Jeanne-Émilie Vuillaume, (1827-1889), hija del gran luthier Jean Baptiste Vuillaume. De esta unión nacieron dos hijas: Jeanne-Marie-Delphine Alard, (1850-1945) y Victorine-Adèle Alard, (1853-1942).

Alard falleció en París en 1888, pero su impacto en el mundo del violín sigue siendo reconocido, especialmente en el ámbito pedagógico.

Estilo y Contribuciones


Jean Delphin Alard fue un ferviente defensor del violín como instrumento solista y trabajó incansablemente en la evolución de la técnica y estilo violinístico de la época. Era conocido por combinar la elegancia del estilo francés con una técnica virtuosa que era típica de las escuelas de violín más avanzadas de Europa.

Legado

El legado de Alard no solo se refleja en sus composiciones, sino también en sus enseñanzas. La escuela de violín francesa debe mucho a su influencia y su alumno, Pablo de Sarasate, llevaría este estilo a nuevas alturas en los escenarios de todo el mundo. Como pedagogo, Alard dejó una marca duradera en la formación de violinistas y en la técnica moderna del instrumento.

A continuación puedes ver los 24 estudios/capriccios para violín de Jean-Delphin Alard, esperamos que los disfrutes

Grandes violinistas – Louis Spohr

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Louis Spohr, nacido el 5 de abril de 1784 en la ciudad de Braunschweig (parte de la entonces Prusia), fue un virtuoso del violín, compositor, músico de cámara, director de orquesta, pedagogo y escritor musical.
A los cuatro o cinco años recibió sus primeras lecciones de violín del maestro de escuela del pueblo. Pronto pudo acompañar a su padre, que tocaba la flauta, y a su madre, una competente cantante y pianista, en sus veladas musicales. Su repertorio mostraba el estilo ligero típico de la época e inspiró al Louis Spohr de doce años a escribir sus primeras composiciones. Más tarde comenzó a recibir clases del profesor de violín Dufour, lo que le permitió seguir su deseo de convertirse en músico profesional.

 

En 1797 Spohr comenzó a recibir lecciones de violín de un miembro de la capilla de la Corte de Braunschweig. Medio año después comenzó a asistir a clases con el concertino de la capilla, Charles Louis Maucourt. Al mismo tiempo asistió a la escuela St. Catherine y participó en varios conjuntos de música de cámara.

A los quince años fue contratado como violín segundo en la capilla de la corte en 1799. Compuso conciertos para violín y obras de música de cámara. Su primer alumno fue su hermano Ferdinand, quien más tarde lo seguiría en las orquestas de Gotha, Viena y Kassel y que compondría partituras de piano para acompañar sus composiciones.

A los dieciocho años, Spohr recibió una beca concedida por el duque que le permitió acompañar al virtuoso Franz Eck en una gira de conciertos desde Hamburgo hasta San Petersburgo. En esta Spohr recibió una intensa formación en violín, demostró su talento como músico de cámara y concertino, compuso su Concierto para violín op. 1 así como dos de los Duetos para violín op. 3, y aprendió el oficio de un virtuoso viajero: cómo organizar conciertos públicos y cómo publicitar dichas actuaciones participando en «fiestas musicales» privadas. Durante la gira por Rusia comenzó un diario, que más tarde le sirvió de base para escribir sus memorias.

Después de su regreso a Braunschweig en 1803, fue ascendido a primer violín en la Capilla de la Corte. Profundamente impresionado por el concierto de Pierre Rode en julio de 1803 en Braunschweig, buscó adquirir la técnica del violín francesa y el estilo de interpretación cantabile y completó los Conciertos para violín WoO 10, WoO 12 y op. 2 en preparación para una gira de conciertos. Las excelentes críticas atrajeron la atención del director artístico de la Capilla de la Corte de Gotha, que necesitaba un concertino. Después de una audición exitosa, Spohr comenzó a trabajar el 1 de octubre de 1802 a los veinte años (habiendo mentido sobre su edad). Durante los siete años siguientes, Gotha ofreció a Spohr un entorno ideal para su crecimiento intelectual y artístico. Allí Spohr impartió lecciones intensivas de violín a veinte estudiantes.

En Gotha Spohr también encontró la felicidad personal. Después de romper su compromiso con la cantante Rosa Alberghi, en 1806 se casó con la arpista Dorette Scheidler. La pareja tuvo dos hijas en 1807 y 1808. Spohr ensayó sus nuevas composiciones con la Orquesta de la Corte, a la que elevó a un nivel artístico superior. Si anteriormente los conciertos para violín, dúos y cuartetos habían dominado sus composiciones, ahora mostró interés por explorar todos los géneros:
• Compuso la Obertura de Concierto op. 12 (1806) y su primera ópera Die Prüfung (1806). A estas obras siguieron dos óperas más: Alruna (1808) y Der Zweikampf (1811).
• Escribió tres obras importantes para los primeros festivales de música en el sentido moderno, en Frankenhausen y Erfurt: un concierto para clarinete (1810) y el oratorio Das jüngste Gericht (1812).

 

En 1813 aceptó un puesto como maestro de capilla y director de orquesta en el teatro de Viena. Spohr entró en estrecho contacto con Beethoven y otros artistas vieneses; gracias a un generoso encargo de un empresario pudo dedicarse a componer obras de música de cámara y encontró tiempo para embarcarse en dos proyectos compositivos a gran escala, su ópera Fausto (1813) y la cantata Das befreite Deutschland (1814).

El estreno de Fausto tuvo que tener lugar  en Praga el 1 de septiembre de 1816 bajo la batuta de Weber. Después de una interpretación muy aclamada de su Concierto para violín op. 38 Spohr abandonó Viena en marzo de 1815 y realizó una gira de dos años con su esposa.

En 1817 le ofrecieron un puesto como director de ópera y música del Teatro Municipal de Frankfurt. Abandonó Frankfurt en septiembre de 1819, habiendo aceptado previamente un contrato con la Sociedad Filarmónica de Londres. Sus interpretaciones en Londres de sus propios conciertos para violín y la recién compuesta Segunda Sinfonía en 1820 sentaron las bases de su fama en Inglaterra.

Weber recomendó a Spohr para un puesto vacante como maestro de capilla de la corte en Kassel y así comenzó su contrato en enero de 1822. Adoptó un repertorio progresivo, con hasta 40 nuevas producciones, desde Mozart hasta Meyerbeer, en una sola temporada.

Durante este período se dedicó más a la enseñanza, lo que también dio lugar a su Método del violín (Violinschule, 1833). A él acudían estudiantes de todo el mundo para recibir una educación integral. Sin embargo, los crecientes problemas de salud y el empeoramiento de la situación política frenaron su creatividad. Sintió el impacto de una atmósfera política cada vez más represiva, que no se benefició de la Revolución de 1830 ni de la nueva constitución. El Teatro de la Corte fue cerrado en 1833 a raíz de la Revolución.

Aunque desde mediados de la década de 1830 Spohr sintió que su energía creativa disminuía cada vez más, no dejó de componer música. Sus giras por Alemania e Inglaterra fueron verdaderos triunfos. Su idílica casa en Kassel se convirtió en el destino de peregrinación de violinistas y compositores de todos los países occidentales. Como muchos otros músicos jóvenes, Johannes Brahms también viajó a Kassel para encontrarse con Spohr en agosto de 1858. Lo que contribuyó a la reputación de Spohr fue que apoyó eficiente y generosamente a muchos compositores jóvenes, entre ellos Wagner.

En 1857 fue jubilado contra su propia voluntad y tuvo que reducir sus movimientos tras romperse el brazo izquierdo. Dos años después falleció a causa de una enfermedad. 

Contribuciones de Spohr

Como violinista adoptó y desarrolló la técnica virtuosa y el estilo expresivo de la escuela francesa y se convirtió en el principal representante de la escuela romántica alemana.

Como músico de cámara, aplicó un concepto novedoso de interpretación que defendía la fidelidad a la composición y requería que el intérprete transmitiera las intenciones del compositor. En la estética de Spohr, servir al compositor significaba que el artista ejecutara diligentemente la partitura anotada. Su creencia en la interpretación fiel lo llevó a abrazar el recién inventado metrónomo e incluso a pedir a los músicos que consideraran que los violinistas de la época barroca habían utilizado instrumentos diferentes a los que tocaban a principios del siglo XIX. Spohr enseñó estos principios y su técnica de ejecución a sus más de 200 estudiantes de violín.

Como director, Spohr estableció altos estándares de perfección y ensayo. Como director artístico de grandes festivales de música, influyó en la incipiente cultura musical de la clase media. Como escritor musical, unió la búsqueda de la ilustración con la creciente confianza en sí mismos de la clase media, que transfirió a la posición de artista.

Obras para violín de Louis Spohr:

Violin Concerto No.1 in A Major, Op.1
Violin Concerto No.2 in D Minor, Op.2
Violin Concerto No.3 in C Major, Op.7
Violin Concerto No.4 in B Minor, Op.10
Violin Concerto No.5 in E-Flat Major, Op.17
Violin Concerto No.6 in G Minor, Op.28
Violin Concerto No.7 in E Minor, Op.38
Violin Concerto No.8 in A Minor, Op.47, «»In Modo Di Scene Cantante»
Violin Concerto No.9 in D Minor, Op.55
Violin Concerto No.10 in A Major, Op.62
Violin Concerto No.11 in G Major, Op.70
Violin Concerto No.12 in A Major, Op.79
Violin Concerto No.13 in E Major, Op.92
Violin Concerto No.14 in A Minor, Op.110, «Sonst und Jetzt»
Violin Concerto No.15 in E Minor, Op.128
Violin Concerto in G Major, WoO 9
Violin Concerto in E Minor, WoO 10
Violin Concerto in A Major, WoO 12

Además Spohr escribió numerosos estudios para técnicas de violín, reunidos en dos libros de seis estudios cada uno.

Su obra ahora más famosa, el Concierto para violín n.º 8, causó sensación en su estreno en La Scala de Milán el 27 de septiembre de 1816. Está escrito con el espíritu de una canción, combinando una cualidad cantabile con el drama e incluyendo el único ejemplo de una cadencia solista tradicional en los conciertos de Spohr.

 

Curiosidades sobre Louis Spohr:

– Se conoce que Spohr fue el inventor de la barbada o mentonera del violín, pieza de gran importancia para la comodidad del violinista así como para posibilitar el cambio de posiciones.

 

– Paganini le regaló a Spohr un retrato en cera de sí mismo y Spohr invitó a Paganini a Wilhelmshöhe, donde asistieron a una representación de la ópera «Fausto» de Spohr.

Para finalizar te dejamos con la tercera parte del concierto n. 6 en sol menor de Louis Spohr, esperamos que los disfrutes

Grandes violinistas – Maddalena Laura Lombardini Sirmen

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Maddalena Laura Lombardini fue una violinista, compositora y cantante nacida en Venecia durante el s. XVIII. Parece que existieron dudas acerca de su fecha exacta de nacimiento, pero actualmente se cree que fue bautizada el 13 de diciembre de 1745.

Sus padres eran de la nobleza, pero no poseían riquezas; no hay evidencia de que fueran músicos, aunque la formación musical era muy común como parte de la educación de la clase alta en ese momento. Maddalena había mostrado un talento significativo y notable en 1753, cuando comenzó su educación en el Ospedale di San Lazaro e dei Mendicanti, donde se admitían alumnos desde una edad temprana. Originalmente un hospital de leprosos, en el siglo XVII esta institución adquirió un orfanato de niñas especializado en la enseñanza de música, cuando el padre de Antonio Vivaldi enseñaba allí. Sus miembros formaron orquestas que tocaban para los viajeros visitantes. En la época de Lombardini, el orfanato buscaba activamente niñas con talento musical y no está claro si Maddalena era huérfana o si sus padres simplemente decidieron inscribirla allí; pero se conoce que fue «reclutada» al menos en parte por motivos musicales, particularmente como violinista, aunque como era común entonces también cantaba y tocaba instrumentos de teclado.

Giuseppe Tartini aceptó a Maddalena Lombardini como alumna y aprendiz a la edad de 14 años. No sólo se le concedió permiso para viajar desde el orfanato para estudiar con el propio Tartini en Padua, sino que él mismo pagó su matrícula musical dentro de la institución.
Durante su tiempo de estudio con Tartini y en el Ospedale, Lombardini se fijó en la aspiración de convertirse en violinista profesional. Las cantantes de ópera eran frecuentes en gran parte de Europa en esa época, pero las instrumentistas en activo eran realmente excepcionales.

A los 21 años (1767) obtuvo su licencia de maestra en el orfanato. Esto era un equivalente a la licencia de oficial que obtenían los artesanos al completar su aprendizaje y le otorgaba el permiso de los gremios de músicos para trabajar como músico más allá de la república veneciana. Por otro lado, se casó con el también violinista Ludovico Sirmen.
A partir de su matrimonio, la mayoría de las fuentes contemporáneas utilizan su apellido de casada de Sirmen, más a menudo escrito Syrmen en ese momento y ocasionalmente Ceriman. También se puede encontrar en las portadas de sus composiciones con el nombre de Lombardini Sirmen o Lombardini-Sirmen.

Los recién casados Sirmens emprendieron inmediatamente una gira como viajeros virtuosos, carrera que Maddalena seguiría durante los siguientes 20 años. Aparecieron juntos en Faenza, Turín y París en el transcurso de 1767-1779. El dúo de marido y mujer ciertamente proporcionó a los Sirmens un «gancho» obvio y a menudo tocaron conciertos conjuntos en esta gira. En ese momento, muchos solistas escribían gran parte de su propio repertorio. De esta forma, el concierto para violín doble que los Sirmens interpretaron en París en agosto de 1768, fue anunciado como una composición conjunta.

También en 1769, Maddalena dio a luz a una hija, Alessandra. Sin embargo, a finales de 1770, Ludovico había regresado a un puesto en Rávena, llevándose a Alessandra con él y pronto se vinculó abiertamente con una condesa Zerletti o Zirletti. De manera muy inusual, Maddalena mantuvo el control de sus propias finanzas durante todo el matrimonio.

Maddalena Sirmen continuó su gira como solista desde París a Lieja, Ámsterdam y Londres, donde debutó en el King’s Theatre en enero de 1771. Allí estrenó su primer concierto para violín solista ese año y claramente encontró un éxito considerable cuando regresó para actuar en las temporadas de los dos años siguientes. También interpretó al menos un concierto para clave como solista, en la serie de suscripción Bach-Abel (durante muchos años, el pináculo de la vida concertística de Londres).

Además de Londres, Sirmen viajó y actuó en Francia, la actual Alemania e incluso Rusia durante los siguientes 14 años, lo que constituyó su carrera interpretativa. También publicó tríos, dúos, cuartetos y conciertos.

Sin embargo, para su tercera temporada en Londres (1773), Sirmen cambió su papel principal de violinista a cantante, aunque continuó actuando ocasionalmente como violinista durante más de una década más. No obstante, su canto nunca llegó a recibir tantos elogios de la crítica como su forma de tocar el violín.
En la temporada de 1783 fue la protagonista femenina del Teatro Imperial de San Petersburgo.
En el año 1785, en París, parece haber sido su último concierto como violinista.

Sirmen se mantuvo financieramente astuta y logró invertir productivamente algunas de sus ganancias además de vivir de ellas y enviar dinero a Ludovico. A finales de la década de 1780, pudo retirarse a Venecia.

Los compositores y, más aún, los intérpretes fueron rápidamente olvidados en las modas rápidamente cambiantes de la música artística del siglo XVIII y principios del XIX, especialmente si no formaban parte de un canon muy pequeño de «grandes». (En el momento de la jubilación de Sirmen, Inglaterra tenía una «Academia de Música Antigua» que generalmente comenzaba a tocar piezas unos 30 años después de su primera publicación.) Durante la mayor parte de los siglos XIX y XX, Lombardini Sirmen sólo fue recordada como alumna de Giuseppe Tartini, mucho más específicamente, como destinataria de una extensa carta, en realidad un tratado, sobre la técnica del violín, muy utilizada como recurso sobre la interpretación histórica y la práctica interpretativa.

La carta de Tartini a Maddalena está disponible en IMSLP, aquí.

Sin embargo, a finales de la década de 1980 esto comenzó a cambiar y en los últimos años se ha visto un aumento gradual, aunque irregular, de la inclusión de Sirmen en historias y libros de referencia; en ediciones de las composiciones; y en grabaciones y programación de conciertos de algunas de las obras, principalmente los cuartetos y conciertos.

Obras:

  • “Seis tríos para dos violines con violonchelo obligado”
  • “Seis cuartetos para dos violines, contralto y bajo”
  • “Seis duetos para violín, dedicados al Duque de Gloucester”
  • “Seis conciertos para violín, oboe, dos cornos y cuerdas”
  • “Seis sonatas para dos violines”
  • “Seis conciertos adaptados para el clavicordio por Giordani”
Niccolo Paganini

Grandes violinistas – Niccolò Paganini

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Niccoló Paganini fue un violinista virtuoso, guitarrista y compositor, nacido el 27 de octubre de 1782 en Génova, Italia.
Niccolò nació en un hogar asolado por la pobreza con malas condiciones higiénicas y experimentó muchas dolencias infantiles. Su talento fue descubierto por su padre a una edad muy temprana.
A los cuatro años fue declarado muerto por un médico, pero milagrosamente sobrevivió. Su mala salud lo acompañaría durante toda su vida.
Antonio Paganini, el padre de Niccolò, ocupaba una posición humilde en el puerto de Génova. Era músico y tocaba la mandolina para sus compañeros de juego en las tabernas locales y, en ocasiones, tocaba en casa. Antonio enseñó a Niccoló a tocar la mandolina y el violín.
A los 8 años, y con la ayuda de su padre, Niccolò compuso su primera sonata. Progresó tan rápido que su padre no tardó mucho en ver la oportunidad de ganar dinero con su talento.
Niccolò tomaría lecciones de un violinista llamado Giovanni Servetto, de la orquesta del teatro local, pero en poco tiempo el joven Paganini superó las lecciones que estaba recibiendo de él, por lo que comenzó a estudiar con Giocoma Costa, el maestro en la Catedral de San Lorenzo.
En 1793, Niccolò Paganini, a los 11 años fue invitado por los cantantes Luigi Marchesi y Teresa Bertinotti, a actuar junto con ellos en un teatro en Génova. Ofrecieron una generosa tarifa y Antonio los convenció para hacer más conciertos con Niccolò.
El éxito de estos conciertos le trajo a Niccolò su primer mecenas, Marchese di Negro, quien se interesó mucho en Niccolò y su notable talento. Esto le llevó a viajar a Parma para conocer a Allassandro Rolla, quien tenía fama de ser el mejor violinista de toda Italia en ese momento.
En 1797, Niccolò Paganini tenía sólo quince años cuando partió con su padre para ofrecer exitosos conciertos en Parma, Milán, Bolonia, Florencia y Pisa.
A pesar de su éxito, Niccolò soñaba con liberarse de la tiranía de su padre. Se dio cuenta en ese momento que su única salida estaba en su violín y practicó “febrilmente” y sin parar hasta que ya no podía tocar y caía en su cama rendido.

En 1897 se sintió preparado para emprender su propio viaje. Fue entonces cuando Niccolò Paganini comenzó a viajar con su hermano, Luigi, varios años mayor que él. El estrellato de Niccolò Paganini llegó muy temprano en su vida y su fama lo siguió dondequiera que fuera. Comenzó en Italia y luego se convirtió en una sensación mundial. Adquirió verdadera fama y fortuna y alrededor del año 1813 el nombre «Paganini» se convirtió en un apellido popular y la gente quería saber cuándo podían verlo actuar. Cautivaba y paralizaba al público cada vez que actuaba, algunas personas juraban haber visto al mismísimo diablo, y por sus tiernos pasajes hacía llorar a sus oyentes. Se le considera el violinista y compositor virtuoso más grande del mundo que jamás haya existido.
A la edad de 13 años Paganini ya era un músico muy conocido en su ciudad natal de Génova. Había superado todas las capacidades de sus profesores allí y tuvo que ampliar aún más sus conocimientos viajando a Parma y conociendo a Alessandro Rolla, de quien se decía que era el mejor violinista y profesor de la época. Después de pasar dos años en Parma siendo enseñado y guiado por Rollo y otros dos profesores expertos, Niccolò aprendió el arte de la composición y el contrapunto. Después de sus estudios y sus nuevas composiciones, actuó en Parma y Colorno y comenzó su fama con sólo 15 años.
La primera gira oficial de Niccolò Paganini comenzó en Italia en 1797 con conciertos en Milán, Bolonia, Florencia, Pisa y Livorno. Cautivó al público con su música fascinante y su extraordinario talento. 
En 1801 Niccolò partió hacia Lucca con su hermano Luigi y actuó en el Festival de Santa Croce. Tuvo un éxito instantáneo allí y se instaló en Lucca. Fue nombrado primer violín de la República de Lucca.
En 1805, Niccolò también fue nombrado segundo violinista de la corte y tutor de violín del marido de la hermana de Napoleón, la princesa de Lucca. Mientras trabajaba para la Princesa de Lucca, recibió su primera gran oportunidad cuando dio un recital en el Teatro alla Scala de Milán en octubre de 1813. Realizó más de cien conciertos en toda Italia y en ese momento se ganó la atención de los músicos. Así comenzó su fama como el violinista más destacado de Europa.
En 1828, Niccolò inició su primera gira europea que comenzó en Viena y por las principales ciudades de Alemania. Se instaló en Estrasburgo hasta 1831. Su éxito allí condujo a la «formación de un culto» donde todo era «a la Paganini».
En 1832, Niccolò Paganini realizó una gira por Gran Bretaña, Inglaterra y Escocia ganando enormes cantidades de dinero. Se instaló en París durante un año y comenzó a sufrir diversas dolencias. Su estrellato le trajo una gran fortuna, pero en ocasiones fue mal utilizada debido a su estilo de vida poco refinado y no tradicional. Niccolò regresó a su ciudad natal Génova en 1836 para publicar sus composiciones y tuvo conciertos realmente exitosos; el público acudió en masa para verlo actuar.

Niccolò Paganini partió hacia París en 1838 y debido al deterioro de su salud en sus últimos años, intentó fundar un casino propio que no tuvo éxito. Tras esto se mudó a Marsella, y más tarde a Niza, Francia donde falleció.

Logros y reconocimientos

En 1813, Niccolò Paganini realizó “La danza de las brujas” en Turín, de la que se dice que fue una de las “exhibiciones de pirotecnia con violín más impresionantes jamás presentadas” y el éxito de la misma lo llevó a la fama internacional.

En 1827, el Papa León XII confirió a Niccolò Paganini la Orden de la Espuela de Oro.
En 1828, mientras estaba en Viena, Niccolò Paganini recibió el título honorífico de Virtuoso de Cámara por parte del Emperador y recibió la medalla de San Salvador.
Niccolò Paganini es mejor recordado por sus “24 Caprichos para violín solo Op 1”, que escribió en tres grupos. (entre los años 1802 y 1817) Encargada por la ciudad de Génova, la obra se publicó por primera vez en 1982 con motivo de su bicentenario.
En la ciudad de Génova se han marcado 11 sitios que cuentan la historia de Paganini con una placa conmemorativa describiendo la importancia del lugar. 

Curiosidades:

Paganini fue uno de los primeros músicos en actuar sin partituras. Cuando estaba de gira a principios del siglo XIX, todavía era común que los intérpretes llevaran sus partituras consigo en el escenario. Paganini rechazó este enfoque.

Paganini, aficionado a los juegos de azar, perdió su violín Amati en una apuesta. Luego un violinista aficionado le prestó un Guarnieri. Desde entonces Paganini sólo tocaría un Guarnieri, al que llamó «Cannon», que se exhibe ahora en el Museo Palazzo Tursi, en su ciudad natal de Génova, Italia.

Paganini también apoyó a los artistas que no lograron su éxito financiero. Se supo que actuó para instituciones caritativas y en conciertos para apoyar a artistas indigentes hacia el final de su carrera.

Existen rumores de que Paganini pudo haber tenido uno o dos trastornos genéticos. El primero es el síndrome de Marfan, un trastorno que afecta el tejido conectivo del cuerpo y que a menudo se manifiesta a través de extremidades y dedos extremadamente largos. También se especula que Paganini tenía otro trastorno genético llamado Ehlers-Danlos, que se manifiesta como hipermovilidad de las articulaciones. Paganini desarrolló técnicas que nadie más podía realizar y su forma de tocar era extraordinaria. No es de extrañar que comenzaran los rumores que explicarían sus incomparables habilidades.

Debido a su inexplicable destreza y talento, y a su apariencia alta, delgada y demacrada, le dieron el sobrenombre de «Der Hexensohn» o «El hijo de la bruja». También fue llamado el «hijo del Diablo». Estos apodos a menudo se tomaban literalmente. Tanto es así que cuando murió, la iglesia se negó a enterrarlo en tierra sagrada. 

Obras de Paganini para violín solo:

  • 24 Capricci Op.1 M.S. 25 (c. 1805)
  • Sonata a Violín solo M.S. 83 Sin indicación de tempo
  • Adagio non tanto
  • Polonesa con variaciones (I-VII)
  • Caprice d´adieux M.S. 68 (¿1831?)
  • Introducción y variaciones sobre “Nel cor piu non mi sento”, de la ópera La molinara, de Paisiello M.S. 44 (¿1820?)
  • Capriccio ad Lib. –Tema (Variaciones I-VII)
  • God save the king per violino solo M.S. 56
  • Tema Andante sostenuto (Variaciones I-IV)
  • Inno patriotico, tema y seis variaciones M.S. 81
  • Tema Allegro (Variaciones I-VI)
  • Sonata a violin solo M.S. 6
  • Adagio
  • Allegro molto
  • Tema Variato per violino M.S. 82
  • Tema (Variaciones I-VII)

Paganini también compuso numerosas obras para violín y orquesta, música de cámara y también obras para violín y guitarra.